• Interiér
• Okno
• Stěny
• Projekty
• Budovy

Co je v umění věčné téma. Shrnutí hudební lekce "věčná témata umění a života." Člověk je nádoba

Věčná témata umění a života

Cíl: pomocí komunikace s různými uměleckými díly se snažte pochopit, že jazyk umění se v čase nemění a že je založen na duchovních hodnotách vyvinutých lidstvem.

úkoly:

rozvoj emocionálního a vědomého postoje k uměleckým dílům různých epoch a hnutí;

prostřednictvím „ozvučení“ uměleckých obrazů se naučit porozumět tomu, jak se umělec stává kronikářem své doby, odrážející její tep;

rozvíjet u studentů schopnost analyzovat, syntetizovat a reflektovat na základě učebního materiálu (hudba J. S. Bacha, reprodukce obrazů, figurativní provedení písní „Zlaté město“, „Svíčky“);

naučit se vyjádřit svůj postoj k věčným hodnotám vyvinutým lidstvem;

rozšířit kulturní a umělecké obzory studentů prostřednictvím seznámení s hudbou a malbouXVIII-XX století

Forma lekce: lekce reflexe.

Vybavení: portréty J. S. Bacha, B. Grebenshchikova, F. da Milana, svíčka, fotografie varhan, plamen svíčky, reprodukce obrazů (T. Gainsborough „Lady in Blue“, A. Venetsianov „Na sklizni“, B. Kustodiev „ Kupcova žena u čaje“), interaktivní tabule.

Scénář lekce

"Myšlenky se mění, ale srdce zůstává stejné."

F. M. Dostojevskij

1. organizační moment

Zdravím studenty. Příprava na práci.

– Dnes máme neobvyklou lekci - lekci reflexe. O čem budeme přemýšlet? Nechť nám pomůže rčení „Myšlenky se mění, ale srdce zůstává stejné“, které patří ruskému spisovateliXIXstoletí F. M. Dostojevskému.(Prohlášení a portrét spisovatele jsou na obrazovce interaktivní tabule.) Jak těmto slovům rozumíte? (odpovědi dětí)

– Vskutku roky plynou, celé éry letí, generace lidí se mění, ale pocity laskavosti, naděje a víry zůstávají, které pomáhají v těžkých časech. A nezáleží na tom, kdy umělec žil – před mnoha lety nebo dnes. Pokud je skutečným mistrem, vytvoří dílo, které nadchne mnoho generací lidí a přinese jim „útěchu a podporu“. Setkáme se s uměleckými díly vytvořenými v různých dobách a pokusíme se pochopit, jak ovlivňují naše současníky, a tedy i vás a mě.

Poslech hudby „Golden City“

Konverzace.

– Poznali jste hudbu, která se hrála na úplném začátku? („Zlaté město“ B. Grebenshchikov, F. Canova da Milano)

(Uváděno na interaktivní tabule portréty F. Canovy da Milano a B. Grebenshchikov.)

– O čem je tato píseň? (o ideálním městě, kde není zlo, násilí, kde je hodně světla)

– Jaký je charakter obyvatel tohoto města? (jsou to jemní, zasnění, sympatičtí lidé)

– Uveďme píseň a pokusme se pravdivě vyjádřit intonaci autorů.

(Provedení písně „Golden City.“)

– Získali jste obrázek písně? (snažili jsme se zprostředkovat obraz krásy, laskavosti, něhy)

– A pokud se nás tato hudba byť jen trochu dotkla naší duše, pak nevznikla nadarmo. Stává se pro nás „útěchou a oporou“.

– Proč se moderní rockový hudebník Boris Grebenshchikov obrátil k melodii hudebníka konceXVIstoletí Francesco da Milano? (jednalo se o druh spřízněnosti duší; v různých dobách se tvůrci umění snažili najít zdroj světla, který by lidem pomohl překonat obtíže v jejich životě. cesta života)

– Pravděpodobně takovým mistrem, který pomohl lidem získat důvěru ve své schopnosti, byl skladatel Johann Sebastian Bach.(Na obrazovce je portrét J. S. Bacha.)

– Pamatujete si, která země dala Bacha světu? (Německo)

– Podívejte: Bach je úplně jiný než naši současníci – liší se jak oblečením, tak účesem. Skladatel žil dávno – před více než 250 lety.

– Říká se, že podle vzhledu můžete pochopit vnitřní svět člověka. Myslíte si, že to byl frivolní člověk? (studenti hovoří o skladatelově vnitřním světě: vážný, klidný, pozorný pohled, pravděpodobně náročný na sebe i na ostatní)

– O tom, že to byl člověk náročný, svědčí i to, že skladatel svá hlavní díla psal již v dospělosti.

Zpráva o skladateli (pokročilý úkol pro skupinu studentů)

Johann Sebastian Bach, nejmladší syn Johanna Ambrosia, se narodil v Eisenachu v roce 1685, 21. března. Byl dvorním hudebníkem ve Výmaru u vévody Johanna Ernsta, varhaníkem v kostele v Mühlhausenu a Výmaru a ředitelem komorní hudby na velkovévodském dvoře Anhaltkethen. V roce 1723 byl jmenován ředitelem hudebního kůru v Lipsku.

Po poslechu úryvků ze skladatelovy biografie si studenti všimnou, že jeho život byl „na kolech“;

V té době byl život hudebníka těžký, neustálé hledání příjmu ho nutilo hledat nové působiště. Životopisci také uvedli, že skladatel byl příliš nezávislý a psal hudbu, která byla „nedostatečně poslušná“. Bach dlouhou dobu pracoval v kostele a doprovázel bohoslužbu. Proto napsal spoustu hudby pro varhany - silný, hlasitý nástroj, jehož zvuk se vyrovná celému symfonickému orchestru.(Na obrazovce se objeví obraz orgánu.)

Bach, stejně jako mnoho dalších lidí, překonával jeden životní průšvih za druhým. Byla s ním jeho rodina. Bach se vrátil z práce unavený. A rodina se s ním setkala v obývacím pokoji u stolu a sdílela své dojmy z uplynulého dne. Poslechněme si tento rozhovor.

(Poslech varhanní předehry e moll.)

– Jaký byl charakter rozhovoru? Jak spolu mluvili? Byl dialog klidný nebo nervózní? (mluvili s respektem k sobě, nikdo nikoho nepřerušoval; odměřená, klidná řeč)

– jak jsi to pochopil? (hudba naznačovala: klid, neuspěchané tempo, tichá dynamika, hlasy zněly střídavě)

– O čem by ten rozhovor mohl být? (odpovědi dětí)

– Taková shoda v hudbě se nazývá polyfonie (z řeckého „polyfonie“).

(Na obrazovce - definice „polyfonie“.)

