• Brendshme
• Dritaret
• Muret
• Projektet
• Ndërtesat

Cila është një temë e përjetshme në art. Përmbledhje e një mësimi muzikor "temat e përjetshme të artit dhe jetës". Njeriu është një enë

Tema të përjetshme të artit dhe jetës

Qëllimi: përmes komunikimit me vepra të ndryshme artistike, përpiquni të kuptoni se gjuha e artit nuk ndryshon me kalimin e kohës dhe se ajo bazohet në vlerat shpirtërore të zhvilluara nga njerëzimi.

Detyrat:

zhvillimi i një qëndrimi emocional dhe të ndërgjegjshëm ndaj veprave të artit të epokave dhe lëvizjeve të ndryshme;

nëpërmjet “tingëllimit” të imazheve artistike, mësoni të kuptoni se si një artist bëhet kronist i epokës së tij, duke reflektuar pulsin e saj;

zhvillojnë te nxënësit aftësinë për të analizuar, sintetizuar dhe reflektuar mbi bazën e materialit mësimor (muzikë nga J. S. Bach, riprodhime pikturash, interpretim figurativ të këngëve "Qyteti i Artë", "Qirinjtë");

mësoni të shprehni qëndrimin tuaj ndaj vlerave të përjetshme të zhvilluara nga njerëzimi;

zgjerojnë horizontet kulturore dhe artistike të nxënësve nëpërmjet njohjes me muzikën dhe pikturënXVIII-XX shekuj

Forma e mësimit: mësim reflektimi.

Pajisjet: portrete të J. S. Bach, B. Grebenshchikov, F. da Milano, qiri, fotografi të organit, flakë qiri, riprodhime pikturash (T. Gainsborough "Zonja në blu", A. Venetsianov "Në të korrat", B. Kustodiev " Gruaja e tregtarit në çaj"), bordi interaktiv.

Skenari i mësimit

"Idetë ndryshojnë, por zemra mbetet e njëjtë."

F. M. Dostoevsky

1. moment organizativ

duke përshëndetur studentët. Duke u përgatitur për të punuar.

– Sot kemi një mësim të pazakontë - një mësim reflektimi. Për çfarë do të mendojmë? Le të na ndihmojë thënia "Idetë ndryshojnë, por zemra mbetet e njëjtë", që i përket shkrimtarit rus.XIXshekulli tek F. M. Dostojevski.(Deklarata dhe portreti i shkrimtarit janë në ekranin e tabelës së bardhë interaktive.) Si i kuptoni këto fjalë? (përgjigjet e fëmijëve)

– Vërtet, vitet kalojnë, epoka të tëra fluturojnë, breza njerëzish ndryshojnë, por ndjenjat e mirësisë, shpresës dhe besimit mbeten, të cilat ndihmojnë në kohë të vështira. Dhe nuk ka rëndësi se kur jetoi artisti - shumë vite më parë apo sot. Nëse ai është një mjeshtër i vërtetë, ai do të krijojë një vepër që do të emocionojë shumë breza njerëzish, duke u sjellë atyre "ngushëllim dhe mbështetje". Do të takojmë vepra arti të krijuara në epoka të ndryshme dhe do të përpiqemi të kuptojmë se si ato ndikojnë te bashkëkohësit tanë, dhe për rrjedhojë ju dhe mua.

Dëgjimi i muzikës "Qyteti i Artë"

bashkëbisedim.

– E keni njohur muzikën që është luajtur që në fillim? (“Qyteti i Artë” nga B. Grebenshchikov, F. Canova da Milano)

(E paraqitur në tabela e bardhë interaktive portretet e F. Canova da Milano dhe B. Grebenshchikov.)

– Për çfarë flet kjo këngë? (për një qytet ideal ku nuk ka të keqe, dhunë, ku ka shumë dritë)

– Cili është karakteri i banorëve të këtij qyteti? (këta janë njerëz të butë, ëndërrimtarë, simpatikë)

– Le të interpretojmë këngën dhe të përpiqemi të shprehim me vërtetësi intonacionin e autorëve.

(Performanca e këngës "Qyteti i Artë.")

– E keni marrë imazhin e këngës? (ne u përpoqëm të përcjellim imazhin e Bukurisë, Mirësisë, Butësisë)

– Dhe nëse kjo muzikë na preku sadopak në shpirtin tonë, atëherë nuk është krijuar më kot. Ajo bëhet "ngushëllim dhe mbështetje" për ne.

– Pse muzikanti modern i rrokut Boris Grebenshchikov iu drejtua melodisë së muzikantit të funditXVIshekulli Francesco da Milano? (kjo ishte një lloj lidhjeje shpirtërore; në periudha të ndryshme, krijuesit e artit kërkuan të gjenin atë burim drite që do t'i ndihmonte njerëzit të kapërcenin vështirësitë në rrugën e jetës)

– Ndoshta, një mjeshtër i tillë që i ndihmoi njerëzit të fitonin besim në aftësitë e tyre ishte kompozitori Johann Sebastian Bach.(Në ekran është një portret i J. S. Bach.)

– E mbani mend se cili vend i dha Bach botës? (Gjermani)

– Shikoni: Bach është krejtësisht i ndryshëm nga bashkëkohësit tanë - si rrobat dhe flokët e tij janë të ndryshme. Kompozitori jetoi shumë kohë më parë - më shumë se 250 vjet më parë.

– Ata thonë se ju mund ta kuptoni botën e brendshme të një personi nga pamja e tyre. A mendoni se ai ishte një person joserioz? (studentët flasin për botën e brendshme të kompozitorit: një vështrim serioz, i qetë, i vëmendshëm, ndoshta duke kërkuar nga vetja dhe të tjerët)

– Fakti që ai ishte një person kërkues dëshmohet nga fakti se kompozitori i shkroi veprat e tij kryesore tashmë në moshë madhore.

Mesazh për kompozitorin (detyrë e avancuar për një grup studentësh)

Johann Sebastian Bach, djali më i vogël i Johann Ambrosius, lindi në Eisenach në 1685, më 21 mars. Ai ishte një muzikant oborri në Weimar për Dukën Johann Ernst, një organist në kishën në Mühlhausen dhe Weimar dhe drejtor i muzikës së dhomës në oborrin e Dukës së Madhe Anhaltkäthen. Më 1723 u emërua drejtor i korit muzikor në Lajpcig.

Pasi dëgjuan fragmente nga biografia e kompozitorit, studentët vërejnë se jeta e tij ishte "mbi rrota" kompozitori u zhvendos nga një vend në tjetrin.

Në ato ditë, jeta e një muzikanti ishte e vështirë, kërkimi i vazhdueshëm i të ardhurave e detyroi atë të kërkonte një vend të ri pune. Biografët thanë gjithashtu se kompozitori kishte një prirje shumë të pavarur dhe ai shkroi muzikë që ishte "të pamjaftueshme". Për një kohë të gjatë, Bach punoi në kishë, duke shoqëruar shërbimin. Prandaj, ai shkroi shumë muzikë për organin - një instrument i fuqishëm, me zë të lartë, tingulli i të cilit rivalizon një orkestër të tërë simfonike.(Një imazh i një organi shfaqet në ekran.)

Bach, si shumë njerëz të tjerë, i kapërceu problemet e jetës njëra pas tjetrës. Familja e tij ishte me të. Bach u kthye nga puna i lodhur. Dhe familja e takoi në dhomën e ndenjes në tavolinë, duke ndarë përshtypjet e tyre të ditës së kaluar. Le ta dëgjojmë këtë bisedë.

(Dëgjimi i organit Prelude në E minor.)

– Cila ishte natyra e bisedës? Si folën me njëri-tjetrin? Dialogu ishte i qetë apo nervoz? (ata folën me respekt me njëri-tjetrin, askush nuk e ndërpreu askënd; fjalim i matur, i qetë)

– Si e kuptove këtë? (muzika sugjeroi: qetësi, tempo pa nxitim, dinamikë e qetë, zëra tingëlluan në mënyrë alternative)

– Për çfarë mund të jetë biseda? (përgjigjet e fëmijëve)

– Një marrëveshje e tillë në muzikë quhet polifoni (nga greqishtja “polifoni”).

(Në ekran - përkufizimi i "polifonisë".)

– Ndihmoi për të mbajtur ngrohtë vatër dhe shtëpi nëna - Anna Magdalena. Gruaja e parë e Bach vdiq dhe Anna Magdalena u bë një nënë e vërtetë për fëmijët dhe për vetë Bach, një mik që e ndihmoi të kapërcejë vështirësitë. Kompozitori ia kushtoi muzikën Anna Magdalena - një lloj letre njohjeje.

