≡× MENU

• Brendshme
• Dritare
• Muret
• Projektet
• Ndërtesat

Artistët para Rafaelitë. Idetë dhe fotot kryesore. Pararafaelitë. Historia e lëvizjes Kush ishte udhëheqësi i lëvizjes estetike në Angli

Linley Sambourne, Karikatura e Oscar Wilde, Revista Punch, Vëllimi 80, 1881
O, ndihem po aq i lumtur sa një luledielli i ndritshëm!
Esteti i Estetit!
Çfarë ka një emër?
Poeti është i Egër,
Por poezia e tij është e zbutur.

Lëvizja Estetike është një term që përshkruan lëvizjen e viteve 1870 dhe 1880 që u shfaq në artet dhe arkitekturën e bukur dhe dekorative të Britanisë së Madhe dhe më vonë të Shteteve të Bashkuara. Një reagim kundër asaj që dukej e matur në art dhe dizajn, Lëvizja u karakterizua nga një kult i së bukurës dhe një theks në kënaqësinë e pastër që jepte. Në pikturë ekzistonte një ide e autonomisë së artit, si dhe koncepti i "artit për hir të artit", i cili filloi në Francë në letërsi dhe u soll në Britani në vitet 1860.

Lëvizja Estetike u përkrah nga shkrimtarët dhe kritikët Walter Pater, Algernon Charles Swinburne dhe Oscar Wilde. Duke iu përmbajtur teorisë së Pater-it, artistët e lidhur me Lëvizjen pikturuan piktura që ishin pa komplote ose pa një komplot të rëndësishëm. Dante Gabriel Rossetti mori frymëzim nga arti venecian për shkak të theksit të tij tek ngjyra dhe cilësitë dekorative piktura. Rezultati i kërkimeve të tij ishin disa imazhe gjysmë të gjata të figurave femra, si "Blue Boudoir" (1865, Instituti i Arteve të Bukura Berber).

D. Whistler "Princesha nga Toka e Porcelanit"

Muret poshtë ndarjeve të përpunuara të Jekyll-it ishin të mbuluara me lëkurë spanjolle, të cilën Whistler e kishte pikturuar në ar mbi një sfond blu me motive të syrit të një palloi dhe pendëve të palloit në 1877; përballë fotografisë së tij të varur mbi oxhak, ai paraqiste dy pallonj me pendë luksoze. Në oxhak është një palë qen zjarri prej hekuri të punuar që Jekyll i ka bërë në formën e lulediellit dhe palloit. Luledielli ishte një motiv nënshkrimi i Lëvizjes Estetike, i shfaqur në pllaka nga William de Morgan, qëndisje nga C. Ashby, chintz mobilje dhe letër-muri nga Bruce Talbert dhe në pjesën e përparme të pikturuar të një ore (1880, Londër, Muzeu Victoria dhe Albert ), ndoshta i bazuar në një dizajn nga Lewis Foreman Day.

Një orë, me sa duket e bazuar në një skicë të L.F. Dita (1880, Londër, Muzeu Victoria dhe Albert)

William de Morgan, pllaka qeramike

Një tipar i përbashkët i mobiljeve "artistike", qeramikës, falsifikimit të artit dhe tekstileve të "Lëvizjes Estetike" dhe stilit të arkitekturës së Mbretëreshës Anne, aq të dashur nga Godwin dhe Richard Norman Shaw, ishte dëshira e krijuesve të tyre (e manifestuar në sofistikimin të dizajneve të tyre) për të ngritur statusin e veprave të tyre në statusin e veprave të arteve pamore. Ata krijuan objekte dhe ndërtesa të brendshme "artistike". Ata të dy reformuan dhe formësuan shijen - një shqetësim i rëndësishëm i William Morris, pikëpamjet e të cilit, megjithëse ishin në kundërshtim me filozofinë e Lëvizjes Estetike, ndihmuan në përhapjen e ndikimit të saj në të gjithë Shtetet e Bashkuara. Në vitin 1870, letër-muri i Morris u shit në Boston, dhe dy vjet më vonë, "Hints on Household Taste" e Charles Locke Eastlake u botua në një botim amerikan.
<....>

Në 1856, artisti dhe ish-udhëheqësi i lëvizjes para-rafaelite, Dante Gabriel Rossetti, mori dy të rinj, Edward Burne-Jones dhe William Morris, si studentë, të cilët mbështetën idetë e mësuesit të tyre. Erotizmi, stilizimi i formave, kulti i bukurisë - ata u përpoqën të mishëronin të gjitha këto veçori në veprat e tyre.
Por nëse lëvizja para-rafaelite e valës së parë synonte të luftonte pikturën akademike, brezi i dytë u përpoq të ringjallte artin e aplikuar dhe luftoi kundër impersonalitetit të produkteve industriale.
William Morris (1834-1896), botues, poet dhe dizajner, luajti një rol të madh në ringjalljen e zejeve artistike. William lindi në një familje në të cilën historia ishte hobi kryesor dhe nuk është për t'u habitur që që nga fëmijëria ai ishte i interesuar për romanet e Walter Scott, abacitë antike dhe katedralet. Morris fillimisht synoi t'i kushtonte jetën teologjisë dhe studioi teologji në Kolegjin Exeter. Atje ai u takua me Edward Burne-Jones. Të rinjtë i bashkoi dashuria për mesjetën dhe artin, dhe ata u larguan nga kolegji për të studiuar arkitekturën gotike.
Ata bënë një udhëtim në Francë, ku vizituan tempujt dhe katedralet gotike, por pas kthimit në Londër, drejtimi i veprimtarisë së tyre krijuese ndryshoi në mënyrë dramatike - arsyeja për këtë ishte njohja e tyre me Dante Gabriel Rossetti. Burne-Jones, i cili nuk kishte pothuajse asnjë arsim artistik, hyri në studion e artistit si asistent dhe student. Ky ishte fillimi i veprimtarisë së tij artistike.
Morris krijoi vetëm një pikturë, në të cilën ai përshkruante të dashurën e tij Jane Burden në imazhin e Mbretëreshës Guinevere (kjo pikturë njihet edhe si "Isolda e Bukur").

Besohet se Morris ishte jashtëzakonisht i pakënaqur me rezultatin dhe ndjeu se nuk arriti të portretizonte as bukurinë e modeles dhe as ndjenjat që ndjente për të.
Megjithatë, Morris arriti të realizojë veten në forma të tjera të artit, duke përfshirë poezinë, prozën dhe artet dekorative.

Në 1860, shtëpia e famshme e Kuqe u përfundua - një shtëpi e kuqe në Bexleyheath. Shumë Pre-Raphaelitë, duke përfshirë Rossetti dhe shoqja dhe modelja e tij Elizabeth Siddal, morën pjesë në dekorimin e shtëpisë. Ndoshta suksesi i Shtëpisë së Kuqe ishte për faktin se ajo ndërthuri dëshirën për idealizëm të gjeneratës së parë dhe dëshirën për funksionalizëm të gjeneratës së dytë. Morris, megjithatë, nuk ishte plotësisht i kënaqur me suksesin e arritur. Ai me të vërtetë arriti të krijojë ambientin e dëshiruar, funksional dhe estetikisht të këndshëm, por vetëm brenda kufijve të një shtëpie. Kjo çoi në faktin se shtëpitë viktoriane filluan të mbusheshin me sende shtëpiake monotone që ngjanin me rekuizita.

Morris së shpejti vendosi t'i jepte biznesit të tij një fushë të re dhe krijoi kompaninë "Morris, Marshall dhe Faulkner, vepra artistike në pikturë, gdhendje, mobilje dhe metale Dy Ekspozitat Botërore gjithashtu luajtën një rol të rëndësishëm - një lloj simboli i industrializimit të shpejtë". mbajtur në Londër në 1851 dhe 1862. Triumfi i përparimit ishte i padyshimtë - në ekspozitë u prezantuan pajisje të shumta që lehtësuan ose zëvendësuan punën e rëndë manuale. Por, çuditërisht, shpikja e tyre nuk çoi në një përpunim më të rafinuar të detajeve mbi objektet e artit dekorativ dhe të aplikuar, por, përkundrazi, në krijimin e një mase produktesh të përpunuara. Kjo nuk është aq për të fajësuar për revolucionin teknik sa për shijet e aristokracisë viktoriane: të gjitha sendet u krijuan në frymën e eklekticizmit, në modë gjatë kohës së Mbretëreshës Viktoria, dhe besohej se gjë e bukur- kjo është një gjë luksoze, aq e dekoruar sa ishte e vështirë të kuptohej qëllimi i saj.
Me ardhjen e fabrikave dhe fabrikave, gjërat e prodhuara në mënyrë industriale hynë në përdorim. Imitimi i një ose një materiali tjetër u bë veçanërisht i popullarizuar, për shembull, në ekspozitën e vitit 1851 u prezantuan produkte argjendi, të cilave iu dha një formë e lakuar, sikur të ishin prej porcelani;
Kjo nuk do të thotë që pjesëmarrësit në lëvizjen e Arteve dhe Mjeshtërive shmangën qëllimisht përdorimin e risive teknike - ata përdornin makina vetëm në rastet kur produkti kërkonte një dizajn delikat dhe të saktë që nuk mund të arrihej me dorë (për shembull, kur krijoni produkte metalike dhe pajisje).
Ideali për Morris dhe bashkëpunëtorët e tij ishte imazhi i një artizani mesjetar, i cili ndërthurte rolet e teknologut, stilistit dhe artistit. Ishte falë kombinimit të punës fizike dhe intelektuale që mjeshtri mesjetar u bë krijues: produkti doli të ishte i thjeshtë, por, në të njëjtën kohë, nuk dukej tepër i thatë. Punëtoritë e Morris, natyrisht, nuk mund të ishin një kopje e thjeshtë e esnafeve artizanale të epokës gotike: në shumicën e rasteve, funksionet e stilistit dhe artistit duhej të ndaheshin: së pari, artisti krijoi një vizatim ose skicë, pas së cilës projektuesit zgjodhën teknologjitë dhe materialet

Në kushtet e qyteteve me rritje të shpejtë dhe ndryshimit të pamjes së tyre, dikur zanatet e lulëzuara ose ranë në rënie ose u zhdukën plotësisht. Morris, dhe më pas anëtarët e lëvizjes Arte dhe Mjeshtëri, e cila u ngrit në 1888, duhej të udhëtonin në të gjithë Britaninë e Madhe për të mësuar sekretet e zanateve antike dhe për të mësuar aftësi të ndryshme. Ndonjëherë ai punësonte edhe zejtarë popullorë për të punuar në punishtet e tij, në mënyrë që ata të kalonin përvojën e tyre të punës fizike. Nëse themelet e një zanati të caktuar humbën, Morris iu drejtua eksperimentimit dhe u përpoq ta krijonte atë përsëri. shije të mirë përfaqësues të të gjitha klasave shoqërore. Siç u përmend më lart, eklekticizmi ishte i popullarizuar në qarqet aristokratike dhe të pasura, duke arritur shpesh deri në pikën e vulgaritetit dhe duke dominuar gjithçka: nga sendet shtëpiake te mobiljet dhe letër-muri. Edhe Oscar Wilde tha në një nga fjalimet e tij se një person që është rritur në një shtëpi të tillë dhe ka hyrë në një rrugë kriminale ka të drejtë të lirohet nga gjykata.