– Pomohlo udržet teplo krb a domov matka – Anna Magdalena. Bachova první žena zemřela a Anna Magdalena se stala pro děti skutečnou matkou a pro samotného Bacha přítelkyní, která mu pomáhala překonávat obtíže. Hudbu skladatel věnoval Anně Magdaleně – jakýsi dopis uznání.

(Zní Scherzo ze Suity č. 2 od J. S. Bacha.)

Po poslechu si žáci sdělují své dojmy, všímají si nálady, výrazových prostředků, sólového nástroje s jemným hlasem - flétny.

(Na obrazovce je obrázek flétny.)

(Na obrazovce - definice „homofonie“.)

– Jak byste nazvali tuto hudbu? (motýl, vtip, mrak, třepotání) Proč? (odpovědi dětí)

– Sám Bach to nazval „Scherzo“.(Na desce je nové slovo „scherzo“.)

– Scherzo znamená v italštině „vtip“. V době skladatele byla hudební jména obvykle uváděna v italštině, protože profesionální hudba se objevila v Itálii.

– Proč si myslíte, že skladatel pojmenoval svou hudbu právě takto? (odpovědi dětí) Snad proto, že chtěl vidět svou ženu a děti usmívat se a na chvíli zapomenout na životní útrapy.

Dále jsou studenti rozděleni do skupin. Každá skupina dostane listy papíru a fixy. Jsou vyzváni, aby zobrazili hudbu „Scherzo“, pocítili jeho tep, pohyb melodie. Také na obrazovce desky jeden/dva studenti ukazují puls hudby. Po splnění úkolu následuje diskuse o provedené práci. Každá skupina obhajuje svůj projekt a analyzuje práci studentů v komisi. Dále kluci došli k závěru, že hudba se neustále pohybuje a nese s sebou naši představivost.

Poté jsou studenti požádáni, aby se podívali na ženské portréty a určili, který z obrázků je intonací nejblíže hudbě Scherzo.

(Na plátně jsou ženské portréty: selské ženy (A. Venetsianov „Na žních“), kupecké ženy (B. Kustodiev „Obchodníkova žena u čaje“), šlechtičny (T. Gainsborough „Dáma v modrém“).

Děti reflektují obrázky. „Dáma v modrém“ má letmý úsměv, sotva znatelný, lehký, půvabný, intonačně podobný „Scherzu“. Není to náhoda, protože obě díla vznikla přibližně ve stejnou dobu, v rXVIIIstoletí, kterému současníci říkali „Gallantský věk“. Proto je vtip elegantní, jemný, trochu skrytý, inteligentní.

– Myslíte si, že tato hudba může být pro nás současná? (je to možné, protože Bach vyjádřil upřímné city ke své rodině a my jsme to pochopili; ale dnes se tyto pocity vyjadřují otevřeněji)

– Co vás na Bachově hudbě nejvíce přitahovalo? Možná ti nějak pomohla? (hudba vám pomůže pozorně naslouchat svému partnerovi, zacházet s sebou opatrněji a laskavě)

– Hudba skutečně pomáhá člověku zůstat laskavý a vnímavý k lidem kolem sebe.

– Pamatujte, že když se členové Bachovy rodiny po náročném dni setkali, sedli si kulatý stůl, zapalovali svíčky a povídali si o svých každodenních činnostech. S jakými pocity? (s laskavostí, úctou, upřímností, jemností)

– Zapalme svíčku a představme si, že toto je kus plamene ohně, který zahřál rodinu Bachů.

(Svíčka se zapálí a na obrazovce se objeví obraz plamene svíčky.)

Hraje se píseň „Candles“ (autor M. Zvezdinsky).

– Podívejte se na sebe, vnímejte sami sebe. Oteplilo se? To znamená, že naše úsilí s vámi nebylo marné.

– Během lekce jsme sami pocítili, jak hudba, i taková prastará, jako je Bachova hudba, proměňuje naše životy skrze nás samotné. Pokud hudba rezonuje v naší duši, znamená to, že se na okamžik stáváme laskavějšími.

– Během lekce jsme viděli různá umělecká díla. Autoři se svým způsobem dotýkají problémů, které se týkají nejen jich, ale i mnoha lidí. Co myslíte, že mají společného? (odpovědi dětí) Upřímně a pravdivě vyjadřují svůj životní postoj pomocí různých výtvarných barev.

Velký ruský spisovatel Fjodor Michajlovič Dostojevskij řekl: "Myšlenky se mění, ale srdce zůstává stejné." Roky plynou, lidé se rodí a umírají, ale věčné hodnoty zůstávají - víra, laskavost, naděje, upřímnost, láska...

Domácí práce: napsat dopis uznání milované osobě (ve formě básně, pohlednice, kresby, řemesla atd.).

Pojem „umění“ zná každý. Obklopuje nás po celý život. Umění hraje velkou roli ve vývoji lidstva. Objevilo se dávno před vznikem psaní. Z našeho článku se můžete dozvědět o roli a úkolech.

co je to umění? obecná informace

Pojem „umění“ je poměrně mnohostranný. Obvykle se to týká odvětví lidské činnosti, které může uspokojit jednu duchovní potřebu, totiž lásku ke kráse. Umění je zvláštní formou společenského vědomí. Právě to představuje uměleckou reflexi lidského života. Díky ní můžete zjistit, jak se žilo v jiném časovém období.

Úplně prvním autorem, který odhalil pojem „umění“, byl Charles Bateau. Vytvořil celé pojednání, do kterého zařadil toto odvětví lidské činnosti. Jeho kniha The Fine Arts Reduced to One Principle vyšla v roce 1746. Charles Bateau věří, že je lze definovat podle několika kritérií. Autor si je jistý, že umění přináší potěšení a je také duchovní, nikoli fyzické povahy.

Pojem „umění“ zahrnuje malbu, hudbu, poezii, architekturu a mnoho dalšího, s čím se setkáváme každý den. Jakýkoli druh umělecké činnosti má jisté pozitivní vlastnosti. Každá sféra umění má zvláštní způsob reprodukce reality a uměleckých úkolů. Všechny druhy umělecké činnosti se dělí na druhy a žánry.
Umění se obvykle dělí do tří skupin:

• tonikum (hudba a poezie);
• figurativní (architektura, malířství a sochařství);
• smíšené (choreografie, herectví, vystoupení na veřejnosti a další).

Existují různé druhy umění:

• prostorové, ve kterých se díky konstrukci odhaluje viditelný obraz (sochařství, architektura);
• dočasný, v němž nabývá významu kompozice odvíjející se v reálném čase (poezie, hudba);
• časoprostorové - zábavní umění (cirkusové představení, kino, choreografie).

Grafika

Grafika je druh, který zahrnuje kresbu a tištěnou grafiku obrázků (rytina, minotopie atd.). Jeho výrazovými prostředky jsou obrys, tah, pozadí a bod. Je známo, že jde o nejoblíbenější formu výtvarného umění. Grafika má svým obsahem i formou mnoho společného s malbou.