(Tingëllon Scherzo nga Suita nr. 2 nga J. S. Bach.)

Pas dëgjimit, studentët ndajnë përshtypjet e tyre, i kushtojnë vëmendje gjendjes shpirtërore, mjeteve shprehëse dhe instrumentit solo me një zë të butë - flautit.

(Në ekran ka një imazh të një flauti.)

(Në ekran - përkufizimi i "homofonisë".)

– Si do ta quani këtë muzikë? (flutur, shaka, re, fluttering) Pse? (përgjigjet e fëmijëve)

– Vetë Bach e quajti atë "Scherzo".(Në tabelë ka një fjalë të re "scherzo".)

– Scherzo do të thotë "shaka" në italisht. Në kohën e kompozitorit, emrat muzikorë zakonisht jepeshin në italisht, pasi muzika profesionale u shfaq në Itali.

– Pse mendoni se kompozitori e ka quajtur kështu muzikën e tij? (përgjigjet e fëmijëve) Ndoshta sepse donte të shihte gruan dhe fëmijët e tij të buzëqeshur, duke harruar për një çast hallet e jetës.

Më pas nxënësit ndahen në grupe. Secilit grup i jepen fletë letre dhe markera. Ata janë të ftuar të përshkruajnë muzikën e "Scherzo", për të ndjerë pulsin e saj, lëvizjen e melodisë. Gjithashtu në ekranin e tabelës, një/dy nxënës tregojnë pulsin e muzikës. Pas përfundimit të detyrës, bëhet një diskutim i punës së përfunduar. Secili grup mbron projektin e tij dhe analizon punën e nxënësve në tabelë. Më pas, djemtë arrijnë në përfundimin se muzika lëviz në mënyrë të vazhdueshme, duke mbajtur me vete imagjinatën tonë.

Pas kësaj, nxënësve u kërkohet të shikojnë portretet e femrave dhe të përcaktojnë se cila nga imazhet është më afër në intonacion me muzikën e Scherzo-s.

(Në ekran ka portrete femrash: gra fshatare (A. Venetsianov "Në të korrat"), gra tregtare (B. Kustodiev "Gruaja e tregtarit në çaj"), gra fisnike (T. Gainsborough "Zonja me blu").)

Fëmijët reflektojnë mbi imazhet. "Zonja me blu" ka një buzëqeshje kalimtare, mezi të dukshme, të lehtë, të këndshme, të ngjashme në intonacion me "Scherzo". Kjo nuk është rastësi, pasi të dyja veprat janë krijuar afërsisht në të njëjtën kohë, nëXVIIIshekulli, të cilin bashkëkohësit e quajtën “Epoka Galant”. Kjo është arsyeja pse shakaja është elegante, delikate, pak e fshehur, inteligjente.

– Mendoni se kjo muzikë mund të quhet bashkëkohore për ne? (është e mundur, sepse Bach shprehu ndjenja të sinqerta për familjen e tij dhe ne e kuptuam këtë; por këto ndjenja këto ditë shprehen më hapur)

– Çfarë ju tërhoqi më shumë nga muzika e Bach? Ndoshta ajo ju ka ndihmuar në një farë mënyre? (muzika ju ndihmon të dëgjoni me kujdes bashkëbiseduesin tuaj, ta trajtoni njëri-tjetrin më me kujdes dhe me dashamirësi)

– Në të vërtetë, muzika e ndihmon një person të mbetet i sjellshëm dhe i përgjegjshëm ndaj njerëzve që e rrethojnë.

– Mos harroni se kur anëtarët e familjes Bach u takuan pas një dite të vështirë, ata u ulën tryezë e rrumbullakët, ndezën qirinj dhe folën për aktivitetet e tyre të përditshme. Me çfarë ndjenjash? (me mirësi, respekt, sinqeritet, butësi)

– Le të ndezim qiriun tonë dhe të imagjinojmë se kjo është një copëz nga flaka e zjarrit që ngrohi familjen Bach.

(Qiri është ndezur dhe një imazh i flakës së qiririt shfaqet në ekran.)

Është interpretuar kënga “Qirinj” (autor M. Zvezdinsky).

– Shikoni njëri-tjetrin, ndjeni veten. A është bërë më ngrohtë? Kjo do të thotë se përpjekjet tona me ju nuk ishin të kota.

– Gjatë mësimit, ne vetë ndjemë se si muzika, madje edhe muzika e tillë e lashtë si muzika e Bach, e transformon jetën tonë përmes vetvetes. Nëse muzika rezonon në shpirtin tonë, do të thotë që për një moment bëhemi më të sjellshëm.

– Gjatë orës së mësimit pamë vepra të ndryshme artistike. Në mënyrën e tyre, autorët prekin çështje që shqetësojnë jo vetëm ata, por edhe shumë njerëz. Çfarë mendoni se kanë të përbashkët? (përgjigjet e fëmijëve) Ata shprehin sinqerisht dhe me vërtetësi qëndrimin e tyre ndaj jetës, duke përdorur ngjyra të ndryshme artistike.

Shkrimtari i madh rus Fjodor Mikhailovich Dostoevsky tha: "Idetë ndryshojnë, por zemra mbetet e njëjtë". Vërtet kalojnë vitet, njerëzit lindin dhe vdesin, por vlerat e përjetshme mbeten - Besimi, Mirësia, Shpresa, Sinqeriteti, Dashuria...

Detyrë shtëpie: shkruani një letër njohjeje për një të dashur (në formën e një poezie, kartolinë, vizatim, zanat, etj.).

Koncepti i "artit" është i njohur për të gjithë. Ajo na rrethon gjatë gjithë jetës sonë. Arti luan një rol të madh në zhvillimin e njerëzimit. Ajo u shfaq shumë përpara krijimit të shkrimit. Nga artikulli ynë mund të mësoni për rolin dhe detyrat.

Çfarë është arti? Informacione të përgjithshme

Koncepti i "artit" është mjaft i shumëanshëm. Zakonisht kjo nënkupton një degë të veprimtarisë njerëzore që mund të plotësojë një nevojë shpirtërore, domethënë dashurinë për të bukurën. Arti është një formë e veçantë e vetëdijes shoqërore. Është pikërisht kjo që përfaqëson pasqyrimin artistik të jetës njerëzore. Falë tij, ju mund të zbuloni se si jetuan njerëzit në një periudhë të ndryshme kohore.

Autori i parë që zbuloi konceptin e "artit" ishte Charles Bateau. Ai krijoi një traktat të tërë në të cilin e klasifikoi këtë degë të veprimtarisë njerëzore. Libri i tij “Artet e bukura reduktohen në një parim” u botua në 1746. Charles Bateau beson se ato mund të përcaktohen sipas disa kritereve. Autori është i sigurt se arti sjell kënaqësi dhe është gjithashtu i natyrës shpirtërore, jo fizike.

Koncepti i "artit" përfshin pikturën, muzikën, poezinë, arkitekturën dhe shumë më tepër që ne i hasim çdo ditë. Çdo lloj veprimtarie artistike ka të caktuara cilësitë pozitive. Çdo sferë e artit ka një mënyrë të veçantë për të riprodhuar realitetin dhe detyrat artistike. Të gjitha llojet e veprimtarisë artistike ndahen në lloje dhe gjini.
Arti zakonisht ndahet në tre grupe:

• tonik (muzikë dhe poezi);
• figurative (arkitekturë, pikturë dhe skulpturë);
• të përziera (koreografi, aktrim, të folur në publik dhe të tjera).

Ekzistojnë lloje të ndryshme të artit:

• hapësinore, në të cilën, falë ndërtimit, zbulohet një imazh i dukshëm (skulpturë, arkitekturë);
• e përkohshme, në të cilën kompozimi që shpaloset në kohë reale (poezi, muzikë) merr rëndësi;
• hapësirë-kohore - art argëtues (shfaqje cirku, kinema, koreografi).

Grafika

Arti grafik është një lloj që përfshin vizatimin dhe grafika të printuara të imazheve (gdhendje, minotopi, etj.). Mjetet e tij të shprehjes janë kontur, goditje, sfond dhe spot. Dihet se kjo është forma më e njohur e artit të bukur. Në përmbajtjen dhe formën e saj, grafika ka shumë të përbashkëta me pikturën.

Gdhendja është një lloj grafike në të cilën vizatimi është një përshtypje e printuar. Zbatohet me një gdhendje të veçantë. Gdhendja mund të përshkruhet në metal, dru dhe linoleum.