Njerëzit me mjete modeste thjesht nuk mund të përballonin të blinin gjëra të bukura dhe u detyruan të blinin mallra të prodhuara në masë - ato ishin shumë më të lira. Prandaj, fillimisht ishte planifikuar të prodhoheshin produkte shumë artistike me një çmim të volitshëm, në mënyrë që njerëzit me çdo të ardhur të mund të përballonin blerjen e tyre. Megjithatë, Morris shpejt e kuptoi se produktet i bërë vetë shumë herë më të shtrenjta se mallrat e prodhuara në masë. Automatizimi i punës në punishtet e tyre, si dhe neglizhimi i cilësisë së materialeve, do të nënkuptonte që një projektues të sakrifikonte idealet e tij. Si rezultat, Morris arriti në përfundimin se transformimi i anës estetike të jetës kërkon edhe transformime të shoqërisë, sipas Morrisit, të mirat jopersonale të prodhuara sipas të njëjtit model çojnë në zbehjen e shijes dhe degradimin e njerëzve që prodhojnë këto. mallrat dhe kush i konsumon ato. Krijimi i objekteve jo vetëm të rehatshme, por edhe të këndshme për t'u menduar, mund të ndryshojë mënyrën e jetesës për mirë dhe të përmirësojë cilësinë e jetës si të konsumatorëve ashtu edhe të krijuesve. Puna e producentëve, sipas Morris, është e dhimbshme dhe e padurueshme, pasi atyre u është hequr mundësia e krijimtarisë.
Veprimtaritë e Morris dhe mbështetësve të tij i dhanë shtysë shfaqjes së shoqërive dhe esnafeve të ndryshme në frymën e mesjetës, me stilin dhe specializimin e tyre. Ringjallja e zejeve mori vrull në vitet 1880: në vitin 1878, kompania e riorganizuar Morris and Co hapi një punishte për prodhimin e qilimave dhe sixhadeve tre vjet më vonë, punishte për prodhimin e xhamit me njolla, një dyqan ngjyrosjeje dhe prodhim printimi ishin pajisur. Në vitin 1883, esnafe u themeluan jashtë Londrës, në SHBA dhe Australi
Pjesëmarrësit në lëvizjen "artet dhe zanatet" ishin artistë, stilistë dhe arkitektë, kështu që specializimi i shoqërisë ishte i larmishëm, nga mobiljet deri te qëndisja dhe bizhuteritë. Punimet dalloheshin nga thjeshtësia e formave të tyre, sepse dizajni lakonik është i rëndësishëm në çdo kohë

si dhe modelet bimore dhe shtazore. Morris dhe mbështetësit e tij besonin se forma natyrore i jepte një objekti një vlerë artistike të përjetshme. Është gjithashtu interesante se ata u frymëzuan nga flora dhe fauna rurale, duke paraqitur lulet e egra dhe kafshët e pyllit në krahasim me trëndafilat dhe luanët fisnikë. detajet, megjithatë mbeten të kuptueshme për publikun e gjerë.

Lëvizja e Arteve dhe Artizanatit dhe Kompania William Morris në mënyrë efektive ringjallën sixhadenë dhe e rivendosën atë në statusin që qilimat e endura kishin mbajtur në Mesjetë si një pjesë e rëndësishme e brendshme e shtëpisë.
Morris studioi artin e qëndisjes dhe thurjes mesjetare me George Edmund Street dhe tashmë në 1879, së bashku me Burne-Jones, filloi të krijonte një seri sixhadesh kushtuar mitologjisë antike.

E para që u krijua ishte "Flora", një sixhade kushtuar pranverës dhe që përshkruan perëndeshën romake të lulëzimit. Ajo është përshkruar duke qëndruar zbathur me rroba që ndërthurin tiparet e kostumit të lashtë dhe mesjetar. Meqenëse romakët e lashtë e quanin Florën Nëna e Luleve, Morris dhe Burne-Jones e paraqitën perëndeshën në një kurorë barishte, duke mbajtur lule në duar, të cilat në të njëjtën kohë bashkojnë imazhin kryesor - figurën e Florës - dhe imazhin e sfondit. . Sfondi përmban një motiv floral të dominuar nga gjethet e dendura të akantusit. Sfondi është gjallëruar nga kafshët dhe zogjtë ekzotikë të përshkruar midis bimëve. Artistët ndoshta u frymëzuan për të krijuar tapiceri teknikë dekorative"Millefiori", i njohur gjatë shekullit të 16-të.
Është gjithashtu e pamundur të mos përmendet teknika e bërjes së sixhadesë së përdorur nga pjesëmarrësit e Arteve dhe Artizanatit. Flora u krijua nga endësit William Knad, William Sleet dhe John Martyn nga dërrasat e Burne-Jones. Fillimisht u krijuan skica pikturë njëngjyrëshe, në të cilat përshkruheshin vetëm detajet kryesore. Më pas u krijua një imazh me ngjyra me madhësi të plotë, me detaje të vogla të shtuara. Për të dhënë efektin e shkëlqimit, gjatë procesit të thurjes kombinoheshin fijet e leshit dhe mëndafshit të lyera me ngjyra natyrale.
Interesant është fakti se në komunitetin e artizanatit vlerësohej shumë jo vetëm puna profesionale, por edhe ajo amatore. Një rol të madh iu dha veprave të krijuara nga gratë, sepse ato janë konsumatorët dhe dekoruesit kryesorë të shtëpisë.
Një nga figurat e rëndësishme ishte vajza më e vogël e Morris, May, e cila nga viti 1885 drejtoi departamentin e qëndisjes. Në shumë studime, talenti i saj shpesh mbetet nën hijen e emrit të babait të saj, një nga figurat kryesore të para-rafaelitizmit të gjeneratës së dytë.
Megjithatë, ishte May Morris që luajti një rol të madh në ringjalljen e artit të të ashtuquajturve. “qëndisje me formë të lirë”, ose thurje me qepje të lirë (qepje artistike saten). NË fundi i XIX V. qëndisësit u shfaqën me të ndritshme stil individual të cilët i krijuan veprat e tyre jo sipas modeleve nga albumet e artizanatit, por sipas skicave të tyre.

Procesi përfshinte vizatimin e konturit të një dizajni mbi pëlhurë, e cila më pas u mbush me qepje në formën e goditjeve të imta. Alternimi i qepjeve të gjata dhe të shkurtra imitonte në mënyrë të përsosur kiaroskuron dhe përcolli teksturën e objekteve të përshkruara. Përfaqësuesit e lëvizjes Arte dhe Mjeshtëri besonin se qëndisja me lëvizje të lirë, në krahasim me numërimin menyra me e mire promovon vetë-shprehjen e krijuesit të saj. Qëndisja përdorte fije mëndafshi të lyer me ngjyra natyrale, kështu që teknika e rikrijuar ishte në kontrast të fortë me qëndisjet e leshit të Berlinit të njohura në shekullin e 19-të.
Për më tepër, May Morris mori pjesë aktive në punën e Shkollës Mbretërore të Qëndisjes Artistike, e hapur në 1872 nën patronazhin e Princeshës Helen, vajza e tretë e Mbretëreshës Victoria. Fillimisht kishte 20 studentë, por numri i studentëve u rrit shpejt në 150. Gratë që studionin në këtë shkollë zotëronin teknika të ndryshme dhe punonin në punishten mbretërore, duke krijuar vepra për ngjarje të rëndësishme që lidhen me familjen mbretërore, si dhe për katedrale dhe tempujt.
Me origjinë në Londër, lëvizja për ringjalljen e punës fizike u përhap shpejt përtej Britanisë së Madhe, duke përfshirë Rusinë dhe madje edhe Japoninë.
Shumë ide të përcaktuara nga lëvizja e Arteve dhe Artizanatit formuan bazën për atë që u shfaq në fund të shekullit të 20-të. Stili i Art Nouveau - artizanati, intimiteti, thjeshtësia e kombinuar me dekorueshmërinë. Morris propozoi disa aspekte që janë të rëndësishme deri më sot - para së gjithash, një kthim në prodhimin manual të gjërave, i cili është unik dhe origjinal. Kompania Morris and Co., e cila ekzistonte deri në fillimin e Luftës së Dytë Botërore, aktualisht po përjeton një ringjallje - produktet e krijuara në "stilin anglez" bazuar në vizatimet e William Morris dhe bashkëpunëtorëve të tij po bëhen përsëri të njohura. Dhe duke ndjekur shembullin e punëtorive dhe esnafeve viktoriane, po krijohen organizata të reja që kërkojnë të ringjallin traditat e para-rafaelitizmit në artet dekorative dhe të aplikuara

Para-rafaelitizmi është një lëvizje në poezinë dhe pikturën angleze në gjysmën e dytë të shekullit të 19-të, e formuar në fillim të viteve 50 me synimin për të luftuar kundër konventave të epokës viktoriane, traditave akademike dhe imitimit të verbër të modeleve klasike.
Emri "Para-Rafaelitë" supozohej të tregonte një marrëdhënie shpirtërore me artistët fiorentinë të Rilindjes së hershme, domethënë artistët "para Raphael" dhe Michelangelo: Perugino, Fra Angelico, Giovanni Bellini.
Anëtarët më të shquar të lëvizjes para-rafaelite ishin poeti dhe piktori Dante Gabriel Rossetti, piktorët William Holman Hunt, John Everett Millais, Madox Brown, Edward Burne-Jones, William Morris, Arthur Hughes, Walter Crane dhe John William Waterhouse. .

Vëllazëria Para-Rafaelite

Faza e parë në zhvillimin e para-rafaelitizmit ishte shfaqja e të ashtuquajturës "Vëllazëria para-rafaelite", e cila fillimisht përbëhej nga shtatë "vëllezër": J. E. Millais, Holman Hunt (1827-1910), Dante Gabriel Rossetti, e tij. vëllai i vogël Michael Rossetti, Thomas Woolner dhe piktorët Stevens dhe James Collinson.
Historia e Vëllazërisë fillon në 1848, kur studentët e Akademisë Holman Hunt dhe Dante Gabriel Rossetti, të cilët kishin parë dhe admiruar më parë punën e Hunt, u takuan në një ekspozitë në Akademinë Mbretërore të Arteve. Hunt ndihmon Rossettin të përfundojë pikturën "Rinia e Virgjëreshës Mari"(Anglisht: Girlhood of Mary Virgin, 1848-49), e cila u ekspozua në 1849, dhe ai gjithashtu prezanton Rossettin me John Everett Millais, një gjeni i ri që hyri në Akademi në moshën 11-vjeçare.

Ata jo vetëm që u bënë miq, por zbuluan se ndanin pikëpamjet e njëri-tjetrit për artin modern: në veçanti, ata besonin se piktura moderne angleze kishte arritur në një rrugë pa krye dhe po vdiste, dhe në mënyrën më të mirë të mundshme për ta ringjallur do të jetë një rikthim në sinqeritetin dhe thjeshtësinë e artit të hershëm italian (pra arti para Rafaelit, të cilin pararafaelitët e konsideronin themelues të akademikizmit).
Kështu lindi ideja e krijimit të një shoqërie sekrete të quajtur Vëllazëria Pre-Raphaelite - një shoqëri në kundërshtim me lëvizjet zyrtare artistike. Të ftuar në grup që në fillim ishin edhe James Collinson (student në Akademi dhe i fejuari i Christina Rossetti), skulptori dhe poeti Thomas Woolner, artisti i ri nëntëmbëdhjetë vjeçar dhe më vonë kritiku Frederick Stephens dhe vëllai më i vogël i Rossettit, William. Michael Rossetti, i cili ndoqi gjurmët e vëllait të tij më të madh në shkollën e artit, por nuk tregoi ndonjë profesion të veçantë për artin dhe, në fund, u bë një kritik dhe shkrimtar i famshëm. Madox Brown ishte i afërt me Nazareasit gjermanë, kështu që ai, duke ndarë idetë e Vëllazërisë, refuzoi të bashkohej me grupin.
Në pikturën e Rossettit "Rinia e Virgjëreshës" shfaqen për herë të parë tre shkronjat konvencionale P.R.B (Vëllazëria Pre-Raphaelite). Anëtarët e Vëllazërisë krijuan gjithashtu revistën e tyre, të quajtur Rostock, megjithëse ekzistonte vetëm nga janari deri në prill 1850. Redaktori i tij ishte William Michael Rossetti (vëllai i Dante Gabriel Rossetti).