Gravírování je druh grafiky, ve které je kresba tištěným otiskem. Nanáší se speciálním rytcem. Rytina může být vyobrazena na kovu, dřevě a linoleu.

Dalším oblíbeným typem grafiky je speciální metoda plošného tisku, kdy povrch kamene slouží jako tisková deska. Tento typ byl vynalezen v roce 1798. Obrázek je aplikován na kámen pomocí speciálního inkoustu nebo tužky.

Umění grafiky je nejstarší ze všech existujících. První obrazy existují z neolitu a doby bronzové. Naši předkové škrábali vzory na jeskynních stěnách a skalách. Po nějaké době byly obrázky aplikovány na zbraně a předměty pro domácnost. Poté, co se objevilo psaní, byla grafika použita při navrhování dopisů, knih a listin.

Metody kopírování návrhů byly po mnoho let neznámé. Proto byly všechny obrázky vytvořeny v jediné kopii. Není žádným tajemstvím, že dnes jsou takové grafické kresby mezi sběrateli žádané.

V polovině 20. století začali specialisté vyvíjet techniky černobílé grafiky. Bylo vytvořeno více než 20 možností grafických textur. Byly zveřejněny tréninkové příručky. Grafika dnes zaujímá přední místo v umění.

Bento

Bento je neobvyklé umění pro děti i dospělé. Není žádným tajemstvím, že mnoho rodičů neví, jak naučit své dítě jíst zdravě. Dnes je na pultech obchodů velký výběr škodlivých a rovnoměrných nebezpečné jídlo. Může přijít na pomoc nový druh umění - bento. Objevilo se v Číně. Tímto termínem Číňané popisují jídlo, které balí do speciálních krabic a berou s sebou do školy nebo do práce. Bento je umělecké dílo, které můžete jíst. Talentované hospodyňky a kuchařky vytvářejí figurky a malé obrazy z jídla. Hlavním rozdílem mezi takovým jídlem je vyváženost a přítomnost velkého množství vitamínů. Číňané vytvářejí jedlá umělecká díla pouze ze zdravých potravin.

Bento je umění pro děti i dospělé, díky kterému bude dítě s radostí jíst zdravá jídla. U nás ještě není tak populární, ale je již známo několik mistrů, kteří tuto techniku ​​zvládli.

Vliv umění na vědomí a život dítěte. Jak dítěti vysvětlit moderní umělecká díla?

Umělecké hry důležitá role v životě dítěte a rozvoji jeho osobnosti. V dnešní době by měl mít absolutně každý člověk alespoň základní znalosti o tom či onom oboru činnosti. Společnost se rychle rozvíjí, a proto musí být každá osobnost mnohostranná. Mnoho moderních rodičů se snaží vštípit svému dítěti lásku k umění co nejdříve. Za tímto účelem bylo vyvinuto značné množství výchovných metod, které lze používat od prvních měsíců života dítěte.

Dítě ve škole chápe druhy umění. Rodiče, učitelé a vychovatelé obvykle věnují velkou pozornost psaní, čtení, počítání a dalším předmětům, za které je zodpovědná levá mozková hemisféra. Chcete-li rozvíjet právo, budete se muset věnovat hudbě, tanci a dalším druhům umění. Je důležité rozvíjet obě mozkové hemisféry, abyste se později stali plně formovanou osobností.

Díky zvládnutí umění u dítěte:

• utváří se osobnost;
• zvyšuje se úroveň intelektuálního potenciálu;
• formují se mravní směrnice;
• rozvíjí se schopnost kreativního myšlení;
• objevuje se sebevědomí a zvyšuje se sebeúcta;
• rozvíjí se paměť a pozornost;
• rozšiřují se obzory.

Aby bylo možné uvést dítě do umění, je důležité především uspořádat oblast, ve které jsou všechny potřebné materiály tvůrčí činnost. Budete muset mít doma několik knih o umění. Od raného dětství je dítě potřebuje číst. Je důležité probrat vše, co jste se naučili. Chcete-li se seznámit s uměním, budete muset s dítětem alespoň jednou měsíčně navštívit muzea, galerie, divadla a výstavy. V žádném případě nevyhazujte kresby, aplikace a řemesla vytvořená dětmi. Díky nim můžete vidět kreativní růst dítěte. Je také důležité jej co nejdříve zapsat do tematického kroužku, do aktivit, které se mu budou líbit.

Některá díla moderního umění vyvolávají zmatek nejen u dětí, ale i u dospělých. Není neobvyklé, že jedno nebo druhé dítě nerozumí architektuře, kterou navrhli modernisté. Je důležité vysvětlit studentovi, že jakékoli umělecké dílo je důležitou etapou ve vývoji lidstva.

Abstraktní malby vyvolávají v dětech mnoho otázek. Existuje značné množství speciálních publikací, díky kterým mohou rodiče svému dítěti ukázat, jak těžké je takové umělecké dílo vytvořit. Jedním z nich je „Kandinský sobě“.

Děti často zajímá, zda lze srovnávat moderní a primitivní umění. To a mnohem více se dozvíte v našem článku.

Umění. Historie jeho vývoje v Rusku

Je známo velké množství různé typy umění Každý z nich má své vlastní vlastnosti a výhody. Téměř každý ví, co je výtvarné umění. Děti jsou s ním seznamovány již v raném věku.

Jedná se o druh umělecké činnosti, díky které může mistr s pomocí speciální prostředky může reprodukovat svět. Jeho historie v Rusku je rozdělena do dvou období, jejichž hranici poznamenaly Petrovy reformy. B bylo úzce spojeno s uctíváním ikon. Ikony měly svůj jedinečný umělecký styl. Účelem takových uměleckých děl je ukázat modlitební vyrovnanost a pokoj v komunikaci s Bohem. To je přesně to, co vysvětluje přítomnost určitých uměleckých prostředků v ikonách. Postupem času mistři ovládli a otevřely se školy ikonomalby. Za nejslavnější dílo je považována „Trojice“ od A. Rubleva. Ikony z 15. a 16. století se vyznačují harmonií barev.

V 17. století byly populární ikony „Fryazhského písma“. Vyznačují se prvky západoevropského malířství, jmenovitě olejové barvy, zdání černobílého modelování, přesné zobrazení lidí a přírody. Zájem o ikonu jako umělecké dílo vznikl až v 19. století.

Staré ruské sochařství existovalo ve formě kamenných a dřevořezeb. Nejčastěji mistři zobrazovali obrazy svatých. Zvláštní pozornost byla věnována obličeji. V 18. a 19. století byli žádaní sochaři a malíři z jiných zemí. Po nějaké době se domácí mistři stali populárními.

V 18. století se stal nejoblíbenějším Vyznačuje se přísností provedení, konvencí barev a použitím výjevů z Bible a mytologie. Postupně tak vznikalo národní umění.