Një lloj tjetër i popullarizuar i grafikës është një metodë e veçantë e shtypjes së sheshtë, në të cilën sipërfaqja e një guri shërben si pllakë printimi. Ky lloj u shpik në 1798. Imazhi aplikohet në gur duke përdorur një bojë ose laps të veçantë.

Arti i grafikës është më i lashtë nga të gjitha ato ekzistuese. Imazhet e para ekzistojnë nga epoka neolitike dhe e bronzit. Paraardhësit tanë gërvishtën dizajne në muret dhe shkëmbinjtë e shpellave. Pas ca kohësh, imazhet u aplikuan në armë dhe sende shtëpiake. Pasi u shfaq shkrimi, grafika u përdor në hartimin e letrave, librave dhe kartave.

Metodat për kopjimin e modeleve ishin të panjohura për shumë vite. Kjo është arsyeja pse të gjitha imazhet u krijuan në një kopje të vetme. Nuk është sekret që sot vizatime të tilla grafike janë në kërkesë midis koleksionistëve.

Në mesin e shekullit të 20-të, specialistët filluan të zhvillonin teknika grafike bardh e zi. U krijuan më shumë se 20 opsione teksture grafike. U botuan manuale trajnimi. Sot grafika zë një vend kryesor në art.

Bento

Bento është një art i pazakontë për fëmijë dhe të rritur. Nuk është sekret që shumë prindër nuk dinë se si ta mësojnë fëmijën e tyre të ushqehet shëndetshëm. Sot në raftet e dyqaneve ka një përzgjedhje të madhe të dëmshme dhe madje ushqim i rrezikshëm. Mund të vijë në shpëtim pamje e re art - bento. U shfaq në Kinë. Ky është termi që kinezët përdorin për të përshkruar ushqimin që paketojnë në kuti të veçanta dhe e marrin me vete në shkollë ose në punë. Një bento është një vepër arti që mund ta hani. Amvisat dhe kuzhinierët e talentuar krijojnë figurina dhe piktura të vogla nga ushqimi. Dallimi kryesor midis një ushqimi të tillë është ekuilibri dhe prania e një sasie të madhe vitaminash. Kinezët krijojnë vepra arti të ngrënshme vetëm nga ushqimi i shëndetshëm.

Bento është një art për fëmijë dhe të rritur, falë të cilit fëmija do të jetë i lumtur të hajë ushqime të shëndetshme. Në vendin tonë nuk është ende aq popullor, por tashmë njihen disa mjeshtra që e kanë zotëruar këtë teknikë.

Ndikimi i artit në vetëdijen dhe jetën e një fëmije. Si t'i shpjegojmë një fëmije veprat moderne të artit?

Arti luan rol të rëndësishëm në jetën e një fëmije dhe zhvillimin e personalitetit të tij. Sot, absolutisht çdo person duhet të ketë të paktën njohuri themelore për këtë apo atë fushë të veprimtarisë. Shoqëria po zhvillohet me shpejtësi, dhe për këtë arsye çdo personalitet duhet të jetë i shumëanshëm. Shumë prindër modernë përpiqen të rrënjosin tek fëmija i tyre dashurinë për artin sa më shpejt që të jetë e mundur. Për këtë qëllim, janë zhvilluar një numër i konsiderueshëm metodash prindërimi që mund të përdoren që në muajt e parë të jetës së fëmijës.

Fëmija kupton në shkollë llojet e artit. Në mënyrë tipike, prindërit, mësuesit dhe edukatorët i kushtojnë shumë vëmendje shkrimit, leximit, numërimit dhe lëndëve të tjera për të cilat është përgjegjëse hemisfera e majtë e trurit. Për të zhvilluar të drejtën, do t'ju duhet të angazhoheni në muzikë, vallëzim dhe lloje të tjera të arteve. Është e rëndësishme të zhvillohen të dy hemisferat e trurit në mënyrë që më vonë të bëheni një personalitet plotësisht i formuar.

Falë zotërimit të artit tek një fëmijë:

• formohet personaliteti;
• rritet niveli i potencialit intelektual;
• formohen udhëzime morale;
• zhvillohet aftësia e të menduarit krijues;
• shfaqet vetëbesimi dhe rritet vetëvlerësimi;
• zhvillohet kujtesa dhe vëmendja;
• horizontet zgjerohen.

Për të prezantuar një fëmijë me artin, është e rëndësishme para së gjithash të organizohet një zonë në të cilën të gjitha materialet e nevojshme veprimtari krijuese. Do t'ju duhet të keni disa libra për artin në shtëpi. Që në fëmijërinë e hershme, një fëmijë duhet t'i lexojë ato. Është e rëndësishme të diskutoni gjithçka që keni mësuar. Për t'u njohur me artin, do t'ju duhet të vizitoni muzetë, galeritë, teatrot dhe ekspozitat me fëmijën tuaj të paktën një herë në muaj. Në asnjë rrethanë mos i hidhni vizatimet, aplikacionet dhe punimet e krijuara nga fëmijët. Falë tyre ju mund të shihni rritjen krijuese të fëmijës. Është gjithashtu e rëndësishme që ta regjistroni sa më herët në një klub tematik, aktivitete në të cilat ai do t'i pëlqejë.

Disa vepra të artit modern shkaktojnë hutim jo vetëm nga fëmijët, por edhe nga të rriturit. Nuk është e pazakontë që një fëmijë apo një tjetër të mos e kuptojë arkitekturën që është projektuar nga modernistët. Është e rëndësishme t'i shpjegojmë nxënësit se çdo vepër arti është një fazë e rëndësishme në zhvillimin e njerëzimit.

Piktura abstrakte ngre shumë pyetje tek fëmijët. Ka një numër të konsiderueshëm botimesh të veçanta, falë të cilave prindërit mund t'i tregojnë fëmijës se sa e vështirë është të krijosh një vepër të tillë arti. Njëri prej tyre është "Kandinsky për veten".

Fëmijët shpesh janë të interesuar nëse arti modern dhe ai primitiv mund të krahasohen. Ju mund ta zbuloni këtë dhe shumë më tepër në artikullin tonë.

artet e bukura. Historia e zhvillimit të saj në Rusi

Njihen një numër i madh lloje të ndryshme artet Secila prej tyre ka karakteristikat dhe avantazhet e veta. Pothuajse të gjithë e dinë se çfarë është arti i bukur. Fëmijët njihen me të që në moshë të re.

Ky është një lloj aktiviteti artistik, falë të cilit mjeshtri mundet, me ndihmën e tij mjete të veçanta mund të riprodhohet botën rreth nesh. Historia e saj në Rusi ndahet në dy periudha, kufiri i të cilave u shënua nga reformat e Pjetrit. B ishte i lidhur ngushtë me nderimin e ikonave. Ikonat kishin stilin e tyre unik artistik. Qëllimi i veprave të tilla artistike është të tregojë gjakftohtësi dhe paqe lutëse në komunikim me Zotin. Kjo është pikërisht ajo që shpjegon praninë e mjeteve të caktuara artistike në ikona. Me kalimin e kohës, mjeshtrat zotëruan dhe shkollat ​​e pikturës së ikonave u hapën. Vepra më e famshme konsiderohet të jetë "Triniteti" nga A. Rublev. Ikonat e shekujve 15 dhe 16 dallohen për harmoninë e tyre të ngjyrave.

Në shekullin e 17-të, ikonat e "skriptit Fryazh" ishin të njohura. Ato karakterizohen nga elemente të pikturës evropianoperëndimore, përkatësisht bojëra vaji, një pamje modelimi bardh e zi, një përshkrim i saktë i njerëzve dhe natyrës. Interesi për ikonën si vepër arti u ngrit vetëm në shekullin e 19-të.

Skulptura e vjetër ruse ekzistonte në formën e gdhendjeve prej guri dhe druri. Më shpesh, mjeshtrat përshkruanin imazhe të shenjtorëve. Vëmendje e veçantë i është kushtuar fytyrës. Në shekujt 18 dhe 19, skulptorë dhe piktorë nga vende të tjera ishin të kërkuar. Pas ca kohësh, mjeshtrat vendas u bënë të njohur.

Në shekullin e 18-të, ajo u bë më e popullarizuar ajo karakterizohet nga ashpërsia e dizajnit, konvencioni i ngjyrave dhe përdorimi i skenave nga Bibla dhe mitologjia. Kështu gradualisht u shfaq arti kombëtar.