Pararafaelitët dhe Akademizmi

Para ardhjes së Vëllazërisë Pre-Raphaelite, zhvillimi i artit britanik u përcaktua kryesisht nga aktivitetet e Akademisë Mbretërore të Arteve. Si çdo institucion tjetër zyrtar, ai ishte shumë xheloz dhe i kujdesshëm për risitë, [duke ruajtur traditat e akademikizmit. Hunt, Millais dhe Rossetti deklaruan në revistën Rostock se nuk donin t'i përshkruanin njerëzit dhe natyrën si abstrakte të bukura, dhe ngjarjet aq larg realitetit, dhe, më në fund, ata ishin të lodhur nga konventa e mitologjisë zyrtare, "shembullore" historike. dhe vepra fetare.
Para-rafaelitët braktisën parimet akademike të punës dhe besonin se gjithçka duhet të vizatohej nga jeta. Për modele zgjodhën miqtë apo të afërmit. Për shembull, në pikturën "Rinia e Virgjëreshës Mari", Rossetti përshkroi nënën dhe motrën e tij Christina, dhe duke parë kanavacën "Isabella", bashkëkohësit njohën miqtë dhe të njohurit e Milles nga Vëllazëria. Gjatë krijimit të pikturës "Ophelia", ai e detyroi Elizabeth Siddal të shtrihej në një banjë të mbushur për disa orë. Ishte dimër, kështu që Siddal u ftoh serioz dhe më vonë i dërgoi Millais një faturë doktori për 50 £. Për më tepër, Pre-Raphaelitët ndryshuan marrëdhëniet midis artistit dhe modelit - ata u bënë partnerë të barabartë. Nëse heronjtë e pikturave të Reynolds janë pothuajse gjithmonë të veshur sipas statusit të tyre shoqëror, atëherë Rossetti mund të pikturojë një mbretëreshë nga një shitëse, një perëndeshë nga vajza e një dhëndëri. Prostituta Fanny Cornforth ka pozuar për të për pikturën Lady Lilith.
Anëtarët e Vëllazërisë ishin që në fillim të irrituar nga ndikimi në artin modern të artistëve si Sir Joshua Reynolds, David Wilkie dhe Benjamin Haydon. Ata madje i vunë nofkën Sir Joshua (president i Akademisë së Arteve) "Sir Slosh" (nga anglishtja slosh - "shuplakë në baltë") për teknikën dhe stilin e tij të lëmuar të pikturës, siç besonin ata, të huazuar plotësisht nga mënyra akademike. Situata u rëndua nga fakti se në atë kohë artistët përdornin shpesh bitum, dhe kjo e bën imazhin të turbullt dhe të errët. Në të kundërt, Pre-Raphaelitët donin t'i ktheheshin detajeve të larta dhe ngjyrave të thella të piktorëve të epokës Quattrocento. Ata braktisën pikturën "kabineti" dhe filluan të pikturojnë në natyrë, dhe gjithashtu bënë ndryshime në teknikën tradicionale të pikturës. Pre-Raphaelitët përvijuan një përbërje në një kanavacë të përgatitur, aplikuan një shtresë zbardhues dhe hoqën vajin prej saj me letër fshirëse dhe më pas shkruanin sipër zbardhimit me bojëra të tejdukshme. Teknika e zgjedhur i lejoi ata të arrinin tone të ndritshme, të freskëta dhe doli të ishin aq të qëndrueshme sa veprat e tyre janë ruajtur në formën e tyre origjinale edhe sot e kësaj dite.

Ballafaqimi me kritikat

Në fillim, puna e Pre-Rafaelitëve u prit mjaft ngrohtësisht, por shpejt ranë kritikat dhe talljet e rënda. Piktura tepër natyraliste e Millais "Krishti në shtëpinë prindërore", e ekspozuar në vitin 1850, shkaktoi një valë të tillë indinjate sa mbretëresha Victoria kërkoi që të çohej në Pallatin Buckingham për inspektim të pavarur.
Piktura e Rossettit shkaktoi edhe sulme nga opinioni publik. "Lajmërimi", bërë me devijime nga kanuni i krishterë.

Në një ekspozitë në Akademinë Mbretërore në 1850, Rossetti, Hunt dhe Millais nuk arritën të shesin asnjë pikturë të vetme. Në një përmbledhje të botuar në të përjavshmen Athenaeum, kritiku Frank Stone shkroi:
“Duke shpërfillur të gjitha gjërat e mëdha që u krijuan nga mjeshtrit e vjetër, kjo shkollë, së cilës i përket Rossetti, ecën me hapa të pasigurt drejt paraardhësve të saj të hershëm. Kjo është arkeologji, pa asnjë dobi dhe e kthyer në doktrinare. Njerëzit që i përkasin kësaj shkolle pohojnë se ndjekin të vërtetën dhe thjeshtësinë e natyrës. Në fakt, ata imitojnë skllavërisht paaftësinë artistike.”
Parimet e Vëllazërisë u kritikuan nga shumë artistë të respektuar: presidenti i Akademisë së Arteve, Charles Eastlake, dhe grupi i artistëve "The Clique", i udhëhequr nga Richard Dadd. Si rezultat, James Collinson madje hoqi dorë nga Vëllazëria dhe fejesa e tij me Christina Rossetti u ndërpre. Vendin e tij më pas e zuri piktori Walter Deverell.
Situata u shpëtua në një farë mase nga John Ruskin, një historian arti dhe kritik arti me ndikim në Angli. Përkundër faktit se në 1850 ai ishte vetëm tridhjetë e dy vjeç, ai ishte tashmë autor i veprave të njohura gjerësisht mbi artin. Në disa artikuj të botuar në The Times, Ruskin u dha veprave të pararafaelitëve një vlerësim lajkatar, duke theksuar se ai nuk njihte personalisht askënd nga Vëllazëria. Ai shpalli se puna e tyre mund të "formojë bazën e një shkolle arti më të madhe se çdo gjë që bota ka njohur për 300 vitet e mëparshme, përveç kësaj, Ruskin bleu shumë nga pikturat e Gabriel Rossetti-t, të cilat e mbështetën atë financiarisht, dhe e mori Millais-in". krahut, në të cilin pashë menjëherë talentin e jashtëzakonshëm.

John Ruskin dhe ndikimi i tij

Kritiku anglez John Ruskin vendosi në rregull idetë e pararafaelitëve në lidhje me artin, duke i formalizuar ato në një sistem logjik. Ndër veprat e tij, më të famshmet janë "Fiction: Fair and Foul", "Arti i Anglisë", "Piktorët modernë". Ai është gjithashtu autor i artikullit "Para-rafaelitizmi", botuar në 1851.
"Artistët e sotëm," shkroi Ruskin në "Artistët modernë", "përshkruajnë [natyrën] ose shumë sipërfaqësisht ose shumë të zbukuruar; ata nuk përpiqen të depërtojnë në thelbin [e saj]”. Si një ideal, Ruskin parashtroi artin mesjetar, mjeshtër të tillë të Rilindjes së Hershme si Perugino, Fra Angelico, Giovanni Bellini dhe inkurajoi artistët të "pikturojnë me një zemër të pastër, duke mos u fokusuar në asgjë, duke zgjedhur asgjë dhe duke mos lënë pas dore". Në mënyrë të ngjashme, Madox Brown, i cili ndikoi te Pre-Raphaelitët, shkroi për pikturën e tij The Last of England (1855): "Jam përpjekur të harroj të gjitha lëvizjet artistike ekzistuese dhe ta pasqyroj këtë skenë ashtu siç duhej të ishte". . Madox Brown e pikturoi në mënyrë specifike këtë foto në bregdet për të arritur efektin e "ndriçimit nga të gjitha anët" që ndodh në det në ditët me re. Teknika e pikturës para Rafaelite përfshinte përpunimin e çdo detaji.
Ruskin shpalli gjithashtu "parimin e besnikërisë ndaj Natyrës": "A nuk është për shkak se ne i duam krijimet tona më shumë se të Tijat, që ne vlerësojmë xhamin me ngjyra në vend të reve të ndritshme... Dhe, duke bërë shkronja dhe duke ngritur kolona për nder të Tij.. ne imagjinojmë se do të na falet për neglizhencën tonë të turpshme ndaj kodrave dhe përrenjve me të cilat Ai e ka pajisur vendbanimin tonë - tokën." Kështu, arti duhej të kontribuonte në ringjalljen e spiritualitetit te njeriu, pastërtinë morale dhe fenë, gjë që u bë edhe qëllimi i pararafaelitëve.
Ruskin ka një përcaktim të qartë të qëllimeve artistike të para-rafaelitizmit:
Është e lehtë të kontrollosh furçën dhe të pikturosh barëra dhe bimë me besnikëri të mjaftueshme ndaj syrit; Çdokush mund ta arrijë këtë pas disa vitesh punë. Por për të përshkruar midis barishteve dhe bimëve sekretet e krijimit dhe kombinimet me të cilat natyra flet për të kuptuarit tonë, për të përcjellë kurbën e butë dhe hijen e valëzuar të tokës së liruar, për të gjetur në gjithçka që duket më e vogla, një shfaqje të hyjnores së përjetshme. krijim i ri i bukurisë dhe madhështisë, për t'ia treguar këtë të pamenduarve dhe të padukshmëve - i tillë është emërimi i artistit.
Idetë e Ruskinit prekën thellë pre-rafaelitët, veçanërisht William Holman Hunt, i cili infektoi Millais dhe Rossetti me entuziazmin e tij. Në 1847, Hunt shkroi për Piktorët Modernë të Ruskinit: "Ndjeva, si asnjë lexues tjetër, se libri ishte shkruar posaçërisht për mua". Në përcaktimin e qasjes së tij ndaj punës së tij, Hunt vuri në dukje gjithashtu se ishte e rëndësishme për të që të fillonte nga tema, "jo vetëm sepse ka një hijeshi për tërësinë e temës, por për të kuptuar parimet e dizajnit që ekzistojnë në Natyra.”

Prishje

Pasi Pre-Rafaelitizmi mori mbështetjen e Ruskinit, Pre-Rafaelitët u njohën dhe u dashuruan, atyre iu dha e drejta e "qytetësisë" në art, ata erdhën në modë dhe morën një pritje më të favorshme në ekspozitat e Akademisë Mbretërore, dhe pati sukses në Ekspozitën Botërore të vitit 1855 në Paris.
Përveç Madox Brown-it të përmendur tashmë, Arthur Hughes (më i njohur për pikturën "Dashuria e Prillit", 1855-1856), Henry Wallis, Robert Braithwaite Martineau, William Windus gjithashtu u interesuan për stilin Pre-Raphaelite ) dhe të tjerë.
Megjithatë, Vëllazëria shpërbëhet. Përveç një shpirti romantik revolucionar rinor dhe një magjepsjeje me Mesjetën, pak i bashkoi këta njerëz dhe nga para-rafaelitët e hershëm vetëm Holman Hunt i qëndroi besnik doktrinës së Vëllazërisë. Kur Millais u bë anëtar i Akademisë Mbretërore të Arteve në 1853, Rossetti e shpalli këtë ngjarje fundin e Vëllazërisë. “Tryeza e rrumbullakët tani është shpërbërë”, përfundon Rossetti. Gradualisht largohen edhe anëtarët e mbetur. Holman Hunt, për shembull, shkoi në Lindjen e Mesme, vetë Rossetti, në vend të peizazheve apo temave fetare, u interesua për letërsinë dhe krijoi shumë vepra për Shekspirin dhe Danten.
Përpjekjet për të ringjallur Vëllazërinë si Klubi Hogarth, i cili ekzistonte nga 1858 deri në 1861, dështuan.

Zhvillimi i mëtejshëm i para-rafaelitizmit

Në 1856, Rossetti u takua me William Morris dhe Edward Burne-Jones. Burne-Jones ishte i kënaqur me pikturën e Rossettit "Përvjetori i parë i vdekjes së Beatrice"(eng. Përvjetori i Parë i vdekje i Beatrice), dhe më pas ai dhe Morris kërkuan të bëheshin studentët e tij.