V letech 1860-1880 se otevřely první galerie a domácí mistři se proslavili po celém světě. Postupně se objevují nové směry. Každý z nich zaujímal významné místo ve formování kulturního dědictví. V 18. a 19. století lidstvo nejen vědělo, co je výtvarné umění, ale také jej aktivně využívalo.

Témata zkoumaná v umění

Všechna témata a problémy, které mistři ve svých uměleckých dílech odhalují, jsou kupodivu aktuální po mnoho staletí. Staří Římané tvrdili, že umění je na rozdíl od lidského života věčné. To není náhoda. Témata v umění zdůrazňují sociální problémy, se kterými se dnes často setkáváme. Proto mají pro lidstvo velkou hodnotu. Mistři ve svých dílech často odhalují téma lásky, přírody a přátelství.

Postupem času se trendy v umění mění a objevují se noví mistři, ale témata a obrazy zůstávají nezměněny. To je důvod, proč jakákoli práce zůstává relevantní po mnoho let.

Umění a jeho role

Role umění v životě společnosti je neocenitelná. Vychází z umělecké a obrazné reflexe skutečnosti. Umění utváří duchovní vzhled lidí, jejich pocity, myšlenky a světonázor. Obrazná rekreace reality vytváří naši osobnost. Umění vám pomáhá rozvíjet se a zlepšovat se. A také poznávat svět kolem sebe i sebe.

Umění je kulturní dědictví. Díky uměleckým dílům můžete zjistit, jak se v té či oné době žilo. V Nedávno Oblíbené jsou zejména různé výtvarné techniky. Prostřednictvím umění se můžete naučit ovládat sami sebe. Vytvořením uměleckého objektu můžete zapomenout na problémy a zbavit se deprese.

Umění a jeho úkoly

Maxim Gorkij věřil, že úkoly umění spočívají v morálním a estetickém posouzení všech významných jevů. Spisovatel řekl, že se díky tomu můžete naučit rozumět sami sobě, bojovat s vulgárností, umět porozumět lidem a najít v nich něco dobrého. Dnes jsou známy tři funkce umělecké činnosti. Cíle umění jsou výzkum, žurnalistika a vzdělávání. Mistři věří, že funkcí umělecké činnosti je přinášet krásu do duší a srdcí lidí. Nikolaj Vasiljevič Gogol tvrdil, že úkolem umění je zobrazovat realitu.

Moderní a primitivní umění

Mnoho lidí se zajímá o, Na první pohled je to nemožné. Nicméně není. Pokud vnímáme umění jako způsob osobního vyjádření, pak moderní i primitivní jsou na stejné úrovni. Jejich porovnáním můžete pochopit, jak se změnilo vnímání člověka.

Lidské myšlení se stalo abstraktnějším. To svědčí o aktivním rozvoji inteligence. Člověk postupem času změnil své priority a dnes vnímá život jinak než jeho primitivní předkové. Dříve se mistři zajímali o vzhled předmětu a jeho podobu, nyní však v dílech hrají hlavní roli emoce. Toto rozlišení existuje od konce 19. století.

Pojďme si to shrnout

Je důležité již od raného věku rozvíjet nejen levou, ale i pravá hemisféra mozek K tomu musíte cvičit umění. Zvláště důležité je věnovat náležitou pozornost kreativnímu rozvoji dítěte. Důrazně doporučujeme dělat to od prvních let jeho života. Ne každý rozumí roli, úkolům a druhům umění. Stručně popsané informace v našem článku vám umožňují získat základní znalosti o různých uměleckých oborech činnosti.

Umělecká díla vždy zachycují (z vůle autora nebo nezávisle na ní) konstanty bytí, jeho základní vlastnosti. Jsou to především takové univerzální a přirozené principy (univerzály) jako chaos a prostor, pohyb a klid, život a smrt, světlo a tma, oheň a voda atd. To vše tvoří komplex ontologických témat umění.

Kromě toho je antropologický aspekt uměleckých témat vždy významný a neobyčejně bohatý. Zahrnuje za prvé skutečné duchovní principy lidské existence s jejich antinomiemi (odcizení a angažovanost, pýcha a pokora, připravenost tvořit nebo ničit, hříšnost a spravedlnost atd.).

Za druhé, sféra instinktů spojených s duševními a fyzickými aspiracemi člověka, jako je libido (sexuální sféra), touha po moci, přitažlivost k materiálnímu bohatství, prestižní věci, pohodlí atd. Za třetí, co je u lidí určeno jejich pohlaví (mužství, ženskost) a věk (dětství, mládí, zralost, stáří).

A konečně za čtvrté jsou to nadepochální situace lidského života, historicky stabilní formy lidského bytí (práce a volný čas, každodenní život a svátky; konflikt a harmonické principy reality, pokojný život a války či revoluce; život ve svém domově a pobyt v cizí zemi nebo cestování ; soukromý život a tak dále.). Takové situace tvoří sféru akcí a úsilí, často hledání a dobrodružství, touhy člověka dosáhnout určitých cílů.

Pojmenované (a zbývající nepojmenované) existenciální principy, které přicházejí do umění, tvoří bohatý a mnohostranný komplex věčných témat, z nichž mnohá jsou „archetypální“, sahá až do rituální a mytologické antiky (archaické). Tato hrana umělecká tvořivost je majetkem všech zemí a epoch. Objevuje se buď jako explicitní střed děl, nebo je v nich přítomen latentně, či dokonce zůstává autory v bezvědomí (mytopoetický podtext).

Umění se v apelu na věčná témata ukazuje jako blízké a blízké ontologicky orientované filozofii a učení o lidské přirozenosti (antropologii). Lom existenciálních konstant v umění se stal předmětem podrobné úvahy filozofů éry romantismu i vědců mytologických škol Grimmů v Německu, F.I. Buslaev v Rusku) a neomytologické. (N. Fry), psychoanalytická umělecká kritika se zaměřením na díla Z. Freuda a C. G. Junga.

V poslední době se objevila řada vážných prací, které zkoumají zapojení mytologického archaismu do literární tvořivosti nám blízkých epoch (díla G.D. Gačeva, E.M. Meletinského, Smirnova, V.I. Tyupy, V.N. Toporova). Zvláštní pozornost si zaslouží teoretická zobecnění D.E. Maksimová.

Vědec konstatoval obrovský význam univerzálií pocházejících z archaiky pro literaturu všech epoch a zároveň hovořil o „mytopoetické tradici“ v literatuře 19.–20. století. jako neucelený, lokální fenomén. Tato tradice, říká D.E. Maksimova, sahá od Dantovy Božské komedie a Miltonových básní až po Goethova Fausta a Byronova mystéria; po Wagnerovi se stává aktivnější, zejména v symbolismu.