Në 1860-1880 u hapën galeritë e para dhe mjeshtrit vendas u bënë të famshëm në të gjithë botën. Drejtime të reja po shfaqen gradualisht. Secila prej tyre zinte një vend të rëndësishëm në formimin e trashëgimisë kulturore. Në shekujt 18 dhe 19, njerëzimi jo vetëm e dinte se çfarë ishte arti i bukur, por edhe e përdori atë në mënyrë aktive.

Temat e eksploruara në art

Çuditërisht, të gjitha temat dhe problemet që mjeshtrit zbulojnë në veprat e tyre të artit kanë qenë të rëndësishme për shumë shekuj. Romakët e lashtë argumentuan se arti, ndryshe nga jeta e njeriut, është i përjetshëm. Kjo nuk është rastësi. Temat në art nxjerrin në pah çështjet sociale që ndeshen shpesh sot. Kjo është arsyeja pse ato kanë një vlerë të madhe për njerëzimin. Mjeshtrit shpesh zbulojnë temën e dashurisë, natyrës dhe miqësisë në veprat e tyre.

Me kalimin e kohës, tendencat në art ndryshojnë dhe shfaqen mjeshtra të rinj, por temat dhe imazhet mbeten të pandryshuara. Kjo është arsyeja pse çdo punë mbetet e rëndësishme për shumë vite.

Arti dhe roli i tij

Roli i artit në jetën e shoqërisë është i paçmuar. Ai bazohet në një pasqyrim artistik dhe figurativ të realitetit. Arti formon pamjen shpirtërore të njerëzve, ndjenjat, mendimet dhe botëkuptimin e tyre. Rikrijimi figurativ i realitetit krijon personalitetin tonë. Arti ju ndihmon të zhvilloni dhe përmirësoni veten. Dhe gjithashtu për të njohur botën përreth jush dhe veten tuaj.

Arti është trashëgimi kulturore. Falë veprave të artit, mund të zbuloni se si jetonin njerëzit në një kohë ose në një tjetër. NË kohët e fundit Teknika të ndryshme të artit janë veçanërisht të njohura. Nëpërmjet artit ju mund të mësoni të kontrolloni veten. Duke krijuar një objekt artistik, ju mund të harroni problemet dhe të shpëtoni nga depresioni.

Arti dhe detyrat e tij

Maxim Gorky besonte se detyrat e artit qëndrojnë në vlerësimin moral dhe estetik të të gjitha fenomeneve domethënëse. Shkrimtari tha se falë kësaj ju mund të mësoni të kuptoni veten, të luftoni vulgaritetin, të jeni në gjendje të kuptoni njerëzit dhe të gjeni diçka të mirë tek ata. Sot njihen tre funksione të veprimtarisë artistike. Objektivat e artit janë kërkimi, gazetaria dhe edukimi. Mjeshtrit besojnë se funksioni i veprimtarisë artistike është të sjellë bukurinë në shpirtrat dhe zemrat e njerëzve. Nikolai Vasilyevich Gogol argumentoi se detyra e artit është të përshkruaj realitetin.

Art modern dhe primitiv

Shumë njerëz janë të interesuar, Në shikim të parë, kjo është e pamundur. Megjithatë, kjo nuk është e vërtetë. Nëse e perceptojmë artin si një mënyrë të shprehjes personale, atëherë si modernen ashtu edhe primitive janë në të njëjtin plan. Duke i krahasuar ato, mund të kuptoni se si ka ndryshuar perceptimi i një personi.

Mendimi njerëzor është bërë më abstrakt. Kjo tregon zhvillimin aktiv të inteligjencës. Me kalimin e kohës, njeriu ka ndryshuar prioritetet e tij dhe sot e percepton jetën ndryshe nga paraardhësit e tij primitivë. Më parë, mjeshtrit ishin të interesuar për pamjen e objektit dhe formën e tij, por tani emocionet luajnë një rol të madh në vepra. Ky dallim ka ekzistuar që nga fundi i shekullit të 19-të.

Le ta përmbledhim

Është e rëndësishme që në moshë të re të zhvillohet jo vetëm e majta, por edhe hemisferën e djathtë trurit Për ta bërë këtë ju duhet të praktikoni artin. Është veçanërisht e rëndësishme t'i kushtohet vëmendje e duhur zhvillimit krijues të fëmijës. Ne rekomandojmë fuqimisht ta bëni këtë që në vitet e para të jetës së tij. Jo të gjithë e kuptojnë rolin, detyrat dhe llojet e artit. Informacioni i përshkruar shkurtimisht në artikullin tonë ju lejon të fitoni njohuri themelore për fusha të ndryshme të veprimtarisë artistike.

Veprat e artit kapin pa ndryshim (me vullnetin e autorit ose në mënyrë të pavarur prej tij) konstantet e qenies, vetitë e saj themelore. Këto janë, para së gjithash, parime të tilla universale dhe natyrore (universale) si kaosi dhe hapësira, lëvizja dhe qetësia, jeta dhe vdekja, drita dhe errësira, zjarri dhe uji, etj. Të gjitha këto përbëjnë një kompleks temash ontologjike të artit.

Më tej, aspekti antropologjik i temave artistike është pa ndryshim domethënës dhe jashtëzakonisht i pasur. Ai përfshin, së pari, parimet aktuale shpirtërore të ekzistencës njerëzore me antinomitë e tyre (tëhuajsimi dhe përfshirja, krenaria dhe përulësia, gatishmëria për të krijuar ose shkatërruar, mëkatësia dhe drejtësia, etj.).

Së dyti, sfera e instinkteve të lidhura me aspiratat mendore dhe fizike të një personi, si libido (sfera seksuale), etja për pushtet, tërheqja për pasuri materiale, gjëra prestigjioze, rehati etj. Së treti, te njerëzit, ajo që përcaktohet nga gjinia e tyre (mashkulloriteti, feminiteti) dhe mosha (fëmijëria, rinia, pjekuria, pleqëria).

Dhe së fundi, së katërti, këto janë situata mbi-epokale të jetës njerëzore, forma historikisht të qëndrueshme të ekzistencës njerëzore (puna dhe koha e lirë, jeta e përditshme dhe festat; konfliktet dhe parimet harmonike të realitetit, jeta paqësore dhe luftërat ose revolucionet; jeta në shtëpi dhe qëndrimi në një vend të huaj ose aktivitete qytetare; privatësi etj). Situata të tilla përbëjnë sferën e veprimeve dhe përpjekjeve, shpesh kërkimet dhe aventurat, aspiratat e një personi për të arritur qëllime të caktuara.

Parimet ekzistenciale të emërtuara (dhe të mbetura pa emër), të ardhura në art, përbëjnë një kompleks të pasur dhe të shumanshëm temash të përjetshme, shumë prej të cilave janë “arketipale”, që datojnë që nga lashtësia rituale dhe mitologjike (arkaike). Ky skaj krijimtarisë artistikeështë pronë e të gjitha vendeve dhe epokave. Ajo shfaqet ose si qendër eksplicite e veprave, ose është e pranishme në to në mënyrë të fshehtë, ose edhe mbetet e pavetëdijshme nga autorët (nënteksti mitopetik).

Në tërheqjen e tij ndaj temave të përjetshme, arti rezulton të jetë i përafërt dhe i afërt me filozofinë dhe mësimet mbi natyrën njerëzore (antropologjinë) e orientuar ontologjikisht. Përthyerja e konstantave ekzistenciale në art u bë objekt i shqyrtimit të ngushtë nga filozofët e epokës romantike, si dhe nga shkencëtarët e shkollave mitologjike Grimm në Gjermani, F.I. Buslaev në Rusi) dhe ato neo-mitologjike. (N. Fry), kritika e artit psikoanalitik, me fokus veprat e Z. Freud dhe C. G. Jung.

Kohët e fundit janë shfaqur një sërë veprash serioze që eksplorojnë përfshirjen e arkaizmit mitologjik në krijimtarinë letrare të epokave afër nesh (vepra të G.D. Gachev, E.M. Meletinsky, Smirnov, V.I. Tyupa, V.N. Toporov). Përgjithësimet teorike të D.E meritojnë vëmendje të veçantë. Maksimova.

Duke theksuar rëndësinë e madhe të universaleve që datojnë nga arkaike për letërsinë e të gjitha epokave, shkencëtari foli në të njëjtën kohë për "traditën mitopetike" në letërsinë e shekujve 19-20. si një fenomen jo gjithëpërfshirës, ​​lokal. Kjo traditë, thotë D.E. Maksimov, shtrihet nga Komedia Hyjnore e Dantes dhe poezitë e Miltonit deri te Fausti i Gëtes dhe misteret e Bajronit; ajo bëhet më aktive pas Wagner-it, veçanërisht në simbolikë.