Burne-Jones kaloi ditë të tëra në studion e Rossettit dhe Morris i bashkohej fundjavave. Kështu fillon një etapë e re në zhvillimin e lëvizjes pararafaelite, ideja kryesore e së cilës është estetizmi, stilizimi i formave, erotizmi, kulti i së bukurës dhe gjenialiteti artistik. Të gjitha këto tipare janë të natyrshme në punën e Rossettit, i cili fillimisht ishte udhëheqësi i lëvizjes. Siç shkroi më vonë artisti Val Princep, Rossetti “ishte planeti rreth të cilit ne rrotulloheshim. Ne madje kopjuam mënyrën e të folurit të tij.” Megjithatë, shëndeti i Rossettit (përfshirë shëndetin mendor) po përkeqësohet dhe Edward Burne-Jones, veprat e të cilit janë bërë në stilin e para-rafaelitëve të hershëm, gradualisht merr drejtimin. Ai u bë jashtëzakonisht i popullarizuar dhe pati një ndikim të madh në piktorë të tillë si William Waterhouse, Byam Shaw, Cadogan Cooper, dhe ndikimi i tij është i dukshëm edhe në veprat e Aubrey Beardsley dhe ilustruesve të tjerë të viteve 1890. Në 1889, në Ekspozitën Botërore në Paris, ai mori Urdhrin e Legjionit të Nderit për pikturën "Mbreti Cofetua dhe gruaja lypës".
Midis para-rafaelitëve të ndjerë, mund të veçohen edhe piktorë të tillë si Simeon Solomon dhe Evelyn de Morgan, si dhe ilustruesit Henry Ford dhe Evelyn Paul.

"Arte dhe zanate"

Para-rafaelitizmi në këtë kohë depërtoi në të gjitha aspektet e jetës: mobilje, arte dekorative, arkitekturë, dekorim të brendshëm, dizajn librash, ilustrime.
William Morris konsiderohet si një nga figurat më me ndikim në historinë e arteve dekorative të shekullit të 19-të. Ai themeloi "Lëvizjen e Arteve dhe Mjeshtërive" - ​​"Arte dhe Mjeshtëri"), ideja kryesore e së cilës ishte kthimi në mjeshtërinë manuale si ideali i artit të aplikuar, si dhe ngritja në gradën e arteve të plota. të shtypjes, shkritores dhe gdhendjes. Kjo lëvizje, e cila u mor nga Walter Crane, Mackintosh, Nelson Dawson, Edwin Lutyens, Wright dhe të tjerë, u shfaq më pas në arkitekturën angleze dhe amerikane, dizajnin e brendshëm, dizajn peizazhi.

Poezia

Shumica e pararafaelitëve merreshin me poezi, por, sipas shumë kritikëve, ajo ka vlerë pikërisht në periudhën e vonë të zhvillimit të pararafaelitizmit. Dante Gabriel Rossetti, motra e tij Christina Rossetti, George Meredith, William Morris dhe Algernon Swinburne lanë gjurmë të rëndësishme në letërsinë angleze, por kontributin më të madh e dha Rossetti, i mahnitur nga poezitë e Rilindjes italiane dhe veçanërisht veprat e Dantes. Arritja kryesore lirike e Rossetti-t konsiderohet të jetë cikli i soneteve "Shtëpia e jetës" Christina Rossetti ishte gjithashtu një poete e famshme. E dashura e Rossettit, Elizabeth Siddal studioi gjithashtu poezi, veprat e së cilës mbetën të pabotuara gjatë jetës së saj. William Morris nuk ishte vetëm një mjeshtër i njohur i xhamit me njolla, por gjithashtu ishte aktiv në veprimtarinë letrare, duke përfshirë edhe shkrimin e shumë poezive. Koleksioni i tij i parë, Mbrojtja e Guinevere dhe poezi të tjera, u botua në 1858, kur autori ishte 24 vjeç.
Nën ndikimin e poezisë para-rafaelite, dekadenca britanike u zhvillua në vitet 1980: Ernst Dawson, Lionel Johnson, Michael Field, Oscar Wilde. Një dëshirë romantike për mesjetën u pasqyrua në veprën e hershme të Yeats.
Poeti i famshëm Algernon Swinburne, i famshëm për eksperimentet e tij të guximshme në vargje, ishte gjithashtu një dramaturg dhe kritik letrar. Swinburne ia kushtoi dramën e tij të parë, Nëna Mbretëreshë dhe Rosamond, shkruar në 1860, Rossettit, me të cilin kishte marrëdhënie miqësore. Megjithatë, megjithëse Swinburne deklaroi përkushtimin e tij ndaj parimeve të para-rafaelizmit, ai sigurisht shkon përtej këtij drejtimi.

Veprimtaritë botuese

Në 1890, William Morris themeloi Kelmscott Press, ku botoi disa libra me Burne-Jones. Kjo periudhë quhet kulmi i jetës së William Morris. Bazuar në traditat e skribëve mesjetarë, Morris, si dhe grafiku anglez William Blake, u përpoqën të gjenin një stil të unifikuar për hartimin e faqes së librit, faqen e titullit dhe lidhjen e tij. Botimi më i mirë i Morris ishte The Canterbury Tales nga Geoffrey Chaucer; fushat janë zbukuruar me bimë ngjitëse, teksti gjallërohet nga koka në miniaturë dhe shkronja të mëdha të zbukuruara. Siç shkroi Duncan Robinson,
Për lexuesin modern, të mësuar me shkronjat e thjeshta dhe funksionale të shekullit të 20-të, botimet e Kelmscott Press duken si krijime luksoze të epokës viktoriane. Ornamentime të pasura, modele në formën e gjetheve, ilustrime në dru - e gjithë kjo u bë shembujt më të rëndësishëm të artit dekorativ të shekullit të 19-të; të gjitha të bëra nga duart e një njeriu që ka kontribuar në këtë fushë më shumë se kushdo tjetër.
Morris projektoi të 66 librat e botuar nga botuesi dhe Burne-Jones bëri shumicën e ilustrimeve. Shtëpia botuese ekzistoi deri në vitin 1898 dhe pati një ndikim të fortë te shumë ilustrues të fundit të shekullit të 19-të, veçanërisht në Aubrey Beardsley.

Lëvizja estetike

Në fund të viteve 50, kur rrugët e Ruskinit dhe Pre-Raphaelitëve u ndanë, lindi nevoja për ide të reja estetike dhe teoricienë të rinj për t'i dhënë formë këtyre ideve. Historiani i artit dhe kritiku letrar Walter Horatio Pater u bë një teoricien i tillë. Walter Pater besonte se gjëja kryesore në art është imediatesia e perceptimit individual, prandaj arti duhet të kultivojë çdo moment të përjetimit të jetës: "Arti nuk na jep asgjë tjetër veçse ndërgjegjësimin për vlerën më të lartë të çdo momenti që kalon dhe ruajtjen e të gjithëve". Në një masë të madhe, përmes Pater-it, idetë e “artit për artin”, të nxjerra nga Theophile Gautier, Charles Baudelaire, shndërrohen në konceptin e estetizmit (lëvizja estetike angleze), i cili bëhet i përhapur në mesin e artistëve dhe poetëve anglezë: Whistler, Swinburne, Rosseti, Wilde. Oscar Wilde pati gjithashtu një ndikim të fortë në zhvillimin e lëvizjes estetike (përfshirë veprën e mëvonshme të Rossettit), duke u njohur personalisht me Holman Hunt dhe Burne-Jones. Ai, si shumë bashkëmoshatarë të tij, lexoi libra nga Pater dhe Ruskin, dhe estetizmi i Wilde u rrit kryesisht nga para-rafaelitizmi, i cili mbarti një akuzë të kritikës së mprehtë të shoqërisë moderne nga pikëpamja e bukurisë. Oscar Wilde shkroi se “estetika është mbi kritikën”, e cila e konsideron artin realitetin më të lartë dhe jetën një lloj fiksioni: “Unë shkruaj sepse të shkruarit është kënaqësia më e lartë artistike për mua. Nëse puna ime pëlqehet nga disa të zgjedhur, jam i lumtur për këtë. Nëse jo, nuk jam i mërzitur.” Para-rafaelitët ishin gjithashtu të prirur për poezinë e Keats dhe e pranuan plotësisht formulën e tij estetike se "bukuria është e vërteta e vetme".

Subjektet

Në fillim, pararafaelitët preferuan temat e ungjillit dhe shmangën karakterin kishtar në pikturë dhe interpretuan ungjillin në mënyrë simbolike, duke i kushtuar rëndësi të veçantë jo besnikërisë historike të episodeve të paraqitura të ungjillit, por kuptimit të tyre të brendshëm filozofik. Kështu, për shembull, në "Drita e botës" Gjuetia në formën e Shpëtimtarit me një llambë të ndritshme në duar përshkruan dritën misterioze hyjnore të besimit, duke u përpjekur të depërtojë në zemrat e mbyllura njerëzore, si Krishti që troket në derën e një shtëpie njerëzore.

Pre-rafaelitët tërheqin vëmendjen për temën e pabarazisë sociale në epokën viktoriane, emigracionin (veprat e Madox Brown, Arthur Hughes), pozitën e degraduar të grave (Rossetti), Holman Hunt madje preku temën e prostitucionit në pikturën e tij. "U zgjua turpi"(Anglisht: The Awakening Conscience, 1853).

Në foto shohim një grua të rënë, e cila papritmas e kuptoi se po mëkatonte dhe, duke harruar të dashurin e saj, çlirohet nga përqafimi i tij, sikur të dëgjonte një lloj thirrjeje nga një dritare e hapur Burri nuk i kupton impulset e saj shpirtërore vazhdon të luajë në piano. Këtu, para-rafaelitët nuk ishin pionierë, ata u parashikuan nga Richard Redgrave me pikturën e tij të famshme The Governess (1844). Dhe më vonë, në vitet '40, Redgrave krijoi shumë vepra të ngjashme kushtuar shfrytëzimit të grave.
Pararafaelitët u morën edhe me tema historike, duke arritur saktësinë më të madhe në paraqitjen e detajeve faktike; iu drejtua veprave të poezisë dhe letërsisë klasike, te veprat e Dante Alighierit, William Shakespeare, John Keats. Ata idealizuan mesjetën dhe e donin romancën dhe misticizmin mesjetar.
Para-Rafaelitët krijuan në artet pamore lloj i ri bukuria femërore- i shkëputur, i qetë, misterioz, që do të zhvillohej më vonë nga artistët e Art Nouveau. Gruaja në pikturat para Rafaelite është një imazh mesjetar i bukurisë dhe feminitetit ideal; Kjo është veçanërisht e dukshme te Rossetti, i cili admironte bukurinë dhe misterin, si dhe te Arthur Hughes, Millais dhe Burne-Jones. Bukuria mistike, shkatërruese, la femme fatale, më vonë u shpreh në William Waterhouse. Në këtë drejtim, piktura "Zonja e Shalott" (1888), e cila ende mbetet një nga ekspozitat më të njohura në Galerinë Tate, mund të quhet ikonë]. Ai bazohet në një poezi të Alfred Tennyson. Shumë piktorë (Holman Hunt, Rossetti) ilustruan veprat e Tennyson, në veçanti "Zonja e Shalott". Historia tregon për një vajzë që duhet të qëndrojë në një kullë, e izoluar nga bota e jashtme dhe në momentin që vendos të arratiset, ajo firmos urdhërin e saj me vdekje.
Imazhi dashuri tragjike ishte tërheqëse për para-rafaelitët dhe pasuesit e tyre: në fund të shekullit të 19-të dhe fillimit të shekullit të 20-të, u krijuan më shumë se pesëdhjetë piktura me temën "Zonja e Shalott" dhe titulli i poemës u bë një frazeologjik. njësi. Para-Rafaelitët tërhiqeshin veçanërisht nga tema të tilla si pastërtia shpirtërore dhe dashuria tragjike, dashuria e pashpërblyer, vajza e paarritshme, një grua që vdiste për dashuri, e shënuar nga turpi ose mallkimi dhe një grua e vdekur me bukuri të jashtëzakonshme.
Koncepti viktorian i feminitetit u ripërcaktua. Për shembull, në Ophelia nga Arthur Hughes ose seria e pikturave Past and Present, 1837-1860 nga Augustus Egg, një grua tregohet si një person i aftë për të përjetuar dëshirën dhe pasionin seksual, duke çuar shpesh në një vdekje të parakohshme. Augustus Egg krijoi një sërë veprash që tregojnë se si shkatërrohet vatra familjare pasi u zbulua tradhtia bashkëshortore e nënës. Në pikturën e parë, një grua shtrihet në dysheme, me fytyrën e saj të zhytur në qilim, në një pozë të plotë dëshpërimi, dhe byzylykët në duar i ngjajnë me pranga Dante Gabriel Rossetti Proserpina nga mitologjia e lashtë greke dhe romake: një grua e re e vjedhur nga Plutoni në botën e krimit dhe e dëshpëruar për t'u kthyer në tokë.