Vědec nesouhlasí se široce přijímanou myšlenkou totálního mytologismu umění a literatury: „Nelze schvalovat nespoutanou literární fantazii v mytologických interpretacích moderní umělecká díla o které se seriozní a erudovaní vědci často zajímají.“ Tento rozsudek je podle našeho názoru zcela spravedlivý. Vlastní mytologický a mytopoetický začátek a (v širším měřítku) sféra existenciálních univerzálií (při vší své důležitosti) zdaleka nevyčerpává to, co je umělecky poznáno a zvládnuto. To je jen jedna stránka předmětu umění.

V.E. Chalizevova teorie literatury. 1999

Věčná témata

Umělecká a pedagogická myšlenka:

Skutečné umění nikdy
není spokojený jen sám se sebou;
není to samoúčelné,
pro účely zvuků je produkce,
cíl - díla - hudba,
Účelem hudby je spiritualita.
A pravý předmět
a předmětem umění je Člověk.
A. Schnittke.

Účel lekce:

Vnímání a povědomí školáků o hudbě jako o obrazném ztělesnění univerzálních lidských hodnot, sociální a duchovní zkušenosti generací.

úkoly:

Upevnit znalosti o syntéze hudebních žánrů (Rock Opera);

Rozvíjejte emocionálně vědomé vnímání hudby.

Pěstovat schopnost vidět krásu síly ducha a sílu lásky, schopnost soucítit a sympatizovat.

Hudební materiál:

E. L. Webber "Jesus Christ Superstar."

Aria "Modlitba za pohár" (v angličtině a ruštině)

K. Kelmi "Uzavření kruhu".

Umělecký materiál:

I. Kramskoy "Kristus v poušti".

N. Ge "Kristus a Pilát".

Dionysius "Ukřižování".

L. Da Vinci "Poslední večeře".

Slide prezentace lekce.

Plán lekce:

Nebojte se dát hřejivá slova

A dělat dobré skutky

Čím více dřeva přiložíte do ohně

Čím více tepla se vrátí

Omar Khayyam

Během vyučování

U: - Dobré odpoledne. Kluci, co vidíte na tomto obrázku?

U: - Co je mísa, uveďte definici tohoto předmětu.

D: - Něco, co se dá naplnit, z čeho se dá pít atd.

U: - Ozhegovův slovník říká: "Šálek je nádoba na pití." (Snímek č. 2)

Připomeňme si výroky, kde se toto slovo používá. (Poté, co děti uvedly své příklady, nabídněte tvrzení uvedená na snímku č. 3).

U: - Jak rozumíte níže uvedeným prohlášením?

Vypijte hořký pohár (zažijte neštěstí).

Pohár trpělivosti je plný (už se to nedá vydržet).

Dům je plný pohár (v domě je hojnost, všeho je hodně).

Vypij smrtelný pohár (zemře).

Váhy jsou nakloněny jedním směrem (přijde jedno nebo druhé rozhodnutí).

Na základě těchto tvrzení můžeme dojít k závěru, že miska není naplněna tekutinou, ale životní náplň.

V Indii existuje velmi moudré přísloví:

Jestli chceš někoho poznat, tak ho udeř

Člověk je nádoba

to, čím je naplněn, se z něj začne rozlévat

Poslechněte si hudební skladbu. Čím je naplněný pohár této osoby?

(Zní to jako „Árie Ježíše v zahradě Getsemanské“ (v angličtině). 5.20)

U: - Jak vidíte podobu člověka v hudbě?

D; (Ten muž trpí, jeho duše je neklidná, zdá se, že zoufale křičí).

U: - Myslíte si, že je tato hudba klasická nebo moderní? Do jakého stylu se dá zařadit?

D: S největší pravděpodobností byla tato hudba napsána v naší době. Z hlediska stylu lze interpretovaný kus zařadit do rockové hudby.

U: - Máš pravdu. Hrál se fragment rockové opery.

Nezdá se vám tato kombinace zvláštní? Rocková opera. Co by podle vás mohlo tyto dva spojit? různé směry v hudbě? (Snímek číslo 4).

D: - Touha skladatelů zpřístupnit operní umění moderním posluchačům.

U: Opera je hudební představení, které se vyvíjí podle vlastních zákonitostí. Přestože se opera objevila v 16. století, neustále se měnila, byla pestrá a komická, satirická i tragická. S bujnou výzdobou a skromnými kostýmy na pouliční scéně. Nedávno jsme poslouchali operu "Rigoletto", kde byl příběh o rozpustilém, ješitném, frivolním vévodovi a jeho doprovodu. A rocková hudba je způsob, jak vyjádřit problémy společnosti.

Rock se totiž stal způsobem vyjádření určitých nálad mladé generace, jejího postoje k okolnímu životu a jeho problémům. Do rocku toho přišlo hodně světlých jedinců, básnicky a hudebně nadaní lidé. Snažili se najít hudební příležitosti pro odhalení obsahu v rocku.

Hledat nové vyjadřovací prostředky, vedl hudebníky k tvůrčímu využití dalších směrů minulosti i současnosti, včetně hudební klasiky. Zvláštní místo zaujímá spojení s operou. Opera je přece divadlo, akce a rock svým způsobem provedení a různými dekorativními a světelnými efekty tíhne k divadlu. Nejdůležitější kvalitou rockové opery je vnitřní jednota hudby a dramatické akce.

T: Dnes jsme ve třídě slyšeli fragment rockové opery „Jesus Christ Superstar“, inscenovaná v roce 1971 na Broadwayi, stala se skutečnou senzací newyorské divadelní sezóny a plně znamenala zrod nového žánru. (Snímek č. 5)

U: - Kterému hrdinovi podle vás tato árie patří?

Ježíš Kristus - která má zachránit lidi před zlem, ale nakonec se ukáže jako oběť

Jidáš - zrádce, který však zrazuje pro záchranu samotného Krista a jeho věci

Pilát Pontský - kdo trestá proti své vůli

král Herodes- která ztělesňuje všechny možné neřesti.

D: - S největší pravděpodobností Ježíši Kriste. V hudbě je slyšet příběh trpícího člověka, hudba je plná bolesti a zoufalství.

U: - Co víte o životě této osoby? Jak se vám jeví?

D: - Toto je muž - Boží syn, který přišel na zem, aby zachránil lidi.

T: - Jaké události si myslíte, že jsou v tomto díle vyprávěny?

PŘED poslední dnyživot Ježíše Krista.

T: - Jak starý byl Ježíš, když se tyto události staly?

D: - 33 let. Byl to mladý muž, plný energie, možná proto nechtěl zemřít.

Drama Ježíše, jdoucího na mučení a popravu ve jménu štěstí lidí, Jidášova zrada, zřeknutí se milovaného učedníka - Petra, postava Piláta - římského místodržitele Judeje, který vede nespravedlivý proces, dav odmítal svého proroka a odsuzoval ho k smrti. Všechny tyto události a obrazy gospelové tradice, naplněné vysokou tragédií a hlubokým lidským významem, odedávna přitahovaly a přitahují pozornost skladatelů a spisovatelů.