Shkencëtari nuk është dakord me idenë e pranuar gjerësisht të mitologjisë totale të artit dhe letërsisë: "Nuk mund të miratohet fantazia e shfrenuar letrare në interpretimet mitologjike të modernes. vepra arti për të cilën shpesh janë të interesuar shkencëtarët seriozë dhe erudit.” Ky gjykim, për mendimin tonë, është plotësisht i drejtë. Në fakt, fillimi mitologjik dhe mitopoetik dhe (më gjerësisht) sfera e universaleve ekzistenciale (me gjithë rëndësinë e saj) nuk është shterruese e asaj që njihet dhe zotërohet artistikisht. Kjo është vetëm një aspekt i temës së artit.

V.E. Khalizev Teoria e letërsisë. 1999

Tema të përjetshme

Ideja artistike dhe pedagogjike:

Art i vërtetë kurrë
nuk është i kënaqur vetëm me veten e tij;
nuk është qëllim në vetvete,
për qëllimin e tingujve është prodhimi,
qëllim - vepra - muzikë,
Qëllimi i muzikës është spiritualiteti.
Dhe një artikull origjinal
dhe subjekti i artit është Njeriu.
A. Schnittke.

Objektivi i mësimit:

Perceptimi dhe ndërgjegjësimi i nxënësve të shkollës për muzikën si mishërim figurativ i vlerave universale njerëzore, përvojës sociale dhe shpirtërore të brezave.

Detyrat:

Të konsolidojë njohuritë për sintezën e zhanreve muzikore (Rock Opera);

Zhvilloni një perceptim të ndërgjegjshëm emocional të muzikës.

Të kultivojë aftësinë për të parë bukurinë e forcës së shpirtit dhe fuqinë e dashurisë, aftësinë për të simpatizuar dhe simpatizuar.

Materiali muzikor:

E. L. Webber "Jezus Krishti Superylli".

Aria "Lutja për Kupën" (në anglisht dhe rusisht)

K. Kelmi “Mbyllja e rrethit”.

Materiali artistik:

I. Kramskoy "Krishti në shkretëtirë".

N. Ge "Krishti dhe Pilati".

Dionisi "Kryqëzimi".

L. Da Vinci "Darka e Fundit".

Prezantimi i mësimit me rrëshqitje.

Plani i mësimit:

Mos kini frikë të jepni fjalë ngrohëse

Dhe bëni vepra të mira

Sa më shumë dru të vendosni në zjarr

Sa më shumë nxehtësi do të kthehet

Omar Khayyam

Ecuria e mësimit

U: - Mirëdita. Djema, çfarë shihni në këtë foto?

U: - Çfarë është një tas, jepni një përkufizim për këtë objekt.

D: - Diçka që mund të mbushet, nga e cila mund të pini etj.

U: - Fjalori i Ozhegov thotë: "Një filxhan është një enë për të pirë". (Rrëshqitja nr. 2)

Le të kujtojmë thëniet ku përdoret kjo fjalë. (Pasi fëmijët të kenë dhënë shembujt e tyre, ofroni thëniet e renditura në rrëshqitjen nr. 3).

U: - Si i kuptoni pohimet e renditura më poshtë?

Pini një filxhan të hidhur (përjetoni fatkeqësi).

Kupa e durimit është mbushur (është e pamundur të durosh më).

Shtëpia është një filxhan plot (ka bollëk në shtëpi, ka shumë nga gjithçka).

Pi kupën e vdekshme (vdes).

Peshoret anohen në një drejtim (merret një vendim ose një tjetër).

Bazuar në këto pohime, mund të arrijmë në përfundimin se tasi nuk është i mbushur me lëng, por përmbajtjen e jetës.

Ekziston një thënie shumë e mençur në Indi:

Nëse doni të njihni një person, atëherë goditeni atë

Njeriu është një enë

ajo me të cilën është e mbushur do të fillojë të derdhet prej saj

Dëgjoni një pjesë muzikore. Me çfarë është e mbushur kupa e këtij personi?

(Tingëllon si "Aria e Jezusit në Kopshtin e Gjetsemanit" (në anglisht). 5.20)

U: - Si e shihni imazhin e një personi në muzikë?

D; (Njeriu po vuan, shpirti i tij është i shqetësuar, duket sikur bërtet i dëshpëruar).

U: - Mendoni se kjo muzikë është klasike apo moderne? Në çfarë stili mund të klasifikohet?

D: Me shumë mundësi kjo muzikë është shkruar në kohën tonë. Për sa i përket stilit, pjesa e realizuar mund të klasifikohet si muzikë rock.

U: - Ke te drejte. U luajt një fragment i një rock opere.

A nuk ju duket i çuditshëm ky kombinim? Rock opera. Çfarë mendoni se mund t'i bashkojë këto të dyja? drejtime të ndryshme në muzikë? (Slide numër 4).

D: - Dëshira e kompozitorëve për ta bërë artin e operës të aksesueshme për dëgjuesit modernë.

U: Opera është një shfaqje muzikore që zhvillohet sipas ligjeve të veta. Pavarësisht se opera u shfaq në shekullin e 16-të, ajo ndryshonte vazhdimisht, ishte e larmishme dhe komike, satirike dhe tragjike. Me dekorime të harlisura dhe kostume modeste në skenën e rrugës. Pak kohë më parë dëgjuam operën "Rigoletto", ku tregohej për Dukën e shthurur, të kotë, mendjelehtë dhe rrethuesit e tij. Dhe muzika rock është një mënyrë për të shprehur problemet e shoqërisë.

Në të vërtetë, Rock është bërë një mënyrë për të shprehur disponimet e caktuara të brezit të ri, qëndrimin e tyre ndaj jetës përreth dhe problemeve të saj. Shumëçka ka ardhur për të tronditur individë të ndritshëm, njerëz të talentuar poetikisht dhe muzikalisht. Ata kërkuan të gjenin mundësi muzikore për zbulimin e përmbajtjes në rock.

Kërkoni për të reja mjete shprehëse, i çoi muzikantët në përdorimin krijues të drejtimeve të tjera të së kaluarës dhe të tashmes, duke përfshirë klasikët muzikorë. Lidhja me operën zë një vend të veçantë. Në fund të fundit, opera është një teatër, një aksion, dhe rock, me mënyrën e tij të shfaqjes dhe efektet e ndryshme dekorative dhe ndriçuese, graviton drejt teatrit. Cilësia më e rëndësishme e rock operës është uniteti i brendshëm i muzikës dhe aksionit dramatik.

T: Sot në klasë dëgjuam një fragment të operës rok "Jesus Christ Superstar" e vënë në skenë në vitin 1971 në Broadway, ajo u bë një ndjesi e vërtetë e sezonit teatror të Nju Jorkut, duke shënuar plotësisht lindjen e një zhanri të ri. (Rrëshqitja nr. 5)

U: - Cilit hero mendoni se i përket kjo arie?

Jezu Krishti - e cila ka për qëllim të shpëtojë njerëzit nga e keqja, por në fund rezulton të jetë viktimë

Juda - një tradhtar, por që tradhton për hir të shpëtimit të vetë Krishtit dhe çështjes së tij

Ponc Pilati - i cili ndëshkon kundër vullnetit të tij

Mbreti Herod- që mishëron të gjitha veset e mundshme.

D: - Me shumë mundësi, Jezu Krishti. Në muzikë mund të dëgjosh historinë e një personi të vuajtur, muzika është plot dhimbje dhe dëshpërim.

U: - Çfarë dini për jetën e këtij personi? Si ju duket ai?

D: - Ky është një njeri - biri i Zotit, i cili erdhi në tokë për të shpëtuar njerëzit.

T: - Çfarë ngjarjesh mendoni se tregohen në këtë vepër?

D: - Oh ditët e fundit jeta e Jezu Krishtit.

T: - Sa vjeç ishte Jezusi kur ndodhën këto ngjarje?

D: - 33 vjeç. Ai ishte një djalë i ri, plot energji, prandaj ndoshta nuk donte të vdiste.

Drama e Jezusit, duke shkuar në tortura dhe ekzekutim në emër të lumturisë së njerëzve, tradhtia e Judës, heqja dorë nga dishepulli i tij i dashur - Pjetri, figura e Pilatit - guvernatori romak i Judesë, duke kryer një gjyq të padrejtë, turma duke hedhur poshtë profetin e tyre dhe duke e dënuar me vdekje. Të gjitha këto ngjarje dhe imazhe të traditës ungjillore, të mbushura me tragjedi të lartë dhe kuptim të thellë njerëzor, kanë tërhequr prej kohësh dhe vazhdojnë të tërheqin vëmendjen e kompozitorëve dhe shkrimtarëve.