Ajo ha vetëm disa kokrra shege, por mjafton një copë e vogël ushqimi që njeriu të mbetet përgjithmonë në botën e krimit. Proserpina Rossetti - jo vetëm grua e bukur me një vështrim të menduar. Ajo është shumë femërore dhe sensuale, dhe shega në duar është një simbol i pasionit dhe tundimit ndaj të cilit ajo iu nënshtrua.
Një nga temat kryesore në veprat e pararafaelitëve është një grua e joshur, e shkatërruar nga dashuria e pashpërblyer, e tradhtuar nga të dashurit e saj, një viktimë e dashurisë tragjike. Në shumicën e pikturave, ka një burrë, në mënyrë eksplicite ose të nënkuptuar, i cili është përgjegjës për rënien e gruas. Shembujt përfshijnë "Woke Shyness" të Hunt ose pikturën e Millais "Mariana".
Një temë e ngjashme mund të shihet në poezi: në "Mbrojtja e Guenevere" nga William Morris, në poezinë e Christina Rossetti " Dashuri e shpejte"(English Light Love, 1856), në poezinë e Rossettit "Jenny" (1870), e cila tregon një grua të rënë, një prostitutë që nuk shqetësohet aspak nga situata e saj dhe madje gëzon lirinë seksuale.

Pamje

Holman Hunt, Milles, Madox Brown projektuan peizazhin. Edhe piktorët William Dyce, Thomas Seddon dhe John Brett gëzonin njëfarë famë. Piktorët e peizazhit të kësaj shkolle janë veçanërisht të famshëm për përshkrimin e tyre të reve, të trashëguara nga paraardhësi i tyre i famshëm, William Turner. Ata u përpoqën të përshkruanin peizazhin me autenticitetin maksimal. Hunt shprehu mendimet e tij në këtë mënyrë: "Unë dua të pikturoj një peizazh ... duke përshkruar çdo detaj që mund të shoh." Dhe për pikturën e Millais « Gjethet e vjeshtës» Ruskin tha: "Kjo është hera e parë që muzgu është përshkruar kaq perfekt."

Piktorët bënë studime të përpikta të toneve nga jeta, duke i riprodhuar ato sa më qartë dhe me shkëlqim. Kjo punë mikroskopike kërkonte durim dhe mundim të madh në letrat ose ditarët e tyre, pararafaelitët ankoheshin për nevojën për të qëndruar me orë të tëra nën diellin e nxehtë, shiun dhe erën, në mënyrë që të pikturonin, ndonjëherë, një pjesë shumë të vogël të figurës; . Për këto arsye, peizazhi para-rafaelit nuk u përhap dhe më pas u zëvendësua nga impresionizmi.

Arti fotografik

Ruskin gjithashtu shkroi, duke admiruar dagerotipet: "Ishte sikur një magjistar ta kishte tkurrur objektin ... në mënyrë që të mund të merrej me vete." Dhe kur letra fotografike e albuminës u shpik në 1850, procesi i fotografimit u bë më i lehtë dhe më i arritshëm.
Para-rafaelitët dhanë kontribut të madh në zhvillimin e fotografisë, për shembull, duke përdorur fotografi gjatë pikturës. Në fotografitë e pararafaelitëve shohim të njëjtën vëmendje për konceptin letrar të veprës, të njëjtat përpjekje për të shfaqur botën e brendshme të modeles (që ishte një detyrë pothuajse e pamundur për fotografinë e atyre viteve), të njëjtat veçori kompozicionale. : dydimensionaliteti i hapësirës, ​​përqendrimi te personazhi, dashuria për detajet.[ Veçanërisht të famshme janë fotografitë e Jane Morris të realizuara nga Dante Gabriel Rossetti në korrik 1865.
Shumë fotografë të famshëm u frymëzuan më pas nga krijimtaria para-Raphaelite: si, për shembull, Henry Peach Robinson.

Mënyra e jetesës

Para-rafaelitizmi është një stil kulturor që depërtoi në jetën e krijuesve të tij dhe, deri diku, përcaktoi këtë jetë. Pararafaelitët jetuan në mjedisin që krijuan dhe e bënë jashtëzakonisht në modë një ambient të tillë. Siç vëren Andrea Rose në librin e saj, në fund të shekullit të 19-të, “besnikëria ndaj natyrës ia lë vendin besnikërisë ndaj imazhit. Imazhi bëhet i dallueshëm dhe për këtë arsye mjaft i gatshëm për treg.”
Shkrimtari amerikan Henry James, në një letër të marsit 1969, i tha motrës së tij Alice për vizitën e tij në Morrises.
“Dje, motra ime e dashur,” shkruan Xhejms, “ishte një lloj apoteoze për mua, sepse pjesën më të madhe të saj e kalova në shtëpinë e zotit W. Morris, poetit. Morris jeton në të njëjtën shtëpi ku hapi dyqanin e tij, në Bloomsbury... E shihni, poezia është një profesion dytësor për Morrisin. Para së gjithash, ai është një prodhues i qelqit të njomur, pllakave faiane, tapiceri mesjetare dhe qëndisje kishash - në përgjithësi, gjithçka para-rafaelite, antike, e pazakontë dhe, më duhet të shtoj, e pakrahasueshme. Natyrisht, e gjithë kjo bëhet në një shkallë modeste dhe mund të bëhet në shtëpi. Gjërat që ai bën janë jashtëzakonisht elegante, të çmuara dhe të shtrenjta (ato e kalojnë çmimin e artikujve më të mëdhenj të luksit) dhe sepse fabrika e tij nuk mund të ketë shumë rëndësi. Por gjithçka që ai ka krijuar është e mahnitshme dhe e shkëlqyer... ai ka edhe ndihmën e gruas dhe vajzave të tij të vogla.”
Henry James vazhdon duke përshkruar gruan e William Morris, Jane Morris (nee Jane Burden), e cila më vonë u bë e dashura dhe modelja e Rossettit dhe që mund të shihet rregullisht në pikturat e artistit:
“Oh, e dashura ime, çfarë gruaje është kjo! Ajo është e bukur në çdo gjë. Imagjinoni një grua të gjatë, të hollë, me një fustan të gjatë prej pëlhure në ngjyrën e vjollcës së heshtur, prej materiali natyral deri në dantellën e fundit, me një goditje flokësh të zinj kaçurrelë që bien në valë të mëdha përgjatë tëmtheve, një fytyrë të vogël dhe të zbehtë. , vrima të mëdha të errëta, të thella dhe mjaft si Swinburne, me vetulla të trasha të lakuara të zeza... Një qafë e lartë e hapur e mbuluar me perla, dhe në fund - vetë perfeksioni. Në mur ishte varur një portret i saj pothuajse në përmasa reale nga Rossetti, aq i çuditshëm dhe joreal sa po ta kishe parë, do ta kishe marrë për një vizion të dhimbshëm, por me ngjashmëri dhe besnikëri të jashtëzakonshme me tiparet. Pas darkës... Morris na lexoi një nga poezitë e tij të pabotuara... dhe gruaja e tij, e vuajtur nga dhimbjet e dhëmbëve, u mbështet në divan, me një shall në fytyrë. Më dukej se kishte diçka fantastike dhe të hequr nga jeta jonë reale në këtë skenë: Morris, duke lexuar në një metër antik të qetë një legjendë mrekullish dhe tmerresh (ishte historia e Bellerophon), rreth nesh mobiljet piktoreske të dorës së dytë. të banesës (çdo send është shembull i diçkaje... ose), dhe, në cep, kjo grua e zymtë, e heshtur dhe mesjetare me dhimbjen e saj mesjetare të dhëmbit.”
Para-rafaelitët ishin të rrethuar nga gra të të gjitha llojeve Statusi social, të dashuruar, modele. Një gazetare shkruan për to në këtë mënyrë: “... gra pa krinoline, me flokë të rrjedhur... të pazakonta, si një ëndërr me ethe, në të cilën imazhet madhështore dhe fantastike lëvizin ngadalë”.
Dante Gabriel Rossetti jetoi në një atmosferë të sofistikuar dhe bohemiane, dhe vetë imazhi i tij i çuditshëm u bë pjesë e legjendës para-rafaelite: Rossetti jetoi me një larmi njerëzish, duke përfshirë poetin Algernon Swinburne, shkrimtarin George Meredith. Modelet pasuan njëra-tjetrën, disa prej tyre u bënë dashnore të Rossettit, Fanny Cornforth vulgare dhe koprrac ishte veçanërisht e famshme. Shtëpia e Rossettit ishte plot me antike, mobilje antike, porcelan kinez dhe xhingla të tjera, të cilat ai i bleu nga dyqanet e mbeturinave. Kopshti ishte shtëpia e bufave, wombats, kangurëve, papagajve, pallonjve dhe dikur jetonte edhe një dem, sytë e të cilit i kujtonin Rossettit sytë e të dashurës së tij Jane Morris.

Kuptimi i para-rafaelitizmit

Para-rafaelitizmi si një lëvizje artistike është gjerësisht i njohur dhe popullor në Britaninë e Madhe. Quhet gjithashtu lëvizja e parë britanike për të arritur famë botërore, megjithatë, midis studiuesve, rëndësia e saj vlerësohet ndryshe: nga një revolucion në art deri te inovacioni i pastër në teknikat e pikturës. Ekziston një mendim se lëvizja filloi me një përpjekje për të përditësuar pikturën, dhe më pas pati një ndikim të madh në zhvillimin e letërsisë dhe të gjithë kulturës angleze në tërësi. Sipas Enciklopedisë Letrare, për shkak të aristokracisë së saj të rafinuar, retrospektivës dhe soditjes, puna e tyre pati pak ndikim në masat e gjera.
Megjithë fokusin e dukshëm në të kaluarën, Pre-Raphaelitët kontribuan në vendosjen e stilit të Art Nouveau në artet e bukura, për më tepër, ata konsiderohen si paraardhës të simbolistëve, ndonjëherë edhe duke i identifikuar të dyja. Për shembull, se ekspozita "Simbolizmi në Evropë", e cila u zhvendos nga nëntori 1975 në korrik 1976 nga Roterdami përmes Brukselit dhe Baden-Baden në Paris, mori 1848 si datën e fillimit - vitin e themelimit të Vëllazërisë. Poezia para-rafaelite la gjurmë në simbolistët francezë Verlaine dhe Mallarmé, dhe piktura në artistë si Aubrey Beardsley, Waterhouse dhe më pak të njohur si Edward Hughes ose Calderon. Disa madje vënë në dukje ndikimin e pikturës Pre-Raphaelite te hipitë anglezë dhe Burne-Jones te Tolkien i ri. Interesante, në rininë e tij, Tolkien, i cili së bashku me miqtë e tij organizuan një shoqëri gjysmë sekrete të quajtur Tea Club, i krahasoi ata me vëllazërinë Pre-Raphaelite.
Në Rusi, ekspozita e parë e veprave Pre-Raphaelite, e organizuar nga shtëpia e ankandeve Christie's, u zhvillua nga 14 deri më 18 maj 2008 në Galerinë Tretyakov.

E themeluar në vitin 1848, Vëllazëria Pre-Raphaelite me të drejtë mund të konsiderohet si lëvizja e parë avangarde në Evropë. Shkronjat misterioze "R.K.V.", të cilat u shfaqën në pikturat e artistëve të rinj dhe të panjohur, hutuan publikun anglez - studentët e Akademisë Mbretërore të Arteve në Londër donin të ndryshonin jo vetëm parimet e artit modern, por edhe rolin e tij në jete sociale shoqërinë.

Në epokë Revolucioni industrial Temat sublime dhe piktura e rreptë akademike në frymën e Raphaelit nuk ishin të njohura me përfaqësuesit e klasës së mesme viktoriane, duke i lënë vendin kitsch-it artistik dhe skenave sentimentale. Duke kuptuar krizën e idealeve të Rilindjes së Lartë, anëtarët e Vëllazërisë Para-Rafaelite iu drejtuan artit italian të shekullit të 15-të. Shembujt ishin veprat e piktorëve të shquar Quattrocento - një gamë e ndritshme, e pasur, dekorueshmëria e theksuar e veprave të tyre u kombinua me vërtetësinë jetike dhe ndjenjën e natyrës.