U: - Mnoho umělců zobrazovalo na svých plátnech Ježíše Krista. Zde je vizuál:

1. Dionýsios. Ukřižování.1512

2.N.N. Ge Christ a Pilát 1890

3. Leonardo da Vinci. poslední večeře

4.I.Kramskoy. Kristus na poušti

U: Pojďme si znovu poslechnout scénu „Praying for the Cup“ a určit, k jakému obrazu tato hudba ladí? Poslouchejte, jaké pocity a myšlenky jsou naplněny Kristovou árií? (Aria „Modlitba za pohár“ zní v ruštině). (složka "Hudba") 5.20.

U: - Jakými pocity je naplněn? Jak je strukturována Ježíšova árie?

D: - Hudba zní nejprve tiše, lyricky, pak napětí roste, někdy dosahuje až výkřiku zoufalství, ale pak vše zamrzne a opět zazní původní melodie. Ale ona je plná důvěry, Ježíš se rozhodl a tato důvěra je cítit v hudbě, zvuk se stává hlasitějším.

U: - Koho oslovuje?

D: - K Bohu, k otci. Kristus se ptá: "Proč bych měl zemřít?" Nechce zemřít, ale chápe, že musí splnit to, co určí osud.

U: - Podívejte se pozorně. S jakým obrázkem se hudba shoduje? (Snímek č. 6)

Analýza uměleckého ztělesnění obrazu Krista v hudbě, malbě a Bibli. Kluci došli k závěru, že obraz I. Kramskoy „Kristus v poušti“ je více v souladu s hudbou. (Snímek č. 7)

Hluboce sám, sedící na pozadí opuštěné, skalnaté krajiny, přicházející v hlubokém zamyšlení, je Kristus vnímán jako symbol připravenosti obětovat se ve jménu vyššího cíle.

U: - Tvůrci opery, (Snímek č. 8) byli velmi mladí (skladateli Lloydu Weberovi je 23 let, autorovi libreta Timu Riceovi 26).

Proč si myslíte, že v polovině 20. století, v době rychlého technologického pokroku, vesmírných technologií, vědeckých objevů, se velmi mladí lidé obraceli k tomuto tématu?

D: - V křesťanských modlitbách jsme našli ideál čistoty, nezištnosti a bratrské lásky. Cesta k duchovní obnově společnosti utápějící se v chamtivosti, sobectví a sobectví. (Snímek č. 9).

„Nepohlížíme na Ježíše jako na Boha, ale jako na člověka, který byl chycen správný čas na správném místě – řekl Tim Rice v rozhovoru pro Time. Naším úkolem je vyprávět příběh Ježíše muže. Myslím, že z tohoto úhlu jeho velikost jen roste" .

Poslední scéna naznačuje, že se před námi rozvinulo divadelní představení. Představení na téma, kterému se v umění říká „věčný“ – o lásce, přátelství, zradě, oběti. Toto téma se nazývá „věčné“, protože nutí lidi všech dob a všech věků přemýšlet a přemýšlet.

Od vytvoření rockové opery „Jesus Christ Superstar“ uplynulo více než 40 let, ale i dnes zůstává toto dílo posluchači žádané.

Vraťme se k našemu prvnímu snímku a každý se pokusí naplnit svůj pohár emocemi, pocity, které ve vás vznikly.

D: - laskavost, soucit, láska, lítost

To je pravděpodobně důvod, proč se i dnes obracíme k obrazu Ježíše Krista.

Zabelin Vladislav „Dej nám Bůh“

1. Bůh mi dej trochu víc
Štěstí a láska
A také dobří přátelé
Aby nás nezklamal

Příklad: široká okna v noci
Otevřu ji a pomodlím se
Hvězdy se budou smát z nebe
A smutek zmizí
Hvězdy se budou smát z nebe
A smutek zmizí

2. Kéž nám Bůh dá, abychom byli moudřejší
A být silnější
Ať jsou k sobě navzájem laskavější
Učte se milovat

Seznam odkazů a internetových zdrojů.

Gavrilov A. Co je rock? //Hudba a vy č. 8, 1989.

Zakirová G.Ya. Moderní hudební žánry. //Hudba ve škole č. 1, 2005.

Koltsová O.M. Rocková opera "Jesus Christ Superstar". //Hudba ve škole č. 3, 2004.

Konovalov I. U počátků rockové opery. // Hudba a ty č. 3, 1990.

Orlová E. V. K problému vztahu východní a západní umělecké tradice v hudbě 20. století. //Hudba ve škole č. 6, 2004.

Prokoshin Yu.S. Americká opera 80. let XX století. //Hudba ve škole č. 3, 2004.

Raigorodsky B.D. Co dokáže hudba. //Hudba ve škole č. 4, 2004.

Encyklopedie "Umění". M.: Avanta, 2001. svazek 7, část 3.

CD "Cyril and Mythodiy"

1. Množství stylů a trendů je obrovské, ne-li nekonečné. Klíčovým rysem, podle kterého lze díla seskupovat do stylů, jsou společné principy uměleckého myšlení. Nahrazení jedné metody výtvarného myšlení jinou (střídání typů kompozic, metody prostorové výstavby, barevné znaky) není náhodné. Naše vnímání umění se také historicky změnilo.
   Vybudováním systému stylů v hierarchickém uspořádání se budeme držet eurocentrické tradice. Nejdůležitějším pojmem v dějinách umění je pojem éry. Každá doba je charakterizována určitým „obrazem světa“, který se skládá z filozofických, náboženských, politických myšlenek, vědeckých konceptů, psychologických charakteristik světonázoru, etických a morálních standardů, estetických kritérií života, kterými se jedna doba odlišuje od druhé. . Toto je primitivní éra, éra Starověk, starověk, středověk, renesance, novověk.
   Styly v umění nemají jasné hranice, plynule se přeměňují jeden v druhý a neustále se vyvíjejí, mísí a oponují. V rámci jednoho historického uměleckého stylu se vždy rodí nový a ten zase přechází do dalšího. Mnoho stylů koexistuje současně, a proto " čisté styly"se vůbec neděje.
   Ve stejné historické době může koexistovat několik stylů. Například klasicismus, akademismus a baroko v 17. století, rokoko a neoklasicismus v 18. století, romantismus a akademismus v 19. století. Styly jako klasicismus a baroko se nazývají velké styly, protože se vztahují na všechny druhy umění: architekturu, malířství, dekorativní a užité umění, literaturu, hudbu.
   Je třeba rozlišovat mezi: uměleckými styly, směry, hnutími, školami a rysy jednotlivé styly jednotlivých mistrů. V rámci jednoho stylu může existovat několik uměleckých hnutí. Umělecký směr se skládá jak z typických charakteristik dané doby, tak z jedinečných metod uměleckého myšlení. Secesní styl například zahrnuje řadu trendů z přelomu století: postimpresionismus, symbolismus, fauvismus atd. Na druhou stranu je pojem symbolismus jako umělecké hnutí dobře rozvinutý v literatuře, zatímco v malbě je velmi vágní a spojuje umělce, kteří jsou stylově natolik odlišní, že jsou často interpretováni pouze jako světonázor, který je spojuje.