U: - Shumë artistë përshkruanin Jezu Krishtin në kanavacat e tyre. Këtu është një vizual:

1. Dionisi. Kryqëzimi.1512

2.N.N. Krishti dhe Pilati 1890

3. Leonardo da Vinçi. darka e fundit

4.I.Kramskoy. Krishti në shkretëtirë

U: Le të dëgjojmë përsëri skenën "Lutemi për Kupën" dhe të përcaktojmë se me cilën pamje është në harmoni kjo muzikë? Dëgjoni, cilat ndjenja dhe mendime janë të mbushura me arien e Krishtit? (Aria "Lutja për Kupën" tingëllon në Rusisht). (Dosja "Muzikë") 5.20.

U: - Me çfarë ndjenjash është e mbushur? Si është strukturuar arija e Jezusit?

D: - Në fillim muzika tingëllon e qetë, lirike, pastaj tensioni rritet, ndonjëherë arrin deri në një klithmë dëshpërimi, por më pas gjithçka ngrin dhe melodia origjinale tingëllon përsëri. Por ajo është plot besim, Jezusi ka marrë një vendim, dhe kjo besim ndjehet në muzikë, tingulli bëhet më i fortë.

U: - Kujt po i drejtohet?

D: - Te Zoti, te babai. Krishti pyet: "Pse duhet të vdes?" Ai nuk dëshiron të vdesë, por e kupton që duhet të përmbushë atë që e ka përcaktuar fati.

U: - Shikoni me kujdes. Me çfarë fotografie është bashkëtingëllorja muzikore? (Rrëshqitja nr. 6)

Duke analizuar mishërimin artistik të imazhit të Krishtit në muzikë, pikturë dhe Bibël. Djemtë arrijnë në përfundimin se piktura e I. Kramskoy "Krishti në shkretëtirë" është më në harmoni me muzikën. (Rrëshqitja nr. 7)

Thellësisht i vetëm, i ulur në sfondin e një peizazhi të shkretë, shkëmbor, duke arritur në mendime të thella, Krishti perceptohet si një simbol i gatishmërisë për të sakrifikuar veten në emër të një qëllimi më të lartë.

U: - Krijuesit e operës, (Rrëshqitje nr. 8) ishin shumë të rinj (kompozitori Lloyd Weber është 23 vjeç, autori i libretit Tim Rice është 26 vjeç).

Pse mendoni se në mesin e shekullit të 20-të, në epokën e përparimit të shpejtë teknologjik, teknologjisë hapësinore, zbulimeve shkencore, shumë të rinj iu drejtuan kësaj teme?

D: - Në lutjet e krishtera gjetëm idealin e pastërtisë, vetëmohimit dhe dashurisë vëllazërore. Rruga drejt ripërtëritjes shpirtërore të një shoqërie të zhytur në lakmi, egoizëm dhe egoizëm. (Rrëshqitje nr. 9).

“Ne e shohim Jezusin jo si Zot, por si një njeri të kapur koha e duhur në vendin e duhur – tha Tim Rice në një intervistë për Time. Detyra jonë është të tregojmë historinë e Jezusit njeriu. Unë mendoj se nga ky kënd madhështia e tij vetëm sa rritet" .

Skena e fundit sugjeron që një shfaqje teatrale është shpalosur para nesh. Një shfaqje me një temë që në art quhet "e përjetshme" - për dashurinë, miqësinë, tradhtinë, sakrificën. Kjo temë quhet "e përjetshme" sepse i bën njerëzit e të gjitha epokave dhe të gjitha moshave të mendojnë dhe reflektojnë.

Kanë kaluar më shumë se 40 vjet nga krijimi i operës rok "Jesus Christ Superstar", por edhe sot kjo vepër mbetet e kërkuar nga dëgjuesit.

Le të kthehemi te rrëshqitja jonë e parë dhe të gjithë do të përpiqen të mbushin kupën e tyre me emocione, ndjenja që lindën tek ju.

D: - mirësi, dhembshuri, dashuri, keqardhje

Kjo është ndoshta arsyeja pse ne ende i drejtohemi imazhit të Jezu Krishtit sot.

Zabelin Vladislav "Zoti na dhëntë"

1. Zoti më jep pak më shumë
Lumturia dhe dashuria
Dhe miq të mirë gjithashtu
Që të mos na zhgënjejë

P.sh.: dritare të hapura gjatë natës
Do ta hap dhe do të lutem
Yjet do të buzëqeshin nga qielli
Dhe trishtimi do të zhduket
Yjet do të buzëqeshin nga qielli
Dhe trishtimi do të zhduket

2. Zoti na dhëntë të jemi më të mençur
Dhe bëhu më i fortë
Lëreni njëri-tjetrin të jetë më i sjellshëm
Mësoni të dashuroni

Lista e referencave dhe burimeve të internetit.

Gavrilov A. Çfarë është shkëmbi? //Muzika dhe ti nr. 8, 1989.

Zakirova G.Ya. Zhanret moderne muzikore. //Muzika në shkollën nr.1, 2005.

Koltsova O.M. Rock opera "Jezus Krishti Superylli". //Muzika në shkollën nr.3, 2004.

Konovalov I. Në origjinën e operës rock. // Muzika dhe ti nr. 3, 1990.

Orlova E. V. Për problemin e marrëdhënies midis traditave artistike lindore dhe perëndimore në muzikën e shekullit të 20-të. //Muzika në shkollën nr.6, 2004.

Prokoshin Yu.S. Opera amerikane e viteve 80 të shekullit XX. //Muzika në shkollën nr.3, 2004.

Raigorodsky B.D. Çfarë mund të bëjë muzika. //Muzika në shkollën nr.4, 2004.

Enciklopedia "Arti". M.: Avanta, 2001. vëllimi 7, pjesa 3.

CD "Cyril and Mythodiy"

1. Numri i stileve dhe tendencave është i madh, nëse jo i pafund. Tipari kryesor me të cilin veprat mund të grupohen në stile janë parimet e përbashkëta të të menduarit artistik. Zëvendësimi i disa metodave të të menduarit artistik me të tjera (alternimi i llojeve të kompozimeve, metodat e ndërtimit hapësinor, tiparet e ngjyrave) nuk është i rastësishëm. Perceptimi ynë për artin gjithashtu ka ndryshuar historikisht.
   Duke ndërtuar një sistem stilesh në një rend hierarkik, ne do t'i përmbahemi traditës eurocentrike. Koncepti më i rëndësishëm në historinë e artit është koncepti i epokës. Çdo epokë karakterizohet nga një "pamje e botës", e cila përbëhet nga ide filozofike, fetare, politike, koncepte shkencore, karakteristika psikologjike të botëkuptimit, standarde etike dhe morale, kritere estetike të jetës, me të cilat një epokë dallohet nga tjetra. . Këto janë epoka primitive, epoka Bota e lashtë, Antikiteti, Mesjeta, Rilindja, Kohët moderne.
   Stilet në art nuk kanë kufij të qartë, ato shndërrohen pa probleme në njëra-tjetrën dhe janë në zhvillim, përzierje dhe kundërshtim. Në kuadrin e një stili artistik historik, lind gjithmonë një i ri, i cili, nga ana tjetër, kalon në tjetrin. Shumë stile bashkëjetojnë në të njëjtën kohë dhe për këtë arsye " stile të pastra"nuk ndodh fare.
   Disa stile mund të bashkëjetojnë në të njëjtën epokë historike. Për shembull, Klasicizmi, Akademizmi dhe Baroku në shekullin e 17-të, Rokoko dhe Neoklasicizmi në shekullin e 18-të, Romantizmi dhe Akademizmi në shekullin e 19-të. Stilet si klasicizmi dhe baroku quhen stile të shkëlqyera sepse zbatohen për të gjitha llojet e artit: arkitekturë, pikturë, arte dekorative dhe të aplikuara, letërsi, muzikë.
   Është e nevojshme të bëhet dallimi ndërmjet: stileve artistike, drejtimeve, lëvizjeve, shkollave dhe veçorive stile individuale mjeshtra individualë. Brenda një stili mund të ketë disa lëvizje artistike. Një drejtim artistik përbëhet nga karakteristika tipike të një epoke të caktuar dhe metoda unike të të menduarit artistik. Stili Art Nouveau, për shembull, përfshin një sërë tendencash nga fillimi i shekullit: postimpresionizmi, simbolizmi, fauvizmi, etj. Nga ana tjetër, koncepti i simbolikës si lëvizje artistike është mjaft i zhvilluar në letërsi, ndërsa në pikturë është shumë i paqartë dhe bashkon artistë aq të ndryshëm stilistikisht, saqë shpesh interpretohen vetëm si një botëkuptim që i bashkon.