Drejtuesit e Vëllazërisë Para-Rafaelite ishin artistët D.E. Millais (1829-1896), D.G Rossetti (1828-1882), W.H. Hunt, si dhe F.M. Kafe. Në fund të viteve 1850, një grup i ri u formua rreth Rossettit, i cili përfshinte W. Morris, E. Burne-Jones (1833-1898), E. Siddal dhe S. Solomon.

Artistët e rrethit të Rossetti ishin të angazhuar në pikturë dhe grafikë, shkruanin poezi dhe dizajnonin libra, zhvillonin dekor të brendshëm dhe dizajn mobiljesh. Në mesin e shekullit të 19-të, Pre-Raphaelitët filluan të punojnë në ajër të hapur, duke ngritur çështjen e të drejtave të grave në shoqëri dhe duke kontribuar në formimin e stilit më të rëndësishëm të fundit të shekullit - artit Art Nouveau.

Detyrat e para-rafaelitëve

Artistët e rinj që themeluan Vëllazërinë Pre-Rafaelite e kuptuan se i përkisnin një kulture në të cilën nuk kishte tradita të pikturës fetare, të shkatërruara në shekullin e 16-të, gjatë Reformimit. Përpara se të qëndronin para Rafaelitët jo një detyrë e lehtë- të ringjallë artin fetar, pa iu drejtuar imazheve ideale-konvencionale të altarit katolik.

Ndryshe nga mjeshtrit e Rilindjes, baza për kompozimin e pikturave para Rafaelite nuk ishte imagjinata, por vëzhgimet dhe fytyrat e marra nga jeta e përditshme. Anëtarët e Vëllazërisë hodhën poshtë format e buta, të idealizuara karakteristike të artistëve të Rilindjes së Lartë, duke preferuar linjat dinamike dhe ngjyrat e ndritshme dhe të pasura.

Asnjë nga para-rafaelitët nuk u përpoq veçanërisht të theksonte të vërtetat teologjike në përmbajtjen e pikturave të tyre. Ata më tepër iu qasën Biblës si burim i dramës njerëzore dhe kërkuan kuptim letrar dhe poetik në të. Për më tepër, këto vepra nuk ishin të destinuara për dekorimin e kishave.

I krishteri më i devotshëm në grup ishte Hunt, një intelektual fetar ekscentrik. Pjesa tjetër e artistëve para-rafaelitë u përpoqën të përshkruanin jetën e njerëzve më të zakonshëm, duke identifikuar njëkohësisht tema akute sociale, morale dhe etike të shoqërisë moderne. Pikturat me tema fetare janë përballur me imazhe që janë relevante dhe urgjente. Komplotet kushtuar çështjeve sociale, siç interpretohen nga pararafaelitët, marrin formën e shëmbëlltyrave moderne.

Piktura me tema historike

Pikturat me tema historike luajnë një rol kyç në veprën e pararafaelitëve. Tradicionalisht, britanikët nuk ishin të interesuar për skena spektakolare heroike dhe kompozime klasike të idealizuara të mbushura me modele nudo apatike. Ata preferuan të studionin historinë përmes shfaqjeve të William Shakespeare dhe romaneve të Walter Scott, dhe të mësonin biografinë e figurave të mëdha të së kaluarës në imazhet teatrale të aktorëve të shquar si Garrick dhe Sarah Siddons.

Para-rafaelitët hodhën poshtë historinë klasike me idetë e saj të virtytit shembullor, fuqisë ushtarake dhe arritjeve monarkike. Duke iu kthyer temave letrare dhe historike, ata përshkruanin me saktësi kostumet dhe brendësinë e epokës së zgjedhur, por në të njëjtën kohë forcuan aspektin zhanor, duke i bërë marrëdhëniet njerëzore motivin kryesor të kompozimit. Para se ta mbushnin foton me njerëz, artistët pikturuan me kujdes të gjitha detajet e brendshme ose peizazhit në sfond për të theksuar atmosferën e relaksuar dhe realiste rreth skenës qendrore. Në përpjekje për të krijuar një përbërje të besueshme, ata gjetën shembuj të kostumeve dhe stolive në dorëshkrime të ndriçuara dhe libra referimi historikë. Tiparet e çdo personazhi janë një fytyrë e vizatuar me përpikëri e një modeli të zgjedhur nga anëtarët e Vëllazërisë. Kjo qasje hodhi poshtë konventat e pranuara të zhanrit të lartë, por rriti efektin e autenticitetit.

Qëndrimi para Rafaelitit ndaj natyrës

Qëndrimi pararafaelit ndaj natyrës përbën një nga aspektet më të rëndësishme të kësaj lëvizjeje si nga ana teorike ashtu edhe nga stili. Thirrja e John Ruskin për "kthehuni natyrës me gjithë zemër dhe ecni dorë për dore me të me besim dhe zell, duke kujtuar udhëzimet e saj dhe duke menduar vetëm për të kuptuar kuptimin e saj, pa refuzuar, pa zgjedhur, pa tallur" pati një ndikim të padyshimtë në Para. -Rafaelitë. Anëtarët e rinj të Vëllazërisë Pre-Raphaelite studiuan me padurim veprat e Ruskinit mbi trashëgiminë e Turner-it, por stili i tyre është një sintezë unike e pikturës plein air, komplote emocionuese shekspiriane dhe tema aktuale të punës moderne. Punimet më të suksesshme kombinojnë kompozimin e detajuar me përshkrimin mjeshtëror të figurave dhe dizajnin kompleks që kombinon të gjithë elementët në një tërësi koherente.

John Everett Millais. Lugina e Paqes së Përjetshme ("Të lodhurit do të gjejnë paqe")

Në të njëjtën kohë, pararafaelitët ishin të magjepsur nga zbulimet më të fundit në fushën e shkencave natyrore, të cilat në mesin e shekullit u ndoqën me shumë interes nga e gjithë shoqëria britanike. Artistët vazhduan të konkurronin me fotografinë, e cila si plotësonte imazhet e natyrës që ata krijuan dhe i inkurajoi ata të pikturonin me më shumë emocione, duke përdorur një gamë të ndritshme dhe të pasur. Duke kombinuar figurat dhe peizazhin në një kompozim të ndërlikuar, para-rafaelitët theksuan elementin narrativ, duke tërhequr shqisat e shikuesit dhe duke krijuar humor në pikturë. Kështu i ruante kufijtë piktura.

Lëvizja e estetizmit, qëllimi i artit

Në fillim të viteve 1860, filloi një fazë e re në punën e Rossetti dhe bashkëpunëtorëve të tij. Piktorët e rinj që iu bashkuan rrethit të ish-Parafaelitëve u përpoqën të realizonin talentin e tyre në fusha të ndryshme të artit. Sidoqoftë, veprat e krijuara nga një grup i ri artistësh dhe shkrimtarësh doli të ishin jo më pak inovative. Nga mesi i viteve 1860, para-rafaelizmi ishte shndërruar në lëvizjen e estetizmit. Punimet në këtë rubrikë i kushtohen bukurisë si të tillë.

Përpjekja drejt tij, ky “qëllim i vetëm absolut” i artit, sipas Rossettit, karakterizon dekadën e dytë të pikturës para-rafaelite.

Rossetti gjithashtu u përpoq për bukurinë, por qëllimi i tij ishte të krijonte një ideal të ri estetik. Gjatë kësaj periudhe, artisti realizoi një sërë veprash që lavdërojnë bukurinë femërore plot gjak, të shëndetshme, theksimisht sensuale.

Punimet e hollësishme të penelit dhe vijat e gjera të bojës të aplikuara me furça të forta imitojnë qëllimisht pikturën veneciane të shekullit të 16-të dhe, në veçanti, teknikën e Titian dhe Veronese.

E gjelbërta e thellë dhe e pasur, bluja dhe e kuqja e errët zëvendësuan transparencën gotike me njolla të paletës së hershme Pre-Raphaelite.

Pavarësisht marrëdhënies me pikturat e mjeshtrave të vjetër, pikturat tronditën bashkëkohësit, të cilët akuzuan me furi Rossettin për imoralitet. Në të njëjtën kohë, interpretimi artistik i imazheve dhe përmbajtja semantike e këtyre veprave pati një ndikim të rëndësishëm në formimin e stilistikës së artit të Art Nouveau.

Piktura poetike e pararafaelitëve

Në mesin e viteve 1850, Rossetti ndaloi përkohësisht pikturën dhe, duke iu kthyer teknikave të akuarelit, krijoi një sërë kompozimesh shumëngjyrëshe dhe komplekse. Në këto vepra, pasioni i artistit për Mesjetën u demonstrua veçanërisht qartë - shumë bojëra uji u krijuan nën përshtypjen e dorëshkrimeve të ndriçuara.

Në pamjen e heroinave të gjata, të zbehta dhe të holla të bojërave uji të Dante Gabriel Rossetti-t, shpesh mund të dallohet figura dhe tiparet e Elizabeth Siddal.

Akuarelët e një përfaqësuesi të brezit të ri të artistëve në rrethin e Rossettit, Edward Burne-Jones, i ngjajnë smaltit të mbyllur, duke reflektuar interesin e autorit të tyre për teknika dhe lloje të ndryshme arti.

Pothuajse të gjitha bojërat uji u frymëzuan nga romanet poetike kalorësiake, baladat apo veprat e poetëve romantikë. Në të njëjtën kohë, natyra e pavarur e këtyre veprave nuk na lejon të shohim në to vetëm një ilustrim të një vepre letrare. Në fund të viteve 1850 dhe në fillim të viteve 1860, Rossetti krijoi një numër veprash mbi tema fetare. Paleta e pasur e ngjyrave dhe rregullimi i përgjithshëm i figurave pasqyrojnë ndikimin e artit venecian, i cili gjatë kësaj periudhe zëvendësoi pasionin e hershëm të artistit për pikturën Firentine Quattrocento.

Utopia para Rafaelite, dizajn

Falë William Morris dhe firmës Morris, Marshall, Faulkner and Co., e themeluar prej tij së bashku me E. Burne-Jones, D. G. Rossetti dhe F. M. Brown, veprat e artit të aplikuar patën një ndikim të rëndësishëm në zhvillimin e dizajnit evropian në gjysmën e dytë të shekullit të 19-të, ndikuan në zhvillimin e estetizmit britanik dhe dhanë lindjen e Lëvizjes Arte dhe Mjeshtëri.

Morris dhe bashkëpunëtorët e tij u përpoqën të ngrinin statusin e dizajnit në të njëjtin nivel me format e tjera të artit të bukur. Fillimisht ata theksuan natyrën kolektive dhe esnafe të punës, duke marrë si model idetë e idealizuara për artizanët mesjetarë. Kompania prodhonte orendi dhe dekorime për ambientet e brendshme të shtëpive dhe kishave: pllaka, xham me njolla, mobilje, pëlhura të printuara, qilima, letër-muri dhe tapiceri. Burne-Jones u konsiderua artisti kryesor, dhe Morris ishte përgjegjës për hartimin e stolive. Heronjtë e veprave të mëvonshme të Burne-Jones nuk shfaqin asnjë emocion, figurat e tyre janë ngrirë në pamundësi të palëvizshme, kështu që kuptimi i komplotit është i paqartë dhe, si të thuash, i fshehur në shtresa të dendura bojë.

Edward Burne-Jones. Sidonia von Bork, 1560. 1860

Imazhet ëndërrimtare dhe kompozimet abstrakte të këtij artisti ofrojnë një alternativë imagjinative ndaj materializmit ekstrem të Britanisë viktoriane. Në këtë, arti i tij padyshim dukej si një utopi, por një utopi krejtësisht abstrakte. Siç tha ai vetë: "Unë jam një rebel i lindur, por pikëpamjet e mia politike janë një mijë vjet të vjetruara: këto janë pikëpamjet e mijëvjeçarit të parë dhe, për rrjedhojë, nuk kanë asnjë kuptim."