   Níže budou uvedeny definice epoch, stylů a trendů, které se tak či onak odrážejí v moderním výtvarném a dekorativním umění.

   	- umělecký styl zformovaný v západní a Střední Evropa v XII-XV století. Byl výsledkem staletí trvajícího vývoje středověkého umění, jeho nejvyšší etapou a zároveň prvním celoevropským, mezinárodním uměleckým stylem v historii. Zabýval se všemi druhy umění - architekturou, sochařstvím, malířstvím, vitrážemi, knižní design, umění a řemesla. Základem gotiky byla architektura, která se vyznačuje špičatými oblouky směřujícími vzhůru, různobarevnými vitrážemi a vizuální dematerializací formy. Prvky gotického umění lze často nalézt v moderním interiérovém designu, zejména v nástěnných malbách, méně často v malířských stojanech. Od konce minulého století existuje gotická subkultura, která se jasně projevuje v hudbě, poezii a oděvním designu.
   	(Renesance) - (francouzská renesance, italsky Rinascimento) Éra v kulturním a ideologickém vývoji řady zemí západní a střední Evropy a také některých zemí východní Evropy. Základní charakteristické rysy Renesanční kultura: sekulární charakter, humanistický světonázor, apel na antické kulturní dědictví, jakési jeho „oživení“ (odtud název). Kultura renesance má specifické rysy přechodné doby od středověku k novověku, v níž staré a nové, prolínající se, tvoří jedinečnou, kvalitativně novou slitinu. Obtížnou otázkou jsou chronologické hranice renesance (v Itálii - 14-16 století, v jiných zemích - 15-16 století), její územní rozložení a národní charakteristiky. Prvky tohoto stylu v soudobé umění poměrně často se používá v nástěnných malbách, méně často v malířském stojanu.
   	- (z italského maniera - technika, způsob) směr v evropském umění 16. století. Představitelé manýrismu se vzdalovali renesančnímu harmonickému vnímání světa, humanistickému pojetí člověka jako dokonalého výtvoru přírody. Bystré vnímání života bylo kombinováno s programovou touhou nenásledovat přírodu, ale vyjadřovat subjektivní“ vnitřní představa"umělecký obraz zrozený v duši umělce. Nejzřetelněji se projevil v Itálii. Italský manýrismus 20. let 16. století (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) se vyznačuje dramatickou ostrostí obrazů, tragikou světonázoru, složitostí a přehnaným výrazem pózy a motivy pohybu, protáhlé proporce figury, koloristické a světelné a stínové disonance V poslední době jej začali používat historikové umění k označení fenoménů moderního umění spojených s proměnami historických stylů.
   	- historický umělecký styl, který se rozšířil zpočátku v polovině Itálie. XVI-XVII století a pak ve Francii, Španělsku, Flandrech a Německu v XVII-XVIII století. V širším měřítku se tento termín používá k definování stále se obnovujících tendencí neklidného, ​​romantického postoje, myšlení ve výrazných, dynamických formách. Konečně v každé době, téměř v každém historickém uměleckém stylu lze nalézt vlastní „období baroka“ jako etapu nejvyššího tvůrčího vzepětí, napětí emocí, výbušnosti forem.
   	- umělecký styl v západoevropském umění 17. - raná léta. XIX století a v ruský XVIII- začátek XIX., který se obrátil k antickému dědictví jako k ideálu k následování. Projevilo se to v architektuře, sochařství, malířství, dekorativním a užitém umění. Klasičtí umělci považovali antiku za nejvyšší úspěch a učinili z ní svůj standard v umění, který se snažili napodobit. Postupem času se to zvrhlo v akademismus.
   	- směr evropského a ruského umění 20.-30. let 19. století, který nahradil klasicismus. Romantici vyzdvihovali individualitu, stavěli do kontrastu ideální krásu klasicismu s „nedokonalou“ realitou. Umělci přitahovali jasné, vzácné, mimořádné jevy, stejně jako obrazy fantastické přírody. V umění romantismu hraje důležitou roli akutní individuální vnímání a zkušenost. Romantismus osvobodil umění od abstraktních klasicistních dogmat a obrátil je k národní historii a obrazům folklóru.
   	- (z lat. sentiment - cit) - směr západního umění 2. poloviny 18. století, vyjadřující zklamání z „civilizace“ založené na ideálech „rozumu“ (osvícenská ideologie). S. hlásá cit, osamělou reflexi, jednoduchost venkovského života “ mužíček" J. J. Rousseau je považován za ideologa S.
   	- směr v umění, který se snaží s největší pravdivostí a spolehlivostí zobrazovat vnější formu i podstatu jevů a věcí. Jak kreativní metoda spojuje individuální a typické rysy při vytváření obrazu. Nejdelší směr v existenci, vyvíjející se od primitivní éry až po současnost.
   	- směr v evropské umělecké kultuře konce 19. a počátku 20. století. Vznikl jako reakce na dominanci norem buržoazního „zdravého rozumu“ v humanitární sféře (ve filozofii, estetice – pozitivismus, v umění – naturalismu), symbolismus se utvářel především ve francouzské literatuře konce 60.–70. let 19. století a později. se rozšířil v Belgii a Německu, Rakousku, Norsku, Rusku. Estetické principy symbolismu se do značné míry vracely k myšlenkám romantismu, stejně jako k některým doktrínám idealistické filozofie A. Schopenhauera, E. Hartmanna, částečně F. Nietzscheho, k kreativitě a teoretizování německého skladatele R. Wagnera. . Symbolismus postavil do kontrastu živou realitu se světem vizí a snů. Symbol generovaný poetickým vhledem a vyjadřující nadpozemský význam jevů skrytých každodennímu vědomí byl považován za univerzální nástroj k pochopení tajemství existence a individuálního vědomí. Kreativní umělec byl vnímán jako prostředník mezi skutečným a nadsmyslovým, všude nacházel „znaky“ světové harmonie, prorocky tušil znamení budoucnosti jak v moderních jevech, tak v událostech minulosti.
   	- (z francouzského imprese - imprese) směr v umění poslední třetiny 19. - počátku 20. století, který vznikl ve Francii. Název zavedl výtvarný kritik L. Leroy, který znevážil výstavu umělců v roce 1874, kde byl mimo jiné představen obraz „Sunrise“ od C. Moneta. Dojem". Impresionismus potvrzoval krásu skutečného světa, kladl důraz na svěžest prvního dojmu a proměnlivost prostředí. Převládající pozornost k řešení čistě obrazových problémů redukovala tradiční myšlenku kresby jako hlavní složky uměleckého díla. Impresionismus měl silný dopad na umění evropských zemí a Spojených států, probudil zájem o předměty z reálný život. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley atd.)