   Më poshtë do të jepen përkufizime të epokave, stileve dhe tendencave që në një mënyrë ose në një tjetër pasqyrohen në artet e bukura dhe dekorative moderne.

   	- një stil artistik i formuar në perëndimore dhe Evropa Qendrore në shekujt XII-XV. Ai ishte rezultat i evolucionit shekullor të artit mesjetar, etapa e tij më e lartë dhe në të njëjtën kohë stili i parë artistik pan-evropian, ndërkombëtar në histori. Ai mbuloi të gjitha llojet e artit - arkitekturë, skulpturë, pikturë, xham me njolla, dizajn libri, artet dhe zanatet. Baza e stilit gotik ishte arkitektura, e cila karakterizohet nga harqe të mprehta të drejtuara lart, dritare xhami me njolla shumëngjyrësh dhe dematerializimi vizual i formës. Elementet e artit gotik shpesh mund të gjenden në dizajnin modern të brendshëm, veçanërisht në pikturat e mureve dhe më rrallë në pikturat e kavaletit. Që nga fundi i shekullit të kaluar, ekziston një subkulturë gotike, e shfaqur qartë në muzikë, poezi dhe dizajn veshjesh.
   	(Rilindja) - (Rilindja franceze, italiane Rinascimento) Një epokë në zhvillimin kulturor dhe ideologjik të një sërë vendesh në Evropën Perëndimore dhe Qendrore, si dhe të disa vendeve të Evropës Lindore. bazë tipare dalluese Kultura e Rilindjes: karakter laik, botëkuptim humanist, apel ndaj trashëgimisë kulturore të lashtë, një lloj "ringjalljeje" e saj (prandaj emri). Kultura e Rilindjes ka veçori specifike të epokës së tranzicionit nga mesjeta në kohët moderne, në të cilën e vjetra dhe e reja, duke u ndërthurur, formojnë një aliazh unik, cilësisht të ri. Një pyetje e vështirë janë kufijtë kronologjikë të Rilindjes (në Itali - shekujt 14-16, në vendet e tjera - shekujt 15-16), shpërndarja e saj territoriale dhe karakteristikat kombëtare. Elementet e këtij stili në artit bashkëkohor mjaft shpesh përdoret në pikturat e mureve, më rrallë në pikturën e kavaletit.
   	- (nga maniera italiane - teknikë, mënyrë) një lëvizje në artin evropian të shekullit të 16-të. Përfaqësuesit e manierizmit u larguan nga perceptimi harmonik i botës së Rilindjes, koncepti humanist i njeriut si një krijim i përsosur i natyrës. Një perceptim i mprehtë i jetës u kombinua me një dëshirë programore për të mos ndjekur natyrën, por për të shprehur subjektivitetin " ide e brendshme"Një imazh artistik i lindur në shpirtin e artistit. Ajo u shfaq më qartë në Itali. Manierizmi italian i viteve 1520 (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) karakterizohet nga mprehtësia dramatike e imazheve, tragjedia e botëkuptimit, kompleksiteti dhe shprehja e ekzagjeruar e pozat dhe motivet e lëvizjes, figurat e përmasave të zgjatura, disonancat koloristike dhe dritëhije Kohët e fundit, ajo ka filluar të përdoret nga historianët e artit për të përcaktuar fenomene në artin modern që lidhen me transformimin e stileve historike.
   	- një stil artistik historik që u përhap fillimisht në Itali në mes. shekujt XVI-XVII, dhe më pas në Francë, Spanjë, Flandër dhe Gjermani në shekujt XVII-XVIII. Më gjerësisht, ky term përdoret për të përcaktuar tendencat gjithnjë e përtëritëse të një qëndrimi të shqetësuar, romantik, të menduarit në forma ekspresive, dinamike. Më në fund, në çdo kohë, pothuajse në çdo stil artistik historik, mund të gjendet "periudha e saj baroke" si një fazë e ngritjes më të lartë krijuese, tensionit të emocioneve, eksplozivitetit të formave.
   	- stili artistik në artin evropianoperëndimor të viteve 17 - vitet e hershme. shekulli XIX dhe në Ruse XVIII- fillimi XIX, i cili iu drejtua trashëgimisë antike si një ideal për t'u ndjekur. Ajo u shfaq në arkitekturë, skulpturë, pikturë, arte dekorative dhe të aplikuara. Artistët klasikë e konsideruan antikitetin arritjen më të lartë dhe e bënë atë standardin e tyre në art, të cilin ata u përpoqën ta imitonin. Me kalimin e kohës, ajo degjeneroi në akademikizëm.
   	- një drejtim në artin evropian dhe rus të viteve 1820-1830, i cili zëvendësoi klasicizmin. Romantikët nxorën në pah individualitetin, duke vënë në kontrast bukurinë ideale të klasicistëve me një realitet "të papërsosur". Artistët tërhiqeshin nga fenomene të ndritshme, të rralla, të jashtëzakonshme, si dhe imazhe të një natyre fantastike. Në artin e romantizmit, perceptimi dhe përvoja akute individuale luajnë një rol të madh. Romantizmi e çliroi artin nga dogmat abstrakte klasiciste dhe e ktheu atë në historinë kombëtare dhe imazhet e folklorit.
   	- (nga ndjenja latine - ndjenja) - një drejtim në artin perëndimor të gjysmës së dytë të shekullit të 18-të, duke shprehur zhgënjim në "civilizimin" bazuar në idealet e "arsyes" (ideologjia iluministe). S. shpall ndjenjën, reflektimin e vetmuar, thjeshtësinë e jetës rurale. njeri i vogel" J. J. Rousseau konsiderohet ideologu i S.
   	- një drejtim në art që përpiqet të përshkruajë me të vërtetën dhe besueshmërinë më të madhe si formën e jashtme ashtu edhe thelbin e fenomeneve dhe sendeve. Si një metodë krijuese kombinon tiparet individuale dhe tipike kur krijon një imazh. Drejtimi më i gjatë në ekzistencë, duke u zhvilluar nga epoka primitive deri në ditët e sotme.
   	- drejtim në kulturën artistike evropiane të fundit të shekullit të 19-të dhe fillimit të shekullit të 20-të. Duke u shfaqur si një reagim ndaj dominimit të normave të "arsyes së shëndoshë" borgjeze në sferën humanitare (në filozofi, estetikë - pozitivizëm, në art - natyralizëm), simbolizmi mori formë kryesisht në letërsinë franceze të fundit të viteve 1860-70, dhe më vonë. u përhap në Belgjikë dhe Gjermani, Austri, Norvegji, Rusi. Parimet estetike të simbolizmit u kthyen kryesisht në idetë e romantizmit, si dhe në disa doktrina të filozofisë idealiste të A. Schopenhauer, E. Hartmann, pjesërisht F. Nietzsche, në krijimtarinë dhe teorizimin e kompozitorit gjerman R. Wagner. . Simbolizmi e kundërshtoi realitetin e gjallë me botën e vizioneve dhe ëndrrave. Një simbol i krijuar nga depërtimi poetik dhe që shpreh kuptimin e botës tjetër të fenomeneve të fshehura nga vetëdija e zakonshme u konsiderua një mjet universal për të kuptuar sekretet e ekzistencës dhe vetëdijes individuale. Artisti krijues shihej si një ndërmjetës midis reales dhe mbindjeshmërisë, kudo duke gjetur "shenja" të harmonisë botërore, duke hamendësuar në mënyrë profetike shenja të së ardhmes si në fenomenet moderne ashtu edhe në ngjarjet e së kaluarës.
   	- (nga përshtypja franceze - përshtypje) një drejtim në artin e të tretës së fundit të shekullit të 19-të - fillimit të shekullit të 20-të, i cili u ngrit në Francë. Emri u prezantua nga kritiku i artit L. Leroy, i cili përçmoi ekspozitën e artistëve në 1874, ku ndër të tjera u prezantua piktura “Sunrise” e C. Monet. Përshtypja". Impresionizmi pohoi bukurinë e botës reale, duke theksuar freskinë e përshtypjes së parë dhe ndryshueshmërinë e mjedisit. Vëmendja mbizotëruese për zgjidhjen e problemeve thjesht pikturale reduktoi idenë tradicionale të vizatimit si përbërësi kryesor i një vepre arti. Impresionizmi pati një ndikim të fuqishëm në artin e vendeve evropiane dhe të Shteteve të Bashkuara, duke zgjuar interesin për subjektet nga jeta reale. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley, etj.)