Artistët para-rafaelitë (nga latinishtja prae - përpara, dhe emri "Raphael") janë përfaqësues të një lëvizjeje në poezinë dhe pikturën angleze të mesit të shekullit të 19-të, të krijuar për të luftuar traditat e vendosura akademike, konventat dhe imitimin e modeleve klasike. Përfaqësuesit kryesorë të Vëllazërisë Pre-Raphaelite - William Holman Hunt (1827 -1910), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) dhe John Everett Millais (1829-1896) - e konsideruan të denjë pikturën e artistëve të Rilindjes së hershme që punuan para Raphaelit. admirim. Para-rafaelitët i konsideronin Perugino, Fra Angelico dhe Giovanni Bellini të denjë për t'u imituar.

Artistët pararafaelitë kundër akademikizmit

Në mesin e shekullit të 19-të, shkolla akademike në pikturën angleze ishte drejtuese. Në një shoqëri të zhvilluar industriale, një nivel i lartë i teknologjisë së performancës u perceptua si një garanci e cilësisë. Prandaj, puna e studentëve të akademisë ishte mjaft e suksesshme dhe e kërkuar nga shoqëria angleze. Por stabiliteti i pikturës angleze është zhvilluar tashmë në kockëzim, duke u zhytur në konventa dhe përsëritje. Dhe ekspozitat verore të Akademisë Mbretërore të Arteve bëheshin çdo vit e më të parashikueshme. Akademia Mbretërore e Arteve ruajti traditat e akademikizmit dhe i trajtoi risitë me shumë kujdes dhe skepticizëm. Artistët para-rafaelitë nuk donin ta përshkruanin natyrën dhe njerëzit si abstraktisht të bukur, ata donin t'i përshkruanin me vërtetësi dhe thjesht, duke besuar se e vetmja mënyrë për të parandaluar degradimin e pikturës angleze ishte kthimi në thjeshtësinë dhe sinqeritetin e artit Rilindja e hershme.

Çfarë nuk u pëlqente veçanërisht pararafaelitëve?

• standarde të gabuara të edukimit akademik
• presidenti i parë i Akademisë së Arteve, Sir Joshua Reynolds (1723-1792)
• Piktura e Raphael "Shndërrimi"
• krijimtaria e P.P. Rubens

Në pikturën e Rafaelit "Shpërfytyrimi" pararafaelitët panë një shpërfillje ndaj thjeshtësisë dhe së vërtetës. Sipas W. H. Hunt, veshja e apostujve ishte shumë pompoze dhe imazhi i Shpëtimtarit ishte i lirë nga spiritualiteti.

D. G. Rosseti, duke e urryer me gjithë shpirt veprën e Rubens-it, arriti të shkruajë "Pështyj këtu" në faqet e një vepre për historinë e artit, përballë çdo përmendjeje dhe të fundit.

Rafael Santi. Shpërfytyrimi

P.P. Rubens. Herkuli i dehur

Sir Joshua Reynolds. Autoportret

Teknikat krijuese dhe artistike të pararafaelitëve

• Ngjyra të ndritshme, të freskëta

Për të arritur tone më të ndritshme dhe më të freskëta, artistët Pre-Raphaelite përdorën teknika të reja pikture. Ata lyen me vaj në tokë të bardhë të lagur ose në një shtresë zbardhimi. Përveç shkëlqimit të ngjyrave, teknika e zgjedhur bëri të mundur që veprat e artistëve të jenë më të qëndrueshme - veprat e para-rafaelitëve janë ruajtur në formën e tyre origjinale edhe sot e kësaj dite.

• Bojëra të pastra
• Përfaqësimi i vërtetë i natyrës

Duke braktisur "pikturën e kabinetit", artistët e rinj filluan të pikturojnë në natyrë dhe dhanë rëndësi të madhe përpunimi i imët i detajeve.

"Unë dua të pikturoj një peizazh, duke përshkruar çdo detaj që mund të shoh" (W. Hunt)

• Përqendrohuni në artin e Mesjetës dhe Rilindjes së Hershme
• Përdorimi i të afërmve, miqve dhe njerëzve nga rruga si modele, sesa modele profesionale.

Një vajzë analfabete, Fanny Cornforth, pozoi për pikturën e famshme të Dante Rossetti "Zonja Lilith". Piktura "Rinia e Virgjëreshës Mari" përshkruan nënën dhe motrën e artistit Dante Rossetti. Për pikturën "Ophelia" artisti D.E. Millet zgjodhi momentin në tragjedinë e Shekspirit kur Ophelia u hodh në lumë, u zhyt ngadalë në ujë dhe këndoi disa këngë. Së pari, artisti pikturoi një cep piktoresk lumi, dhe ai pikturoi figurën e një vajze tashmë brenda muajt e dimrit. Elizabeth Siddal, e veshur me një fustan antik luksoz, kaloi shumë orë në një banjë me ujë të ngrohtë. Në një moment u fikën llambat që ngrohnin ujin, por vajza nuk u ankua dhe u sëmur rëndë. Më pas, babai i Elizabeth Siddal i dërgoi artistit një faturë për të paguar trajtimin e vajzës së tij.

• Simbolizmi

Pikturat para-rafaelite karakterizohen nga shumë detaje të pajisura me një kuptim ose simbol të caktuar. Për shembull, në pikturën e D.E. "Ophelia" e Millet përshkruan shumë lule. Margaritë simbolizojnë dhimbjen, dëlirësinë dhe dashurinë e tradhtuar, dredhka është shenjë e pavdekësisë dhe rilindjes së përjetshme, shelgu është simbol i dashurisë së refuzuar, lulëkuqet janë një simbol tradicional i vdekjes.

Dante Rossetti. Zonja Lilith

D.G. Rossetti. Rinia e Virgjëreshës Mari

D.E. Meli. Ofelia

Artistët para Rafaelitë. Temat kryesore dhe pikturat e famshme.

Nëse veprën e pararafaelitëve e shikojmë sipërfaqësisht, atëherë gjëja e parë që na shfaqet kur përmenden janë figurat tragjike të femrave flokëkuqe që mishërojnë imazhet e heroinave të famshme letrare. Por burimi i vërtetë i Vëllazërisë Pre-Raphaelite ishte rebelimi kundër konvencioneve estetike dhe dëshira për të përshkruar me vërtetësi dhe saktësi realitetin.

Temat kryesore të punës së para-rafaelitëve:

• mesjetarizmi (historia e Mesjetës), Mbreti Arthur
• kulti i bukurisë femërore
• vepra e Shekspirit
• veprat e Dante Alighierit
• Jezus Krishti
• problemet sociale

Mesjetarizmi, Mbreti Artur në veprat e para-rafaelitëve

Veprat e pararafaelitëve janë të mbushura me simbolikë shpirtërore, duke na referuar në idealet e kalorësisë, virtytet dhe bëmat e krishtera. Në sfondin e rënies morale që mbretëroi në Angli në mesin e shekullit të 19-të, këto piktura dukeshin idilike. Por ishin pikërisht subjektet dhe imazhet kalorësore, sipas artistëve të Vëllazërisë, ato që supozohej të kapërcenin rënien dhe të zgjidhnin problemet sociale të Anglisë.

Tregimet për Mbretin Arthur ishin veçanërisht të njohura. Para-rafaelitët gjetën materiale të bollshme për Mbretin Artur në poezinë e A. Tennyson. Personazhet e preferuar në pikturat Pre-Raphaelite ishin Galahad dhe Elaine, Lancelot dhe Guinevere, Arthur, Merlin dhe Maiden of the Lake.

D.G. Rossetti. Virgjëresha e Graalit të Shenjtë. 1874

E. Coley Burne-Jones. Merlin i magjepsur. 1877

D. W. Waterhouse. Zonja e Shalott, 1888

Veprat e Shekspirit dhe Dante Alighierit në pikturat e artistëve pararafaelitë

Për të kuptuar domethënien e disa pikturave para-rafaelite, është e nevojshme t'i drejtohemi bazës së tyre letrare. Kthimi te teksti do t'ju lejojë të zbuloni më plotësisht tiparet dhe modelet e mishërimit të një imazhi të veçantë.

Pararafaelitët donin ta ngrinin pikturën në nivelin e letërsisë dhe të poezisë dhe të futnin një element intelektual në artet figurative.

Artistët para-rafaelitë shpesh iu drejtuan temave letrare dhe historike në punën e tyre. Dhe veprat e Shekspirit dhe Dantes, në vepra letrare që tregon aq gjallërisht dramën e marrëdhënieve njerëzore - zë një vend të veçantë në pikturën e tyre. Krijuesit u përpoqën ta përshkruanin skenën sa më saktë që të ishte e mundur nga një këndvështrim historik. Për të krijuar kompozimin sa më natyral rreth skenës kryesore, ata pikturuan me kujdes sfondin, duke e mbushur me detaje të brendshme ose të peizazhit. Duke mbushur figurën me personazhet e komplotit, ata studiuan me kujdes mostrat e kostumeve dhe stolive në librat e referencës historike. Por, megjithë një pedanti të tillë në përshkrimin e detajeve të jashtme, marrëdhëniet njerëzore mbetën gjithmonë qendra e kompozimit.

D. W. Waterhouse. Miranda dhe Stuhia

F.M. Kafe. Romeo dhe Zhuljeta. Skena e famshme e ballkonit

D.G. Rossetti. Vizionet e Dantes

D.G. Rossetti. Dashuria e Dantes

D.G. Rosstetti. Beatriçe e bekuar. 1864-1870

Temat fetare dhe shoqërore në veprat e pararafaelitëve.

Vëllazëria Pre-Raphaelite u përpoq të ringjallte traditat e pikturës fetare pa iu drejtuar imazheve konvencionale të pikturave të altarit katolik. Megjithatë, artistët e rinj nuk u përpoqën të theksonin të vërtetat teologjike në kanavacat e tyre. Ata iu qasën Biblës si burim drame njerëzore. Këto vepra, natyrisht, nuk ishin të destinuara për dekorimin e kishave dhe kishin një kuptim letrar dhe poetik më tepër sesa fetar.

Me kalimin e kohës, puna e reformatorëve të rinj filloi të qortohej për interpretime shumë të lira të temave fetare. Piktura e Millet "Krishti në shtëpinë prindërore" paraqet mjedisin asketik në shtëpinë e marangozit. Në sfond janë delet që kullosin. Shpëtimtari e plagosi pëllëmbën e tij me një gozhdë dhe Nëna e Zotit e ngushëllon. Kanavacja është e mbushur me shumë kuptime: delet janë një viktimë e pafajshme, dora e gjakosur është një shenjë e kryqëzimit të ardhshëm, kupa me ujë e mbajtur nga Gjon Pagëzori është një simbol i Pagëzimit të Zotit. Për shkak se Familja e Shenjtë përshkruhet në pikturën e Milles "Krishti në shtëpinë prindërore" në imazhin e njerëzve të zakonshëm, kritikët e quajtën këtë pikturë "Punëtoria e Karpentjerit". Mbretëresha Victoria donte të verifikonte personalisht se nuk kishte asnjë blasfemi në pikturë dhe kërkoi që piktura t'i dorëzohej asaj. Artisti vendosi të riemërtojë pikturën për çdo rast.

Duke përshkruar jetën e njerëzve të zakonshëm në kanavacat e tyre, para-rafaelitët identifikuan problemet morale dhe etike të shoqërisë moderne. Shpesh subjektet sociale në pikturat para-rafaelite marrin formën e shëmbëlltyrave fetare.

D.W. Waterhouse. Fati. 1900

Kulti i bukurisë femërore në kanavacat e Vëllazërisë Pre-Rafaelite

Në kanavacat e Pre-Raphaelitëve, imazhet femërore morën një zhvillim të ri. Feminiteti shihej si një kombinim i pandashëm i fizikës, atraktivitetit, simbolizmit dhe spiritualitetit në të njëjtën kohë. E veçanta e përshkrimit të grave ishte kombinimi i njëkohshëm i realizmit dhe fantazisë së imazhit. Në kanavacat e artistëve të rinj, imazhet letrare të Shekspirit, Keats, Chatterton dhe të tjerë fituan fizik pa humbur misterin e tyre. Para-rafaelitët donin të bënin të dukshëm imazhin e një gruaje të përshkruar në letërsinë romantike.