   	- pohyb v malířství (synonymum divizionismu), který se rozvíjel v rámci neoimpresionismu. Neoimpresionismus vznikl ve Francii v roce 1885 a rozšířil se také do Belgie a Itálie. Neo-impresionisté se pokusili uplatnit v umění nejnovější úspěchy v oblasti optiky, podle nichž malba vytvořená samostatnými tečkami primárních barev ve vizuálním vnímání dává fúzi barev a celé škály malby. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
   	Postimpresionismus- podmíněný souhrnný název pro hlavní směry francouzské malby v XIX - 1. čtvrtletí. XX století Umění postimpresionismu vzniklo jako reakce na impresionismus, který se soustředil na zprostředkování okamžiku, na pocit malebnosti a ztraceného zájmu o tvar předmětů. Mezi postimpresionisty patří P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh a další.
   	- styl v evropském a americkém umění přelomu 19.-20. Modernismus reinterpretoval a stylizoval rysy umění z různých epoch a rozvíjel vlastní umělecké techniky založené na principech asymetrie, ornamentality a dekorativnosti. Přírodní formy se také stávají předmětem stylizace moderny. To vysvětluje nejen zájem o květinové ornamenty v modernistických dílech, ale také jejich samotnou kompoziční a plastickou strukturu - hojnost křivočarých obrysů, plovoucí nervy, nové obrysy připomínající rostlinné formy. S modernou je úzce spjat symbolismus, který sloužil jako estetický a filozofický základ moderny, opírající se o modernu jako o plastickou realizaci svých myšlenek. Secese měla v různých zemích různá jména, která jsou v podstatě synonyma: Art Nouveau - ve Francii, Secese - v Rakousku, Art Nouveau - v Německu, Liberty - v Itálii.
   	- (z francouzského moderna - moderní) obecný název řady uměleckých směrů první poloviny 20. století, které se vyznačují popřením tradičních forem a estetiky minulosti. Modernismus má blízko k avantgardě a je opakem akademismu.
   	- název, který spojuje řadu uměleckých směrů běžných v letech 1905-1930. (fauvismus, kubismus, futurismus, expresionismus, dadaismus, surrealismus). Všechny tyto směry spojuje touha obnovit jazyk umění, přehodnotit jeho úkoly a získat svobodu uměleckého vyjádření.
   	- směr v umění od XIX - n.l. století, na základě kreativních lekcí francouzského umělce Paula Cezanna, který zredukoval všechny formy v obraze na nejjednodušší geometrické obrazce a barvu na kontrastní struktury teplých a studených tónů. Cezanne sloužil jako jeden z výchozích bodů pro kubismus. Cézannismus do značné míry ovlivnil i domácí realistickou malířskou školu.
   	- (z fauve - divoký) avantgardní hnutí ve francouzském umění AD. XX století Název „divoký“ dali moderní kritici skupině umělců, kteří vystoupili v roce 1905 na pařížském Salonu nezávislých, a bylo to ironické. Ve skupině byli A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen a další Fauvisty spojila přitažlivost k lakonické expresivnosti forem a intenzivních koloristických řešení, hledání impulsů v primitivní kreativitě, umění středověku a východu.
   	- záměrné zjednodušení výtvarné umění, napodobování primitivních fází vývoje umění. Tento termín označuje tzv. naivní umění umělců, kteří nezískali speciální vzdělání, ale byli zapojeni do obecného uměleckého procesu koncem XIX - brzy. XX století. Díla těchto umělců - N. Pirosmaniho, A. Russo, V. Selivanova a dalších - se vyznačují zvláštní dětinstvím ve výkladu přírody, kombinací zobecněné formy a drobné doslovnosti v detailech. Primitivismus formy vůbec nepředurčuje primitivnost obsahu. Často slouží jako zdroj pro profesionály, kteří si vypůjčují formy, obrazy a postupy z lidového, v podstatě primitivního umění. N. Gončarová, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse čerpali inspiraci z primitivismu.
   	- směr v umění, který se vyvíjel na základě navazování na kánony starověku a renesance. Bylo běžné v mnoha evropských uměleckých školách od 16. do 19. století. Akademie proměnila klasické tradice v systém „věčných“ pravidel a předpisů, které spoutaly tvůrčí hledání, a pokusila se postavit nedokonalou živou přírodu do kontrastu s „vysoko“ zdokonalenými, nenárodními a nadčasovými formami krásy dovedené k dokonalosti. Akademie se vyznačuje upřednostňováním námětů z antické mytologie, biblických či historických námětů před náměty ze současného života umělce.
   	- (francouzský kubismus, od kostka - kostka) směr v umění první čtvrtiny 20. století. Plastický jazyk kubismu byl založen na deformaci a rozkladu objektů na geometrických rovinách, plastickém posunu tvaru. Zrození kubismu nastalo v letech 1907-1908 - v předvečer první světové války. Nesporným vůdcem tohoto směru byl básník a publicista G. Apollinaire. Toto hnutí bylo jedním z prvních, které ztělesňovalo přední trendy v dalším vývoji umění dvacátého století. Jedním z těchto trendů byla převaha konceptu nad uměleckou hodnotou obrazu. J. Braque a P. Picasso jsou považováni za otce kubismu. Ke vznikajícímu hnutí se přidali Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris a další.
   	- hnutí v literatuře, malbě a kinematografii, které vzniklo v roce 1924 ve Francii. Významně přispěl k formování vědomí moderní muž. Hlavními postavami hnutí jsou Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Joan Miro a mnoho dalších umělců z celého světa. Surrealismus vyjadřoval myšlenku existence mimo realitu, zvláště důležitou roli zde hrají nevědomí, sny a denní sny. Jeden z charakteristické metody Surrealistický umělec je odtržen od vědomé kreativity, což z něj dělá nástroj, který různými způsoby extrahuje bizarní obrazy podvědomí, podobné halucinacím. Surrealismus přežil několik krizí, přežil druhou světovou válku a postupně splýval populární kultura, protínající se s transavantgardou, vstoupil jako integrální součást postmoderny.
   	- (z lat. futurum - budoucnost) literární a umělecký směr v umění 10. let. Futurismus si jako svůj hlavní program přisuzoval roli prototypu umění budoucnosti a prosazoval myšlenku zničení kulturních stereotypů a místo toho nabídl omluvu za technologii a nízkost jako hlavní znaky současnosti a budoucnosti. . Důležitou uměleckou myšlenkou futurismu bylo hledání plastického vyjádření rychlosti pohybu jako hlavního znaku tempa moderního života. Ruská verze futurismu se nazývala kubofuturismus a vycházela z kombinace plastických principů francouzského kubismu a evropských obecně estetických instalací futurismu.