   	- një lëvizje në pikturë (sinonim i divizionizmit), e cila u zhvillua në kuadrin e neo-impresionizmit. Neo-impresionizmi filloi në Francë në 1885 dhe u përhap gjithashtu në Belgjikë dhe Itali. Neo-impresionistët u përpoqën të aplikonin në art arritjet më të fundit në fushën e optikës, sipas të cilave piktura e bërë me pika të veçanta të ngjyrave kryesore në perceptimin vizual jep një shkrirje ngjyrash dhe të gjithë gamën e pikturës. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
   	Post-Impresionizmi- një emër kolektiv i kushtëzuar për drejtimet kryesore të pikturës franceze në tremujorin e XIX - 1. shekulli XX Arti i post-impresionizmit lindi si një reagim ndaj impresionizmit, i cili u fokusua në transferimin e momentit, në ndjenjën e piktoresisë dhe interesit të humbur për formën e objekteve. Ndër postimpresionistët janë P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh e të tjerë.
   	- stili në artin evropian dhe amerikan në fund të shekujve 19-20. Modernizmi riinterpretoi dhe stilizoi tiparet e artit nga periudha të ndryshme dhe zhvilloi teknikat e veta artistike bazuar në parimet e asimetrisë, zbukurimit dhe dekorimit. Objekt i stilizimit të modernitetit bëhen edhe format natyrore. Kjo shpjegon jo vetëm interesin për zbukurimet me lule në veprat moderniste, por edhe vetë strukturën e tyre kompozicionale dhe plastike - bollëkun e skicave të lakuara, nervat lundrues, konturet e reja që të kujtojnë forma bimore. E lidhur ngushtë me modernitetin është simbolika, e cila shërbeu si bazë estetike dhe filozofike për modernitetin, duke u mbështetur në modernitetin si një realizim plastik i ideve të tij. Art Nouveau kishte emra të ndryshëm në vende të ndryshme, të cilat në thelb janë sinonime: Art Nouveau - në Francë, Secession - në Austri, Art Nouveau - në Gjermani, Liberty - në Itali.
   	- (nga frëngjishtja moderne - moderne) emri i përgjithshëm i një sërë lëvizjesh artistike të gjysmës së parë të shekullit të 20-të, të cilat karakterizohen nga mohimi i formave dhe estetikës tradicionale të së kaluarës. Modernizmi është afër avangardeizmit dhe i kundërt me akademikizmin.
   	- një emër që bashkon një sërë lëvizjesh artistike të zakonshme në vitet 1905-1930. (Fauvizëm, Kubizëm, Futurizëm, Ekspresionizëm, Dadaizëm, Surrealizëm). Të gjitha këto drejtime i bashkon dëshira për të rinovuar gjuhën e artit, për të rimenduar detyrat e saj dhe për të fituar lirinë e shprehjes artistike.
   	- drejtim në art nga XIX - pas Krishtit. Shekulli XX, bazuar në mësimet krijuese të artistit francez Paul Cezanne, i cili reduktoi të gjitha format e imazhit në figurat më të thjeshta gjeometrike, dhe ngjyrën në strukturat e kundërta të toneve të ngrohta dhe të ftohta. Cezanne shërbeu si një nga pikat fillestare për kubizmin. Në një masë të madhe, Cézanneism ndikoi gjithashtu në shkollën realiste vendase të pikturës.
   	- (nga fauve - egër) lëvizje avangarde në artin francez pas Krishtit. shekulli XX Emri "i egër" iu dha nga kritikët modernë një grupi artistësh që performuan në vitin 1905 në Sallonin e Pavarurve në Paris dhe ishte ironik. Grupi përfshinte A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen dhe të tjerë i formave dhe zgjidhjeve intensive koloristike, kërkimi i impulseve në krijimtarinë primitive, arti i mesjetës dhe i lindjes.
   	- thjeshtim i qëllimshëm artet pamore, imitim i fazave primitive të zhvillimit të artit. Ky term i referohet të ashtuquajturit. arti naiv i artistëve që nuk morën arsim special, por u përfshinë në procesin e përgjithshëm artistik në fund të XIX - herët. shekulli XX. Veprat e këtyre artistëve - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov e të tjerë - karakterizohen nga një fëmijëri e veçantë në interpretimin e natyrës, një ndërthurje e një forme të përgjithësuar dhe literalitetit të imët në detaje. Primitivizmi i formës nuk e paracakton aspak primitivitetin e përmbajtjes. Shpesh shërben si burim për profesionistët që huazojnë forma, imazhe dhe metoda nga arti popullor, në thelb primitiv. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse morën frymëzim nga primitivizmi.
   	- një drejtim në art që u zhvillua në bazë të ndjekjes së kanuneve të antikitetit dhe të Rilindjes. Ishte e zakonshme në shumë shkolla evropiane të artit nga shekulli i 16-të deri në shekullin e 19-të. Akademizmi i transformoi traditat klasike në një sistem rregullash dhe rregulloresh "të përjetshme" që shtrëngonin kërkimet krijuese dhe u përpoqën të kontrastonin natyrën e gjallë të papërsosur me forma "të larta" të përmirësuara, jo-kombëtare dhe të përjetshme të bukurisë të sjella në përsosmëri. Akademizmi karakterizohet nga një preferencë për lëndë nga mitologjia e lashtë, tema biblike ose historike mbi subjektet nga jeta bashkëkohore e artistit.
   	- (frëngjisht cubisme, nga cube - cube) drejtim në artin e çerekut të parë të shekullit të 20-të. Gjuha plastike e kubizmit bazohej në deformimin dhe zbërthimin e objekteve në plane gjeometrike, një zhvendosje plastike e formës. Lindja e kubizmit ndodhi në 1907-1908 - në prag të Luftës së Parë Botërore. Udhëheqësi i padiskutueshëm i kësaj prirjeje ishte poeti dhe publicisti G. Apollinaire. Kjo lëvizje ishte një nga të parat që mishëroi tendencat kryesore në zhvillimin e mëtejshëm të artit të shekullit të njëzetë. Një nga këto tendenca ishte dominimi i konceptit mbi vlerën artistike të pikturës. J. Braque dhe P. Picasso konsiderohen baballarët e kubizmit. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris dhe të tjerë iu bashkuan lëvizjes në zhvillim.
   	- një lëvizje në letërsi, pikturë dhe kinema që u ngrit në 1924 në Francë. Kontribuoi ndjeshëm në formimin e vetëdijes njeriu modern. Figura kryesore të lëvizjes janë Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Joan Miro dhe shumë artistë të tjerë nga e gjithë bota. Surrealizmi shprehu idenë e ekzistencës përtej kufijve të së vërtetës, të pavetëdijshmit, ëndrrat dhe ëndrrat e syrit luajnë një rol veçanërisht të rëndësishëm këtu. Një nga metodat karakteristike Artisti surrealist është një shkëputje nga krijimtaria e ndërgjegjshme, gjë që e bën atë një instrument që nxjerr në mënyra të ndryshme imazhe të çuditshme të nënndërgjegjes, të ngjashme me halucinacionet. Surrealizmi i mbijetoi disa krizave, i mbijetoi Luftës së Dytë Botërore dhe gradualisht, duke u bashkuar me kulturën popullore, duke u kryqëzuar me transavangardën, hyri si pjesë përbërëse e postmodernizmit.
   	- (nga lat. futurum - e ardhme) lëvizje letrare e artistike në artin e viteve 1910. Duke i caktuar vetes rolin e një prototipi të artit të së ardhmes, futurizmi si programi i tij kryesor parashtroi idenë e shkatërrimit të stereotipeve kulturore dhe në vend të kësaj ofroi një falje për teknologjinë dhe përulësinë si shenjat kryesore të së tashmes dhe të së ardhmes. . Një ide e rëndësishme artistike e futurizmit ishte kërkimi i një shprehjeje plastike të shpejtësisë së lëvizjes si shenja kryesore e ritmit të jetës moderne. Versioni rus i futurizmit u quajt kubofuturizëm dhe bazohej në një kombinim të parimeve plastike të kubizmit francez dhe instalimeve të përgjithshme estetike evropiane të futurizmit izma.