D.G. Rossetti. Proserpina

D.W. Waterhouse. Zgjidhni trëndafilat tuaj shpejt. 1909

W. Hunt. Isabella dhe tenxherja e Basilit 1868

Para-Rafaelitë dhe John Ruskin

Pionieri dhe mbështetësi i Vëllazërisë Pre-Rafaelite ishte teoricieni i shquar dhe domethënës i artit John Ruskin. Në atë moment, kur një ortek kritikash ra mbi artistët e rinj, ai i mbështeti artistët si moralisht - duke shkruar një artikull në mbrojtje të një drejtimi të ri në pikturë, ashtu edhe financiarisht - duke blerë disa piktura nga pararafaelitët.

Të gjithë morën parasysh mendimin e John Ruskin, kështu që shumë shpejt pikturat e të rinjve të talentuar u bënë të njohura. Çfarë ishte kaq e veçantë që teoricieni i nderuar i artit gjeti në këto piktura? Në kanavacat e Pre-Raphaelitëve, John Ruskin pa një mishërim të gjallë dhe krijues të atyre ideve për të cilat ai shkroi aq shumë në veprat e tij:

• depërtim në thelbin e natyrës
• vemendje ne detaje
• refuzimi i konventave dhe kanuneve të imponuara
• idealizimi i mesjetës dhe i rilindjes së hershme

Kritiku i famshëm shkroi disa artikuj për The Times, ku vlerësoi lart punën e artistëve. Ruskin botoi një broshurë për këta mjeshtër, e cila shërbeu si një pikë kthese në fatin e tyre. Në ekspozitën akademike të vitit 1852, "Bariu i punësuar" i Hunt dhe "Ofelia" i Millais u pritën pozitivisht.

Pararafaelitë. Lëvizja e Arteve dhe Artizanatit. Stili Art Nouveau

Secili artist para Rafaelit kërkonte të tijën rrugë krijuese dhe dashuria për mesjetën nuk mjaftonte më për të mbajtur të bashkuar anëtarët e Vëllazërisë Para Rafaelite. Mosmarrëveshja përfundimtare ndodhi në 1853, kur Millais u bë anëtar i Akademisë Mbretërore, të cilën Pre-Raphaelitët e kundërshtuan aq ashpër.

Në 1856, Rossetti u takua me William Morris, udhëheqësin e lëvizjes Arte dhe Mjeshtëri, i cili më vonë ndikoi në formimin e. W. Morris, së bashku me Edward Burne-Jones, u bënë studentët e Rossettit. Nga ky moment fillon një etapë e re e “Vëllazërisë Para-Rafaelite”, ideja kryesore tani bëhet estetizimi i formave, erotizmi, kulti i së bukurës dhe gjenialiteti artistik.

Shëndeti mendor dhe fizik i Rossettit gradualisht u përkeqësua dhe Edward Burne-Jones u bë tani udhëheqësi i lëvizjes. Duke krijuar vepra në frymën e para-rafaelitëve të hershëm, ai u bë jashtëzakonisht i popullarizuar.

William Morris bëhet një figurë qendrore në artet dekorative të shekullit të 19-të, dhe stili i Art Nouveau, një nga burimet e të cilit ishte para-rafaelitizmi, depërton jo vetëm në artet dekorative, por edhe në mobilje, dekorim të brendshëm, arkitekturë dhe libra. dizajni.

Artistët para Rafaelitë. Përfaqësuesit kryesorë

Dante Gabriel Rossetti

Ai lindi në një familje intelektualësh borgjeze më 12 maj 1828. Viti 1848 ishte domethënës për artistin, pasi në një ekspozitë në Akademinë Mbretërore të Arteve ai u takua me William Holman Hunt. Krijimtaria e përbashkët çoi në krijimin e Vëllazërisë Pre-Raphaelite.
Ai u martua me muzën dhe modelen e njohur Pre-Raphaelite Elizabeth Siddal. Në periudhën 1854-1862 ishte mësues në institucionin e parë arsimor komunal ku u shkolluan klasat e ulëta. Në 1881, shëndeti i artistit filloi të përkeqësohej. Vendpushimi i Birchington-on-Sea u bë streha e fundit e artistit. Vdekja ia hapi krahët më 9 prill 1882.

Karakteristikat e stilit

Tiparet karakteristike të stilit të Gabriel Rossettit ishin perspektiva shumëdimensionale dhe përpunimi i detajuar i secilës pjesë të tablosë. Në veprat e autorit mbi plan të parë del shpirtërorja dhe madhështia e njeriut.

Piktura kryesore

"Rinia e Virgjëreshës Mari";
"Lajmimi";
"Mbishkrimet në rërë";
Sir Galahad në kapelën e rrënuar;
"Dashuria e Dantes"
"Beatrice e bekuar";
"Monna Vanna";
"Pia de Tolomei";
"Vizioni i Viammetta"
"Pandora";
"Proserpina".

D.G. Rossetti. Venus Verticordia

D.G. Rosstetti. Beatrice e bekuar

D.G. Rossetti. Varri i Mbretit Artur

William Holman Hunt

W.H. Autoportret i Hunt, 1867

Një nga themeluesit e Vëllazërisë Para-Rafaelite. Ai dallohej nga artistët e tjerë të komunitetit për besimin e tij. Që nga lindja ai kishte emrin William Hobman Hunt, por më vonë e zëvendësoi në mënyrë të pavarur me një pseudonim. Piktura "Drita e Botës" i solli famë artistit.

Shkroi një vepër autobiografike, Pararafaelitizmin, qëllimi i së cilës ishte të linte të dhëna të sakta për themelimin e Vëllazërisë. Ai u martua me Fanny Waugh, pas vdekjes së së cilës u rimartua me motrën e saj Edith Alice. Ky bashkim i solli atij mosmiratimin nga shoqëria.

Karakteristikat e stilit

Bota përreth është e rrethuar nga natyra piktoreske, të gjitha detajet e së cilës synojnë të përmirësojnë gjendjen e brendshme të imazhit. Një tipar i veprave të Holman Hunt janë tranzicionet e buta të gjysmëtoneve dhe kombinimet e pasura të ngjyrave.

Piktura kryesore

• "Drita e botës";
• "Zonja e Shalott"
• "Klaudio dhe Izabella";
• Festivali i St. Brenda;
• "Zbritja e zjarrit të shenjtë";
• "Djapi i shpëtimit";
• "Hija e vdekjes";
• "Trokitni."

W. H. Hunt. Dhia e shpëtimit. 1856

W. H. Hunt. Trokitni

W.H. Gjuetia. Hija e vdekjes

John Everett Millais

D.E. Meli. Autoportret

Në moshën njëmbëdhjetë vjeç ai hyri në Akademinë Mbretërore të Arteve (1840). Konsiderohet si studenti më i ri në historinë e institucionit. Në moshën pesëmbëdhjetë vjeç ai tregoi aftësi të veçanta në punën me furçë. Puna e tij në stilin akademik, "Pizarro Captures the Peruan Incas", u nderua të ekspozohej në ekspozitën akademike verore të 1846.

Për veprën e tij "Sulmi i fisit të Beniaminit mbi vajzat e Siloamit" ai u nderua me një medalje ari në 1847. Pas takimit me Danten, Gabriel Rossetti dhe Hlman Hunt iu bashkuan Vëllazërisë Pre-Raphaelite. Puna që e bëri të famshëm ishte piktura "Ophelia", modeli i së cilës ishte muza Pre-Raphaelite dhe gruaja e ardhshme e D.G. Rossetti Elizabeth Siddal.

Në 1855, John Everett Millais u martua me ish-gruan e John Ruskin Effie, menjëherë pas divorcit të saj të profilit të lartë nga kjo e fundit. Që nga ajo kohë, ai u largua plotësisht nga "Vëllazëria Para-Rafaelite" dhe krijoi piktura popullore në stilin akademik. Në 1896, ai u zgjodh president i Akademisë Mbretërore të Arteve, lufta kundër parimeve bazë të së cilës ishte një nga parimet unifikuese për artistët pararafaelitë.

Karakteristikat e stilit

Tiparet e theksuara të stilit janë trashëgimia e teknikës së Raphael. Perspektiva bazohet në lojën e dritës dhe hijes. Artisti përdori një gamë të heshtur, duke theksuar thekset me detaje të ndritshme dhe duke krijuar një atmosferë veprimi.

Piktura kryesore

• "Pizarro kap inkasit peruan";
• "Sulmi i fisit të Beniaminit kundër bijave të Siloamit";
• "Ophelia";
• Qershi i pjekur;
• "Vdekja e Romeos dhe Zhuljetës".

D.E. Meli. Ofelia

D. E. Millet. Krishti në shtëpinë e prindërve të tij

D.E. Meli. Pizarro kap inkasit peruan

Madox Brown

Përfaqësues i shquar i pararafaelitizmit, por nuk ishte anëtar i vëllazërisë. Ai mbështeti idetë e Gabriel Rossetti dhe William Morris. Së bashku me këtë të fundit ai u përfshi në zhvillimin e dizajnit të xhamit me njolla.

Ka studiuar në Akademinë e Arteve (Bryge). Më vonë ai u transferua në Gent, pastaj në Antwerp. Piktura "Ekzekutimi i Marisë së Skocisë", e pikturuar në 1840, solli famë Ai u mbështet në drejtimin romantik të artistëve të Rilindjes së Hershme. Shumica e tregimeve iu kushtuan temave fetare dhe shpirtërore.

Karakteristikat e stilit

Në veprat e tij, artisti u përpoq të arrinte një përshkrim të qartë të komplotit dhe të përcjellë të vërtetën e jetës. Riprodhimi i dramës së ngjarjeve arrihet nga kontrastet e ngjyrave dhe ekspresiviteti i pozave.

Piktura kryesore

• "Ekzekutimi i Marisë së Skocezëve";
• “Krishti duke larë këmbët e Apostullit Pjetër”;
• "Lamtumirë Anglisë";
• "Vdekja e Sir Tristram".

F. M. Brown. Romeo dhe Zhuljeta. Skena e famshme e ballkonit

F.M. Kafe. Lamtumire Anglise

F.M. Kafe. Puna

Edward Burne-Jones

Ilustrues dhe piktor, mbyllen në frymën e komplotit dhe prezantimit para Rafaelitëve. I njohur për punën e tij në xham me njolla. Ai mori arsimin fillor në Shkollën e Mbretit Eduard.

Në 1848, ai hyri në trajnime shtesë në kurset e mbrëmjes në shkollën qeveritare të dizajnit. Ai u takua me William Maurice në Universitetin e Oksfordit (1853). I frymëzuar nga idetë e Vëllazërisë, ai braktisi drejtimin teologjik dhe filloi një studim të thelluar të teknikave të vizatimit. Ai ia kushtoi veprat e tij legjendave romantike të Anglisë.

Karakteristikat e stilit

Artisti preferoi theksin tek trupi i zhveshur mashkullor. Paraqitja e perspektivës përmes skemës së ngjyrave krijon një ndjenjë të sheshtë. Loja e kundërta e kiaroskuros mungon plotësisht. Theksi është te linjat, ngjyrat e preferuara janë spektri i artë dhe portokallia.

Piktura kryesore

• "Lajmimi";
• "Merlin i magjepsur";
• "Shkallët e Artë";
• "Libri i luleve";
• "Dashuri mes rrënojave."

E. Burne-Jones. Dashuria mes rrënojave.

E. Coley Burne-Jones. Mbreti Cofetua dhe gruaja lypës. 1884

Burne-Jones. Merlin i magjepsur

William Morris

W. Morris. autoportret

Romancier, artist, poet dhe socialist anglez. Konsiderohet përfaqësuesi më i madh i gjeneratës së dytë të para-rafaelitëve, lideri i njohur jozyrtar i Lëvizjes së Arteve dhe Artizanatit.
Një familje e pasur ishte në gjendje t'i jepte artistit një edukim të mirë. Nga pasioni për Mesjetën dhe lëvizjen Traktariane, ai u bë mik me Edward Burne-Jones.
Linjat kryesore të komplotit në pikturat e W. Morris ishin legjenda e mbretit Artur. Përmbledhja "Mbrojtja e Guinevere dhe poezi të tjera", botuar në 1858, iu kushtua kësaj ideje.
Që nga viti 1859 ai jetoi në një martesë zyrtare me Jane Burden. Ajo u bë modeli i tij për shumë piktura.